Константин Адонаи - информационный портал

Немного людей может похвастаться тем, что видели чешские коронационные сокровища, даже сами чехи. Дело в том, что, в отличие от остальных европейских императорских и королевских коронационных регалий, чешские не выставляются в музеях, а хранятся далеко от взоров людских, как и полагается сокровищам. Только в очень редких случаях они экспонируются, и то очень недолго, а все остальное время хранятся в капелле Святого Вацлава (пристройке для хранения реликвий) в пражском соборе Святого Вита в главном месте Чехии – Пражском Граде. Пражский Град – резиденция главы государства, самая большая в мире и самый большой в мире замок. Кафедральный собор города — собор Святого Вита – и есть главное хранилище национальных ценностей Чехии. В капелле Святого Вацлава, которая сама по себе является сокровищем, находится его гроб, который ни разу не поменял местоположение, несмотря на многочисленные перестройки. Нижняя часть капеллы выложена полудрагоценными камнями: лиловым аметистом, зелёным халцедоном и другими, всего их 1345 штук. Цветной блеск этих самоцветов символизирует небесный Иерусалим. В капелле есть портал, который ведёт в сокровищницу, где находятся королевские регалии и другие ценности.

Главные символы государственности Чехии – скипетр, держава и корона. Королевская корона, несомненно, самая ценная часть коронационных регалий. Ее велел изготовить Карл IV в XIV веке, и он же ею короновался, став чешским королем и одновременно императором Священной Римской империи в 1347 году. В булле, выданной папой Климентом, сказано, что если кто-то эту драгоценность когда-либо похитит, заложит или продаст, тот «будет подвергнут гневу Всемогущего Бога и блаженных апостолов Петра и Павла» и отлучен от Церкви. Тогда же были установлены правила, по которым следовало обращаться с короной: она должна была постоянно находиться в пражском соборе Святого Вита, причем на черепе святого Вацлава, пржемысловского князя X века, патрона Чехии (бюст-реликварий, хранящий в себе его череп). Карл ни много ни мало посвятил корону святому Вацлаву и объявил, что король будет брать корону на один день у святого и только для коронации; с последними лучами солнца она снова должна вернуться на место. Поэтому корона называется также святовацлавской. Этим Карл IV достиг важной цели: корона стала не просто царской драгоценностью или символом власти. «Отец родины», как называют Карла IV чехи, сделал ее святыней и олицетворением государственности, придав ей символический смысл. Кроме того, в корону Карл вложил часть тернового венца Иисуса Христа, которую привез из Парижа; в короне французских королей также есть терновый шип. Таким образом, Карл IV показал, что чешский король не только равен французскому, но и является наместником бога на земле, как тогда говорили, «королем милостью божьей».

Удивительно, сколько внимания король Чехии и император Римской империи Карл IV уделил коронационному регламенту и всему, что связано с регалиями, включая специальное помещение в соборе. Он всю жизнь подбирал крупные, сходных тонов драгоценные камни для короны, стремясь к тому, чтобы она вызывала чувство восхищения и даже потрясения. Корона состоит из обруча и четырёх геральдических лилий по кругу, которые соединены двумя перекрещивающимися дугами, в центре на их соединении установлен крест с сапфировой геммой, изображающей распятие Христа. Гемма на сапфире, обладающем высокой твердостью, – сложнейшая в техническом отношении задача. Корона святого Вацлава сделана из чистого золота (21-22 карата) и весит почти два с половиной килограмма. Ее высота с крестом 19 сантиметров (как и диаметр). Она украшена крупными драгоценными камнями, некоторые из них являются крупнейшими в мире: 19 сапфирами, 44 шпинелями, 1 рубином, 30 изумрудами и 20 жемчужинами. Камни в XIV веке не гранились; их только полировали или шлифовали; закреплялись камни в высокую глухую оправу. Под дугами находится так называемая епископская митра, право на ношение которой получил когда-то от папы римского чешский князь Спитигев II в XI веке. С XIV века корона ни разу не изменялась.

С чешской короной связана интересная легенда: тот, кто без разрешения папы римского наденет её на голову, т.е. коронуется, тот в течение Сокровища чешской короныгода умрет. В 1941 году немецкие нацисты потребовали ключи от сокровищницы для осмотра; его возглавил исполняющий обязанности рейхспротектора Богемии и Моравии Рейнхард Гейдрих (фактически правитель чешских земель). По легенде, при осмотре коронационных регалий Гейдрих надел корону на голову. Версию этого события изложил Йиржи Шульц в книге «Двое против Рейха». «Он снова повернулся к короне, медленно протянул руки, взял корону и приподнял ее. Она была на удивление тяжелой. Он поднял ее над головой и на миг задумался. На лицах чехов отражалась смесь шока, ненависти и безнадежности. Медленно он положил корону себе на голову». Говорят, Гейдрих был очень амбициозным человеком и считал себя хозяином Чехии. Однако нет документальных сведений о том, что Гейдрих действительно надевал корону. Но в течение года он умер от ран, полученных при покушении на него двух чехословацких подпольщиков.

А по другой легенде, пока корона находится на своём месте, Чехия будет процветать. За время долгих столетий корона не раз перевозилась, и как раз в это время чешский народ пребывал в полном упадке.

Остальные коронационные регалии – скипетр и держава – были изготовлены позже короны, в первой половине XVI века, в эпоху Ренессанса, и решены в лучших его традициях. Длина королевского скипетра 67 см (российский императорский скипетр с алмазом Орлов имеет длину 59,5 см); он изготовлен из золота и украшен сапфирами, шпинелями и крупными жемчужинами. Цветные камни украшают верх скипетра – композицию из традиционных акантовых мотивов (в виде растительного завитка) периода Возрождения, а жемчужины тесно посажены на кольцах, опоясывающих жезл и делящих его на части. В одной из них прекрасный эмалевый растительный декор, синий с красным, а остальные покрыты чеканными акантовыми узорами.

Держава – наиболее интересная часть регалий в отношении декора. Это классическая круглая полностью золотая держава с крестом и поясом драгоценных камней посередине, высотой 22 сантиметра. Камни на кресте и пояске – шпинели и сапфирым – все тех же основных красно-синих тонов; жемчуг и эмаль оттеняют их. Крест украшен золотыми завитками, а шестигранное основание – белой эмалью и фигурками шести сфинксов. Жемчужины на пояске в виде ягодок декорированы эмалевыми листиками и золотыми спиральками-усиками. Вся поверхность золотого шара покрыта чеканными библейскими сценами. Чеканка выполнена на высочайшем уровне мастерства и с использованием новейших на тот момент техник; рельефные изображения великолепны.

Кроме коронационных регалий к сокровищам короны относятся крест с мощами и обрядный меч, которые также использовались в коронациях. Роскошно украшенный крест – удивительное произведение ювелирного искусства – изготовлен, как и корона, при Карле IV. Карл очень трепетно относился к всякого рода христианским реликвиям, поэтому в крест вложено много подобных редких предметов, которые считаются реликвиями распятия Христа: часть креста, гвоздя, два терния (шипа) из тернового венца, часть губки и веревки. Крест высотой 62,5 см сделан из пластин чистопробного золота, а передняя его сторона закрыта толстыми хрустальными пластинами в золотой раме. Под ними и находятся реликвии. Сапфиры, обрамляющие крест, специально закреплены так, чтобы через них проходил свет; это дает такой эффект, будто крест окружен небесным сиянием. Каждая реликвия оформлена как самостоятельное изделие ювелирного искусства: дерево от креста Иисуса представляет собой крестик в золотой оправе со шпинелями, сапфирами и жемчугом, а гвоздь украшен природными алмазом и рубином. С обратной стороны в коронационном кресте тоже есть вместилища для реликвий: мощи святого Панкраца, реликвии от Иоанна Крестителя и т.д. Дверками для ячеек с мощами служит коллекция выдающихся камей: античных, византийских, средневековых – камея из коричнево-синего оникса «Распятие», аметистовая камея с благословляющим Христом, халцедон с архангелом Михаилом, камея «Правитель», античная камея с головой императора. Особого внимания достоин сапфир с головой Иоанна Крестителя, закрывающий его реликвии. Такой большой обработанный сапфир - 41х26 мм - больше нигде не известен.

Меч, который во время коронации епископ подавал королю в знак того, что тому передаются чешские земли, называется святовацлавским. Считается, что этот обрядный готический меч принадлежал святому Вацлаву; до недавнего времени, однако, в этом не было никакой уверенности, но археологи Пражского Града выяснили, что его клинок намного старше, чем рукоять, которая украшена горным хрусталем, так что меч вполне мог принадлежать покровителю Чехии. Это оружие не было парадным и действительно использовалось по назначению. В верхней части клинка есть прорезь в виде креста для реликвария с мощами святого Вацлава, но они не сохранились.

В Градчанах, одном из районов Праги, в монастырском комплексе находится Лоретанская сокровищница с литургической утварью и церковными предметами XVI-XVIII веков. Главным предметом Лореты является монстранция, известная под названием алмазной. Монстранция – это дароносица, предназначенная для выноса из помещений реликвий или святых даров (хлебцев-облаток). Эта монстранция сделана в виде фигуры стоящей на скале Девы Марии, от головы которой исходят золотые лучи. Ювелиры Матиас Штегнер и Иоганн Кунихбауэр изготовили ее в конце XVII века из сильно позолоченного серебра и покрыли лучи 6222 алмазами. Она весит 12 килограмм. Алмазная дароносица получила за свой вид в народе название «Пражского солнца». Она до сих пор используется в богослужениях, но очень редко: в последний раз это было в 1999 году во время празднования четырехсотлетия прибытия первых капуцинов в Чехию.

Единственным предметом позднего Средневековья, самым древним в сокровищнице, является серебряный позолоченный потир с датой 1510 на Сокровища чешской короныножке. Эта работа неизвестного мастера украшена в комбинированной технике; судя по внешним украшениям и выбору святых, изображения которых расположены на потире, это чешская работа. Чаша кубка поделена на шесть эмалевых полей, попеременно синих и красных, с полуфигурами святых, изображениями Девы Марии и страданий Христа. Основание из шести долей также украшает литой, тонко вычеканенный рельеф с полуфигурами. Не исключено, что этот потир изначально находился в сокровищнице собора святого Вита.

Одной из самых ценных частей коллекции является домашний алтарь из эбенового дерева с серебряной фигуральной группой Рождества Иисуса Христа. Вифлеемская сцена изображена в точной копии архитектурного портала и окружена скульптурными изображениями Пьеты (Плача) и Христа-Спасителя. На алтаре клеймо известного аугсбургского золотых дел мастера Абрахама Лоттера Младшего.

В Старом Болеславе хранится Чешский Палладиум – талисман-защитник страны. Это рельеф из медного сплава, изображающий Мадонну с младенцем. Согласно легенде, его, по совету святых Кирилла и Мефодия, приказала изготовить святая Людмила, бабушка святого Вацлава, первая чешская княгиня-христианка. Она подарила его внуку, и тот всегда носил его на груди, а после его убийства родным братом Палладиум сохранил его верный слуга Подивен, который закопал образ в землю. Палладиум был найден случайно в XII веке, и на теперь здесь стоит храм Успения Девы Марии. По легене, крестьянин, нашедший образ, принес его домой, но на следующий день тот снова оказался в земле на прежнем месте. Так было три раза, пока крестьянин не отнес его в церковь. Каноники решили поставить на том месте часовню, а потом и храм.

У этой святыни трудная судьба: она многие годы скиталась по разным городам и странам, перевозимая то в новые резиденции, то захваченная интервентами, то украденная во время гуситских войн. Однажды Палладиум даже выкупили за 100 000 золотых. После очередного торжественного возвращения в Чехию в XVII веке образ был объявлен «Палладиумом земли Чешской». Тот факт, что этот предмет принадлежал Вацлаву, а также то, что к нему шли толпы паломников, чтобы помолиться ему и просить у него помощи, сделало эту реликвию настоящей ценностью для чехов. Корона и другие драгоценные украшения были добавлены позже; также видно, что образ реставрировался, т.к. его облик больше соответсвует образам XV века. Драгоценное украшение на шее Девы Марии закрывает отверстие – следы издевательств саксонских захватчиков, вбивших гвоздь в святой образ. Предания приписывают Палладиуму множество исполненных просьб и сотворенных чудес, но его главное чудо в том, что этот предмет из коринфской меди имеет такую силу вдохновлять, воодушевлять и облагораживать людей, пришедших ему поклониться. Палладиумы есть у многих стран: в России это икона Владимирской Божией Матери, в Таиланде – знаменитый изумрудный Будда. Эти артефакты не имеют цены, и не важно, из чего они сделаны. Они стали олицетворением страны, как святовацлавская корона, которая, как говорят очевидцы, излучает сильную положительную энергию. Люди стремятся к ней, ибо в ее присутствии людей охватывает ощущение интенсивного счастья. Настоящие сокровища с большой буквы – те, что несут радость и добро в мир и своей историей доказывают важность вечных ценностей: веры, преданности родине, любви.

Галерея драгоценностей Эрмитажа

При слове «Эрмитаж» большинство из нас представляет себе полотна великих художников. Однако Эрмитаж – это великолепный музей, в зданиях которого выставляется и хранится колоссальное количество и других ценных и редких предметов.  – второе по величине собрание ценностей в России после Алмазного фонда и одно из крупнейших в мире.

Название коллекция получила во времена Екатерины II, но предметы, положившие начало собранию Галереи, начал собирать Петр I. Когда в северную столицу переместились из Москвы все официальные службы, к этой коллекции прибавились и некоторые предметы из Оружейной палаты, уже тогда бывшей хранилищем казны, военных трофеев, дипломатических подарков и т.д. Екатерина II, обладавшая собственной обширной коллекцией драгоценностей, преобразовала ее в «Императорский музеум». Таким образом, собрание начало пополняться целенаправленно и на официальных началах. Поначалу оно умещалось в двадцати шести шкафах и одиннадцати витринах; благодаря покупкам русских правителей, дарам и вкладам частных лиц и монархов Галерея драгоценностей постепенно пополнялась. Еще до обретения статуса «музеума» коллекция драгоценностей хранилась в так называемой бриллиантовой комнате – бывшей парадной опочивальне императрицы – и там и осталась позже. Современники говорили, что комнату императрицы можно считать «самым богатым кабинетом драгоценных вещей».

По бокам от входа в Галерею были выставлены два туалетных шкафа работы мастеров Аугсбурга, украшенные серебряными и черепаховыми пластинами. Шкафы принадлежали когда-то правительнице Софье Алексеевне — сестре Петра I. Здесь же трость Екатерины II из пальмового дерева с георгиевской лентой — французская работа в стиле Людовика XIV; в эмалированный набалдашник трости был установлен золотой флакон.

В целом коллекция Галереи драгоценностей делится на две части: Золотая кладовая и Бриллиантовая кладовая. В Золотой кладовой хранится около полутора тысяч золотых изделий c VII века до н.э. по XIX век, основная часть всего собрания; в большинстве своем это археологические находки на территории России и предметы, представляющие ценность с точки зрения истории культуры. В Бриллиантовой кладовой коллекция подобрана так, чтобы показать развитие именно ювелирного дела на протяжении многовековой истории человечества – от третьего тысячелетия до нашей эры и до начала XX столетия.

Золотая кладовая
Предметы, упоминавшиеся выше как первые в собрании, – это Сибирская коллекция Петра I. Это не что иное, как купленные у грабителей могильников двести золотых изделий «варварских» культур. Они были доставлены в Санкт-Петербург из Сибири по указу Петра I князем М. П. Гагариным. Среди них были скифские золотые поясные пластины-застежки в виде животных, гривны и браслеты в знаменитом скифском «зверином» стиле: украшенные сценами борьбы животных, а также охоты и бытовых сцен. Невероятно высоко мастерство исполнения фигур животных и людей; среди современных изделий не найти такого изящества и естественности поз. После начала раскопок в Причерноморье, в Прикубанье и Приднепровье в Золотую кладовую поступили и другие ставшие всемирно известными скифские изделия: знаменитые золотые накладки на щит в виде оленя с завитыми рогами и свернувшейся в кольцо пантеры; гребня с изображением сражающихся воинов, золотая чаша из царского погребения с чудесными сценами из обычной скифской жизни – шедевр древних мастеров-торевтов, занимавшихся чеканкой и тиснением золотых изделий и отделкой литых предметов.

Археологические раскопки близ Керчи в 1813 году, в древнем Пантикапее, столице Боспорского царства, дали Галерее драгоценностей прекрасные образцы эллинского искусства. Здесь сложилась необычная культура, соединившая греческий и варварский мир. Например, золотые гривны – признак власти в варварских обществах – изготовлены в Греции. Шикарное ожерелье с тремя рядами золотых подвесок из кургана Большая Близница на Таманском полуострове отличается тончайшей отделкой и изяществом. Для греческой культуры характерны перстни-печатки и подвески-инталии, использовавшиеся в качестве личной печати, украшения и амулета, так как на них чаще всего изображались боги и богини. Таков золотой перстень-печатка с изображением сидящей Афины со щитом и Никой в руках; инталия в золотой оправе из полупрозрачного голубого халцедона-сапфирина, весьма ценимого в то время, с изображением Медузы Горгоны. Инталия была изготовлена в V веке до н.э. и найдена в одном из курганов под Керчью.

Когда-то давно, в IV веке до н.э., началось Великое переселение народов. Оно происходило на территории от азиатских степей и до атлантического побережья. В то же время на арену истории вышли гунны-завоеватели. Они носили красивые драгоценные украшения в своеобразном стиле, которые тоже экспонируются в Галерее драгоценностей. Особенность гуннских древностей – в использовании перегородчатых инкрустаций из красных камней: красных гранатов, альмандинов, сердолика, янтаря, красного стекла, а также в применении техники зерни в виде орнаментов и использовании знаменитых золотых «плетенок» и «веревочек». В Галерее хранятся фибулы-застежки с гранатами, диадемы, пальчатые колты – височные подвески, наконечники, драгоценная конская упряжь, головные уборы и т.д.

В Золотой кладовой экспонируется церковная утварь византийских мастеров, а также европейских ювелиров эпохи готики, например, известный Фрайбургский крест, созданный в конце XIII века для хранения частиц Животворящего Креста, привезенных немецкими крестоносцами из Палестины. Кроме того, в коллекции много религиозных предметов, находившихся в личном пользовании членов царской семьи. Принято было личные «наперсные», т.е. нагрудные кресты-мощевики завещать потомкам или церквям. Так же обстояло дело с личными иконами. Эти предметы по разным причинам попадали в Императорский Эрмитаж. Шедевром считается потир работы мастера Буде, выполненный по заказу Екатерины II в 1790 году. Золотая чаша потира декорирована расписными медальонами в небесно-голубых тонах и оплетена тонкой золотой филигранной сеткой. Уникальна чарка XVII века из цельного куска красного граната, выполненная в форме традиционной русской ладьи, в золотой оправе и с ручкой, инкрустированной алмазами, изумрудами, рубинами и шпинелями, расписанная эмалью.

Золотая кладовая обладает редчайшим собранием индийского ювелирного искусства XVII века. Это настоящие сказочные сокровища. К примеру, маленький низкий красный столик. Красный цвет вблизи оказывается сплошной мозаикой из рубинов-кабошонов. Индийские изделия – коробочки, подносы, сосуды, коллекция оружия – отличаются невероятным богатством инкрустации, они буквально сплошь покрыты драгоценными камнями, между которыми не видно даже просвета золотой основы.

Бриллиантовая кладовая
Особую гордость Бриллиантовой кладовой составляет коллекция украшений эпохи Возрождения, исполненных в модной тогда морской тематике, с использованием барочного (неправильного) жемчуга, с глубоко закрепленными камнями-кабошонами. В XVI-XVII веках были популярны подвески в форме каравеллы; в Эрмитаже хранится подвеска-каравелла из цельного изумруда, а также из барочной жемчужины в форме корпуса корабля. Неведомыми путями попала в Эрмитаж подвеска знаменитого «пса Елизаветы», мореплавателя Френсиса Дрейка. Это полупрозрачный округлый розовый кварц, к которому прикреплен золотой крепеж для цепочки, на котором написано имя владельца и дата «1590», а также нарисован корабль, рассекающий волны, и схематически изображенный земной шар.

Своего рода раритетом, достойным кунсткамеры, является собрание изделий из золоченой меди, серебра и кораллов XVII века из города Трапани на Сицилии. В металлической заготовке, например, кувшине-рукомое, делались фигурные прорези для вставок из кораллов. В результате изделие приобретало такой вид, словно кораллы появились откуда-то изнутри кувшина через отверстия в металле. Такого рода предметы больше нигде не делали.

И все же основную часть Бриллиантовой кладовой составляют драгоценности XVIII века. Это неудивительно, ведь это время называлось веком бриллиантов. Чего только не делали европейские ювелиры для взыскательных покупателей: табакерки, шкатулки, коробочки, мушечницы, нессесеры, часы, веера, флакончики для духов, украшения для волос, шляп и платья, перстни и браслеты. Множество таких изделий собрано в Бриллиантовой кладовой.

Елизавета Петровна пополнила собрание Эрмитажа коллекцией табакерок самых разных форм. Табакерка применялась не только как коробочка для табака, но и как драгоценная награда за услуги императрице, а также в качестве дипломатического и интимного подарка. В Эрмитаже есть овальная табакерка с вензелями Екатерины II и одного из ее фаворитов Семена Зорича. Сохранились и две табакерки царя Петра неизвестного мастера: черепаховые, инкрустированные золотом; одна овальная с миниатюрой, изображающей корабли в гавани Санкт-Петербурга, а другая сама в виде корабля со стеклянными окошками.

Часы также были весьма популярным предметом. Они прикреплялись к поясу специальной цепью – шатленом. Кроме часов, на отдельной цепочке висел ключик для их завода, на другой – драгоценная подвеска, на третьей – еще какая-нибудь изысканная мелочь. Все это обильно украшалось бриллиантами, рубинами и сапфирами. Часы были и настольные, как правило, работы английских, французских и швейцарских мастеров.

В одно время с Екатериной Великой жил и творил не менее великий механик-самоучка Иван Петрович Кулибин. Он преподнес императрице через ее фаворита графа Владимира Орлова часы в яйцеобразном золоченом ажурном корпусе; это было удивительно, так как русские мастера не делали механизм часов, изготавливая только драгоценный корпус. Кроме обычного хода, часы содержали в себе еще музыкальный механизм и двигающиеся фигуры.

Говоря о драгоценностях императрицы Екатерины II, невозможно не вспомнить ювелира Иеремию Позье, мальчиком приехавшего в Петербург с отцом и проработавшего много лет в России, создавая ювелирные шедевры для трех императриц и всей знати. Среди его работ в Бриллиантовой комнате хранятся табакерки из золота, украшенные ветвями из бриллиантов, а также драгоценные букеты, которые дамы носили на поясе или плече или крепили к лифу платья. Камни закреплялись в серебряные оправы, благодаря чему бриллианты не имели желтого оттенка, а золото служило лишь для соединения отдельных цветков в букет, таким образом, цветы были закреплены подвижно и, сверкая, шевелились при движении. Для демонстрации букетов в XIX веке были сделаны специальные вазочки из горного хрусталя с эффектом наполненности водой.

Во времена Александра I стали востребованными солонки, представлявшие собой открытую чашу. Эти солонки вместе с блюдом использовались для поднесения хлеб-соли на императорских приемах, а также в качестве подарков, например, от купцов в ознаменование отмены какого-нибудь налога. Солонки делались из золота или серебра и богато украшались пластическими элементами, чеканкой, гравировкой.

Петербургские ювелиры были, в основном, иностранного происхождения, поэтому в коллекции Эрмитажа большинство изделий XVIII века – это изделия иностранцев: И. Позье, Ж. Ф. К. Буде, И. Г. Шарфа, Ж. П. Адора, братьев Дювалей и братьев Теремен. Спрос на украшения был невероятно высок. Та же тенденция продолжилась и в XIX веке; этот период расцвета ювелирного искусства Петербурга связан с именем Карла Фаберже и его мастерской. Пожалуй, главным, самым знаковым произведением Карла Фаберже в коллекции Бриллиантовой комнаты является копия императорских регалий: Большой и малой императорских корон, скипетра и державы. Копия выполнена в десятикратном уменьшении от оригинала; регалии помещены на подушечки из белого бархата с серебряными кисточками. Подушечки, в свою очередь, укреплены на серебряных постаментах. А все это миниатюрное великолепие располагается на постаменте из розового кварцита в виде римской колонны с желобками, украшенной серебряной гирляндой. На изготовление копии императорских регалий Фаберже получил специальное разрешение Двора. Работа была представлена на Всемирной промышленно-художественной выставке в Париже в 1900 году. Фаберже был награжден Золотой медалью выставки, орденом Почетного легиона и признан одним из лучших ювелиров мира. После выставки в Париже Николай II приобрел изделие для Эрмитажа.

Коллекция XIX века пополняется и в наши дни. В начале XX века для Эрмитажа были приобретены произведения в стиле модерн знаменитого французского ювелира Рене Лалика. В их числе были подвеска «Клубок змей», пряжка «Жуки» и роговой гребень с серебряной накладкой в виде букета.

Даже немногие отдельные изделия из Галереи драгоценностей производят неизгладимое впечатление, что же говорить тогда, если можно увидеть всю коллекцию. И чтобы взглянуть на нее, не нужно ехать в Лувр, в Вену или Дрезден с его сокровищами «Зеленых сводов», достаточно приехать в Санкт-Петербург и посетить Эрмитаж, чтобы прикоснуться к истории ювелирного искусства мира. Эта возможность бесценна, как сама коллекция Галереи драгоценностей.

Ювелирное искусство Древнего Египта

Долгие годы не только европейцы, но и сами египтяне не знали, что обозначают иероглифы и сложные рисунки в египетских храмах и на древнеегипетских изделиях. Имело значение только золото, язык которого понятен всем. Однако ценность древнеегипетских ювелирных изделий складывается не только из ценности материалов, но и из магически-религиозной силы, воплощенной в них. Поражает строгость, каноничность, величественность этих предметов, а главное – загадочная, но четкая символика, которая видна любому, даже впервые увидевшему их. Кроме поразительной красоты форм и цветовых сочетаний они имеют свой неповторимый, ни на что не похожий стиль, легко узнаваемый и получивший эпитет «египетского»: каждое изображение, даже самое крохотное, изображено с большой тщательностью, канонично повторяется в разных изделиях, а главное, имеет смысл. Египетские украшения все до единого служили религиозным потребностям, в том числе заупокойному культу и культу обожествления фараона. Это касается не только ювелирных изделий, но и подавляющего большинства других памятников искусства. Любое изделие связано с каким-нибудь божеством, символом, и все это составляло большую часть жизни тех, кто пользовался этими изделиями, поэтому они и сама жизнь древних египтян кажутся нам пронизанными волшебством, древней магией великих богов.

В период Раннего царства (около 3000 лет до н.э.) египтяне носили многочисленные магические амулеты, которые постепенно становились все более похожи на украшения, но, в отличие от других стран, не потеряли, а наоборот, усилили свой магический смысл. Медь уже давно добывалась в копях Синайского полуострова, золото шло из восточной части Нильской долины, из пустыни, а камень был везде, поэтому недостатка в материале для изготовления ювелирных изделий не было. Сокол Гор (или Хор) был покровителем большинства царей Раннего царства, поэтому чаще всего изображался на амулетах. Во времена Древнего царства начали снаряжаться «хозяйственные» экспедиции, не всегда мирные, в соседние и дальние страны; таким путем в Египет стало поступать золото из страны Пунт – так египтяне называли южное побережье Красного моря, а с восточного побережья Средиземного моря привозили ливанский кедр для саркофагов. Редкие виды камней попадали в Египет издалека, сложным путем ряда обменов, как, например, лазурит с территории современного Афганистана. С приходом новых династий меняется государственная религия, появляется новое главное божество – Ра – бог Солнца, и теперь царь не только отождествляется с Гором, но и считается сыном бога Ра, что сразу же сказалось на облике ювелирных изделий.

Пик могущества и расцвет культуры Древнего Египта пришелся на период Нового царства – примерно 1600-1000 лет до н. э. К этому периоду относится правление знаменитого Тутанхамона, который умер, не дожив до девятнадцати лет, примерно в 1342 году до н.э., и не оставив после себя живых потомков. Этот молодой фараон так прославился в ХХ веке только потому, что его гробница единственная оказалась неразграбленной (хотя и оттуда была украдена часть украшений) в течение тысячелетий; после упорных поисков она была обнаружена британским исследователем Говардом Картером в 1922 году. Остальные же захоронения в Долине Царей оказались давно разорены, многие еще во времена фараонов, иногда самими же царями – когда с целью стереть память о предшественнике, а когда и из-за нехватки денег в казне. Гробница Тутанхамона содержала около пяти тысяч предметов, большинство из которых были ювелирными изделиями. Эта находка признана самой важной в ХХ веке; исключительная роскошь быта египетских царей и просто знатных людей поражает воображение. Трудно поверить, что все эти великолепные украшения запросто носились каждый день.

Время Нового царства – время успешной завоевательной политики, в результате которой в страну хлынули потоки драгоценных металлов и камней, ценных пород деревьев, слоновая кость и т.д. Формы изделий и технологии их изготовления достигли в это время совершенства; египтянам были известны ковка, гравировка, припой, зернь, филигрань, прокат проволоки, холодная эмаль (включение кубиков стеклянной пасты и цветных камней между золотыми перегородками). Великолепно владели они и глиптикой – резьбой по камню.

Классический прием, который используется египетскими ювелирами во всех изделиях, – полихромный эффект. Сочетание нескольких постоянных цветов характерно для всего ювелирного искусства Древнего Египта. Эти сочетания достигались использованием излюбленных материалов: золота, серебра, электрума (самородного сплава золота и серебра), бронзы; бирюзы, лазурита, сердолика, аметистов, яшмы, обсидиана, изумрудов, горного хрусталя. Иногда использовали фаянс.

Золото связывалось с культом бога Солнца Ра (Нижний Египет); серебро – с Исидой и Луной. Серебро было редким металлом, вывозилось из страны хеттов – Малой Азии и ценилось даже выше золота не только из-за редкости, но и из-за связи его с Исидой. Камни считались амулетами, способными принести удачу, отогнать беду, придать мужества, принести счастье. Но главнейшее их свойство – способствовать благополучному переходу из земной жизни в загробный мир и загробную жизнь. Именно для этого и строились годами пирамиды и копались подземные туннели, в которых оставлено столько предметов: для успешного перехода «туда» и счастливой жизни «там». Конечно, простые граждане не могли себе позволить построить огромные усыпальницы, но и они делали все, что считалось необходимым, чтобы переход в загробный мир осуществился: использовали амулеты из камней-самоцветов с иероглифами.

Культовое значение имели не только материалы, из которых изготавливались ювелирные изделия, но и сами формы изделий. Например, круглые шейные украшения из золота с драгоценными камнями и стеклянными бусинами символизировали солнечный диск, воплощение бога Атона, создателя мира. Крупные подвески-пекторали прямоугольной или трапециевидной формы олицетворяли Амон Ти – «землю Амона», бога Солнца Верхнего Египта. По этой земле путешествуют души умерших. Изображения на подвесках Амона и Ра (Амон-Ра после объединения Египта) в виде солнечного диска с крыльями являлись защитниками мумий. Браслеты носили на ногах и руках; распространены были кольца, бусы, серьги, диадемы, пояса. Серьги носили и мужчины, в обоих ушах. Кроме того, из золота и драгоценных камней изготавливались и предметы быта, кинжалы, статуи, троны, ларцы, ковчеги, шкатулки для благовоний, сосуды для притираний, кувшины, сандалии, ритуальные топоры, саркофаги и колесницы – все, чем пользовались цари и их родственники не только при жизни, но и в загробном мире. Внутренний саркофаг Тутанхамона – целиком из золота и весит 110,4 кг.

Торжественный головной убор фараона состоял из двойной короны с коршуном и змеей-уреем и двумя перьями по бокам. Обычно фараон носил немес — большой плат из полосатой (синей с золотом) ткани, закрепленный на лбу золотой полоской с коброй-уреем и спускающийся на плечи двумя фалдами. Жена фараона носила золотой головной убор с эмалевым изображением коршуна, крылья которого спускались по обе стороны лица, или золотую диадему. Сложные прически и парики украшались живыми цветами лотоса. Чем больше на египтянине было ткани и украшений, тем он был знатнее, причем льняная ткань была настолько тонкой, что даже через пять слоев просвечивало тело. При этом она была очень качественной и прочной. Рабыни ходили практически голыми, за исключением узкого пояса на бедрах. Драгоценные пояса носили как мужчины, так и женщины. На поясе царевны Меререт, дочери Сенусерта III, среди аметистовых бусин находятся изображения голов пантер из золота; пантера считалась защитницей людей.

Широкие ожерелья изготовлялись из мелких бусин и больше походили на воротники, закрывавшие часть груди; большие застежки служили противовесами. Должностные лица и жрецы носили ожерелья цветов, соответствовавших их чину. Состоятельные граждане носили бусы, подвески; бусы делали из камней самых разнообразных форм: и круглые, и дисковидные, и бочковидные, и в форме символов-амулетов. Широкие браслеты носили и мужчины: на запястьях и плечах, женщины носили их также на лодыжках. Египтяне надевали много колец, по несколько штук на палец, поскольку кольца с камнями считались амулетами. Люди простые носили кольца из фаянса в форме излюбленных символов: скарабея и глаза Гора.

Скарабей (божество Хепри, Хепер или Кефер – разница в прочтении многих древнеегипетских слов проистекает от того, что гласные на письме не обозначались, и восстановить звуковой облик слова достаточно сложно) – наиболее популярный символ, изображения которого встречаются практически на всех ювелирных изделиях древних египтян. Они находили в жуке, неутомимо катящем навозный шарик, сходство с движением солнца по небу, поэтому скарабей считался символом восходящего, утреннего солнца и воскрешения души. Скарабей с крыльями и огненным шаром в лапках становится символом нового, молодого Солнца весны, которое побеждает тьму и вновь воскресает, давая толчок новой жизни. Этот амулет обязательно клали в саркофаг, чтобы умерший мог возродиться к новой жизни. Чаще всего скарабеев вырезали из лазурита, считавшегося магическим камнем. На обратной стороне жука вырезали иероглифы; таких скарабеев вкладывали в слои ткани, в которую заворачивали мумий, вместо сердца. Эти скарабеи так и называются – сердечными.

Еще один распространенный мотив и могущественный символ – глаз Гора (Уджат, Уаджет, Учат). Согласно мифам, Сет вырвал левый глаз Гора в битве, но бог Тот восстановил его, поэтому левый глаз Гора считался символом исцеления, амулетом крепкого здоровья, оберегом от болезней; правый глаз – это защита от магии и злых сил. Кроме того, он отождествлялся с царским Уреем, поэтому именно «правое божественное око» чаще изображается на предметах царских семей. Его вырезают на камне и из камня, рисуют на папирусах, стенах гробниц и лодках, изображают на креслах, кроватях, ларцах, сосудах и т.д.

На головах фараонов часто можно видеть страусиное перо Маат (символ правды и справедливости), в руках богов – крест Анкх – символ вечной жизни. Ювелирные изделия украшены изображениями цветов лотоса – символа возрождения, в этих цветах родился Гор. Вообще изображения событий, связанных с жизнью Осириса, Исиды и их сына Гора – главные священные события для Древнего Египта. Так как фараоны вели свою родословную от Осириса и Исиды, то они и заказывали ювелирам такие изображения; чем сложнее было изображение, чем больше в нем было символов, тем дороже стоило его выполнение, поэтому такое могли позволить себе только состоятельные люди. В красивой подвеске, которую клали в саркофаг, могло быть зашифровано имя умершего и целое послание или пожелание ему или обращение к богам. На пекторали Тутанхамона зашифровано его тронное имя – Небхепрура («Владыка превращений Солнца»): под лапками скарабея иероглиф «неб» («владыка»), на скарабее три черточки – «хепру» («превращение»), а над головой жука – диск солнца – Ра.

Не случайно украшения носили именно на груди или на лбу. Такие места у египтян ощущались как священные; украшение, носимое на груди, защищало сердце; египтяне всегда закрывали лоб символами могущества и власти. Все эти и другие точки на теле человека известны и как чакры – в индийской традиции некие круги, считающиеся особыми нематериальными, эфирными органами человека, которые управляют психической или духовной жизнью человека. Сочетания золота, серебра и некоторых камней считались магическими. Например, золото и лазурит олицетворяли защиту солнца и неба, т.к. лазурит считался камнем небесного происхождения.

Предметы, сделанные специально для умерших, отличались от тех, что использовались при жизни. Практичные египтяне не делали в подвесках для мумий отверстий, их просто клали сверху: ведь мумии не двигаются. Сопровождали умерших и предметы, которыми они пользовались при жизни: например, трон Тутанхамона из дерева, обшитого золотом и богато украшенного инкрустацией из разноцветного фаянса, стекла и камней, или золотые сандалии. Но перечислить даже небольшую часть предметов, положенных в гробницу одного только Тутанхамона, очень трудно – так их много. Древнеегипетские ювелирные изделия сложно классифицировать именно поэтому: даже те немногие сохранившиеся захоронения египтян дали миру огромное количество драгоценных предметов. Египтяне жили в бронзовом веке и только во времена Нового царства узнали железо, которое привозилось из других стран, и было чрезвычайно редким. Но железо ржавеет и превращается в пыль, и только нетленное золото в полной мере выражает идею вечной жизни и воскрешения. Золото и драгоценные камни и спустя тысячелетия позволяют читать послания к древним богам: понимание астрономической и мифологической символики сделало это возможным, но налет загадочности остался. Не таким ли и должно быть лучшее произведение ювелирного искусства: исполненное глубокого символического смысла, выраженного посредством так гармонично подобранных материалов и выполненное с таким мастерством, что от общего впечатления и ощущения соприкосновения с шедевром захватывает дух.

Броши: история и современность

При слове «брошка» до недавнего времени вспоминались только, пожалуй, словосочетания «бабушкина брошь» да с легкой руки Аллы Пугачевой «мадам Брошкина». Однако мы все, так или иначе, носили брошь и ее разновидности: значки октябрят и комсомола, любимых музыкальных групп и футбольных команд, и просто значки с именами. Тем, кто постарше, мамы в детстве прикалывали брошь к зимней шапочке.

Брошь переживает второе рождение в наши дни, стало актуально украшать одежду самыми разнообразными ее представителями. Начав свой путь еще в бронзовом веке, пять тысяч лет назад, в качестве обычной застежки для одежды, она доросла до сольной партии в симфонии ювелирных украшений. Застежка получила название фибулы (лат. fibula – шпилька, застёжка). В бронзовом веке фибулы были распространены в Скандинавии, Венгрии, Северной Германии, а позже, в железном веке, практически повсеместно на территории Евразии. Составные части фибулы – это игла; дужка, или корпус; желобок (иглодержатель, предохраняющий фибулу от расстегивания и кожу от царапин); пружина, соединяющая иглу с дужкой-корпусом. Кроме фибул, были и простые платяные булавки – иглы, оканчивающиеся чаще металлическим шариком, богато изукрашенным.

Фибулы имели несколько разновидностей: венгерские фибулы делались из одного куска проволоки, причём один конец дужки, сделав короткий спиральный оборот, переходил в иглу, а другой, также закрученный спирально, служил иглодержателем. Эта конструкция напоминает традиционную английскую булавку-пинку. Скандинавские и кельтские фибулы отличаются тем, что игла и дужка не составляют одного целого. Дужка здесь представляет собой полумесяц или круг, который удерживает иглу, скрепляющую ткань. Греческие фибулы состоят преимущественно из двух или четырёх спиральных кружков, соединённых вместе. Игла выходит из одной спирали и укрепляется на другой. В древнейших италийских фибулах иглодержатель образуется несколькими оборотами спирали. В дальнейших модификациях спиральный иглодержатель заменяется сначала круглой плоской пластинкой, затем пластинкой с загнутыми краями, образующими желобок. Все эти части фибулы подверглись многочисленным изменениям, которые особенно отразились на корпусе-дужке, игравшей роль украшения, и на иглодержателе и пружине, от устройства которых зависела практическая пригодность фибулы. Каждая эпоха оставила на фибуле отпечаток своих эстетических и религиозных воззрений, технического развития, поэтому фибулы имеют огромное значение для доисторической хронологии.

В Древней Греции и Риме фибулы получили широчайшее распространение благодаря одежде свободного кроя. Чаще всего это был просто прямоугольный кусок ткани, который складывался пополам и закреплялся на плечах. Женщины носили фибулы как на верхней, так и на исподней одежде, мужчины же только на верхней, закрепляя их на одном плече. Простые люди носили бронзовые фибулы без украшений; те, кто мог себе это позволить – из драгоценных металлов, иногда инкрустированные самоцветами и драгоценными камнями, украшенные литыми фигурками людей и животных, орнаментом, цветным стеклом. Стекло ценилось наравне с ювелирными камнями, поэтому часто можно увидеть его рядом в одном украшении с сапфирами и изумрудами. Шотландские кельты скрепляли фибулой свои накидки, и если воин погибал, не оставив после себя никакого богатства, кроме славы и доблести, то на деньги от продажи фибулы ему и устраивали похороны. Фибула была не просто дорогим украшением, но и показателем положения в обществе. Брошь VII века в виде диска из Виттислингена, хранящаяся в Национальном музее ранней истории Баварии в Мюнхене, показывает высокое мастерство знаменитых баварских ювелиров. Золотая брошь изукрашена филигранным орнаментом из золотых проволочек, инкрустирована красными гранатами – весьма популярными в то время камнями.

Фибулы просуществовали вплоть до раннего средневековья, до XIII века, в качестве застежек плащей, а также накидок (плювиалей) католических священников. Плащ застегивали на груди или плече, а облачения священников – только на груди. Были и парные фибулы, которые соединялись друг с другом цепочкой. Ювелиры раннего средневековья использовали для изготовления фибул тонкое листовое золото, драгоценные кабошоны, жемчуг, античные геммы и камеи; украшали их филигранью и цветной эмалью.

Изменения в социальной жизни Европы приносят изменения в моду и в ювелирные изделия. Появляются аграфы – нарядные застежки или пряжки на одежде. Они служат не только украшениями, но и застегивают отворот шейного выреза в женской одежде. Значительно расширилась тематика изображений: кроме простых узоров появляются изображения цветов, символов, сцен духовного содержания (не только в одежде духовенства), надписи (духовного, любовного содержания, девизы). Особо популярны были изображения цветов и листьев, стрел, ключей и т.д. Такие аграфы были традиционным подарком возлюбленным дамам.

В XIII веке преобладают аграфы из золота и драгоценных камней, в XIV-XV веках – из серебра с эмалью. К прекраснейшим драгоценностям средневековья принадлежат пластически моделированные, эмалированные по золоту аграфы работы бургундских мастеров начала XV века. Наряду с фигурными мотивами из Библии и церковной истории они украшались изображениями сказочных животных и птиц, излюбленными женскими образами и цветами. Эти роскошные украшения часто приносились в дар фавориткам французского королевского двора.

В эпоху Возрождения застежки и аграфы сдали позиции, и на первом месте оказались подвески. В XVII веке разнообразные платяные булавки вернули былую популярность, но уже в виде брошей. В женской одежде появилось множество складок, драпировок, которые требовалось чем-то скреплять. С этой задачей справлялись броши, органично вписавшись в стиль барокко, расцветший в эпоху Ренессанса пышным цветом. По легенде броши ввела в моду придворная дама Людовика ХIII мадам де Савиньи. «Брошь Савиньи» состояла из двух частей: к верхней, напоминающий бант, крепилась подвеска. Такая форма возникла из-за привычки привязывать к одежде подвески атласными лентами. Часто броши просто пришивались на платье. Чем пышнее платья требовалось носить по моде, тем роскошнее становились ювелирные украшения. Это были уже не те строгие готические силуэты платьев былого и не те канонические фигуры святых на эмалевых брошах. Строго симметричные, богато украшенные разноцветными сапфирами, изумрудами, рубинами, бешено популярным жемчугом, теперь они подчеркивали декольте и шею. Обратная сторона брошей декорировалась эмалью. Аграфы, ставшие украшением не только одежды, но и прически и головных уборов, а также пряжки и броши повторяли одни и те же мотивы: гирлянды цветов и венки листьев, плоды и раковины, завитки и банты. Брошь стала исключительно женским украшением.

Во второй половине XVII века ювелиры использовали, в основном, алмазы, ограненные розой, а в XVIII веке им на смену пришли алмазы близкой к современной бриллиантовой огранки. Аграфы сохранили свою утилитарную функцию в редких торжественных случаях. Такова бриллиантовая пряжка-аграф из серебра и золота из Алмазного фонда России. Она изготовлена ювелиром Иеремией Позье около 1750 года и имеет длину 25 см. Пряжка-аграф представляет собой бант, состоящих из трех пышных, соединенных посередине ветвей, усыпанных индийскими и бразильскими бриллиантами. Эта великолепная вещь принадлежала императрице Елизавете Петровне и скрепляла коронационную мантию.

Мода на цветные драгоценные камни отразилась в броши «Большой букет» из того же собрания. Она изготовлена в виде букета цветов, перевязанных лентой; однако теперь известно, что бриллианты в этой броши прозрачные, а под ними подложена цветная фольга. Но и бриллианты на какое-то время, с приходом в моду стиля ампир, были вытеснены более лаконичными и строгими материалами: полудрагоценными и поделочными камнями, на которых вырезали изображения – геммы. Геммы с выпуклой резьбой назывались камеями, а с углубленной – инталиями. Камеи стали чрезвычайно популярны в Европе, а затем и в России; их коллекционировали, оправляли в бриллианты, хотя они вырезались на ониксе и других обычных халцедонах.

Со второй половины XIX века с развитием естественных наук ювелиров привлек мир насекомых, и это стало поворотным моментом в истории броши. Насекомые навсегда поселились в ювелирном мире, и до сих пор подавляющее большинство ювелирных домов имеет свой драгоценный инсектарий, пополняемый время от времени новыми украшениями. Ювелиры XIX века серьезно подходили к делу и даже имели альбомы с натуралистическими зарисовками насекомых, заказывали эскизы у энтомологов. Арт-объектами становились романтические бабочки, загадочные стрекозы, колоритные редкие жуки, милые божьи коровки. Еще одним заметным трендом XIX века стали траурные броши, введенные в моду английской королевой Викторией после смерти ее мужа принца Альберта. Королева долгие годы носила в память о муже броши из черных самоцветов.

Если век XVIII стал золотым веком ювелиров, то XIX, несомненно, – серебряным. Кроме иностранных наконец-то громко зазвучали и русские имена: Сазиков, Хлебников, Овчинников. На первый план выходит индивидуальное мастерство художника-ювелира и мастера-исполнителя. Соединяясь с последними достижениями техники, они рождают произведения тонкого вкуса, высокого художественного уровня и совершенного технического исполнения. Ювелиры охотно используют новые полудрагоценные камни, появившиеся с развитием горного дела: уральские хризолиты, хризопразы, александриты и гранаты. В отделке применяются эмали и гильоширование – гравировка на поверхности металла сетки волнистых, ритмично переплетающихся линий. В антикварных магазинах можно найти замечательные аметистовые, гранатовые и агатовые броши того времени, украшенные бриллиантами и жемчугом.

Рубеж XIX-XX веков ознаменовался появлением «нового стиля» – «art nouveau», Ар Нуво, более известного как модерн. Главным источником вдохновения стала природа: плавные, изогнутые линии, растительные мотивы встречаются во многих украшениях; появились и абстрактные мотивы. Легкость и «игра» пришли на смену привычным классическим образам, а имена Фуке, Тиффани и Лалик стали синонимами модерна. Француз Рене Лалик много лет работал сразу в нескольких престижных ювелирных домах: Aucoc, Cartier, Boucheron; он говорил, что украшения были его «первой любовью». Его броши носила и русская императрица Александра Федоровна.

В брошах, как в никаких других ювелирных украшениях, есть большой потенциал для выражения авторской идеи. Поэтому брошь часто становилась зеркалом общественной и политической жизни страны. Во время второй мировой войны, в 1942 году, в «Картье» создали брошь «Птица в клетке», символизирующую оккупированную фашистами Францию. Вторая брошь – «Освобожденная птица» – появилась в ознаменование освобождения страны.

По моде тридцатых годов ХХ века серебряные и вообще металлические броши носили на воротнике или закалывали ими ниже пояса свободные блузы. ХХ век принес удешевление процесса производства с помощью механизации и химических средств, благодаря чему начался массовый выпуск украшений. В пятидесятых годах ХХ века вошли в моду крупные броши из бирюзы, аметистов, топазов и других камней в золотых оправах, либо прихотливо перевитых лентами и завитками из мелких бриллиантов. Очень модны были броши в виде веточек с бриллиантами и горным хрусталем. С середины 1970-х годов в производстве брошей используются совершенно новые материалы и техники, появляется новый художественный язык, броши стали разнообразнее, более изысканными, символичными, ироничными. Современные ювелиры не просто создают украшения, они стараются выявить скрытые возможности материала, который своим цветом, своей формой, рисунком выразит идею автора. Отсюда и стремление соединить, казалось бы, несоединимые материалы: драгоценные камни, дерево, каучук, простые и благородные металлы, керамику. Поменялись в ХХ веке и традиционные представления о форме броши, ее применении. Кроме привычных брошей-булавок, застежек, брошей-подвесок появились броши-значки, броши-браслеты, броши на бусы и на сумку, на обувь и головные уборы. Строго говоря, на обувь и раньше прикрепляли драгоценные пряжки, и на головные уборы и прически – аграфы, однако есть различия, особенно в том, что современные броши несут исключительно эстетическую функцию.

Брошь, несомненно, представляет собой лучшее средство для художника, чтобы выразить свою мысль, она является самостоятельным объектом ювелирного искусства, и как будто даже не создана для роли аксессуара. Именно к ней обратился Сальвадор Дали, придумав знаменитые броши «Rubylips», «Лебедь Леды», «Глаз времени» и заставив остальных размышлять над образами, запечатленными в этих произведениях, и символами, заключенными в них. Чем является брошь, как не манифестом, дающим возможность заявить о своих пристрастиях, вкусах, хобби, занятиях и даже политических взглядах? Конечно, это совершенно особое украшение, «вещь в себе», которая появилась позже остальных украшений, но изменилась сильнее любого из них, и которая из утилитарной застежки превратилась в самое оригинальное и изысканное украшение.

Русские ювелиры XIX века: не только Фаберже

Имя Фаберже знает весь мир: вся вторая половина девятнадцатого века и начало двадцатого в России – целая эпоха в ювелирном искусстве, которая прошла под знаком Фаберже. Хотя он долгое время учился и работал в Европе, однако, родился в Петербурге и, в общем-то, был русским. Но неужели не было и русских имен на ювелирном небе, где светило это солнце? Конечно, они были – и имена Хлебникова, Овчинникова звучали в свое время не тише, чем Фаберже или Болин.

Среди российских ювелиров наметилась интересная тенденция: ювелирные школы двух столиц сильно отличались друг от друга. Если московские мастера опирались на древнюю русскую традицию, то петербургские – на западную, из-за привычки работать с европейцами, усвоенной еще со времен Петра I. И вместе с тем в XIX веке наблюдается ярчайший расцвет ювелирного искусства, и оба направления вовсе не мешали друг другу, а наоборот, помогали: москвичи продавали свои изделия в магазинах Петербурга, а жители северной столицы делали заказы на некоторые виды работ в Москве.

Петербургские ювелиры, в основном, группировались вокруг Карла Фаберже, у которого работало много талантливых мастеров. Кто не слышал про яйца Фаберже! Но не все знают, что многие из них делал вовсе не он, а его мастера, и в частности, талантливейший художник-ювелир Михаил Евлампиевич Перхин, самоучка из крестьян. Именно он изготавливал пасхальные яйца для императорского двора, тем более удивительным кажется, что эти шедевры созданы простым русским крестьянином. Все, что создал Перхин, отличается тончайшим вкусом, виртуозным владением самыми разнообразными техниками, проработкой мельчайших деталей и, как следствие, высочайшим качеством. Он никогда не повторялся и больше всего из стилей любил барокко, что можно заметить в его произведениях. Перхин создал любимое яйцо императрицы Александры Федоровны, жены Николая II, которое получило название «Ландыши». Это чудесное, покрытое розовой с лиловым отливом эмалью яйцо на четырех ножках из зеленого золота почти полностью увито жемчужными ландышами с бриллиантовыми венчиками. При повороте жемчужной кнопки сверху выдвигаются три портрета в виде веера: Николая II и его дочерей, Ольги и Татьяны, которые увенчаны бриллиантовой императорской короной с рубинами-кабошонами. Яйцо «Ландыши» единственное выполнено в стиле ар-нуво, столь нелюбимом Фаберже.

Зато в барочном стиле выполнено яйцо «Память Азова». Оно выточено из гелиотропа – темно-зеленого камня с красными точками-каплями, и покрыто золотыми завитками-рокайлями с бриллиантами. Яйцо раскрывается, а внутри находится модель броненосного крейсера «Азов» из платины и золота с окнами-бриллиантами огранки роза, укрепленная на пластине из аквамарина. Модель величиной всего семь с небольшим сантиметров воссоздана в мельчайших подробностях, вплоть до такелажа из тончайших золотых проволочек. На этом крейсере будущий император, а тогда цесаревич Николай Александрович, путешествовал на восток во время этого вояжа в городе Оцу на него напал японский самурай-фанатик – цесаревич чуть не погиб. В память об этом событии и было создано яйцо, подаренное Александром III императрице Марии Федоровне.

Одной из самых крупных петербургских фирм по производству золотых, серебряных и гальванических изделий стала в XIX веке фирма братьев Грачевых. Она была основана еще их отцом в 1866 году, но только при сыновьях, в 1870-е, приобрела широкую известность. Торговый дом «Братья Грачевы» имел магазин на Невском проспекте производили на фирме в основном предметы религиозного назначения, скульптуры, сервизы и другие предметы быта, но быта роскошного. Ежегодно в России и в Европе проходили выставки ювелирных изделий, и лучшим из них присуждались медали и награды. Это было место, где можно было увидеть весь цвет ювелирного искусства, произведения известных мастеров и начинающих. Многие из них уходили с выставок в звании поставщиков двора Его императорского величества или хотя бы светлейших князей здесь получали заказы от богатейших и известнейших людей своего времени. Одной из самых престижных такого рода выставок была международная выставка в Париже, на которой в 1889 году фирме братьев Грачевых была присуждена золотая медаль. Через три года они уже придворные поставщики. На Всероссийской выставке в 1896 году в Нижнем Новгороде братья Грачевы получили высшую награду «Государственный герб».

Многие работы Грачевых – это реплики работ прошлых столетий, творчески осмысленные особенностью произведений фирмы было то, что хоть она и была петербургской, но имела сильный уклон в сторону древнерусских художественных традиций. В частности, любимой техникой Грачевых была эмаль, или финифть, как ее раньше называли. Стремление к русской теме воплотилось и в том, что в произведения включаются гравюры с видами русских городов, исторических памятников, изображением сюжетов из русской истории, народных картинок. Но самым первым человеком, кто обратился к отечественной традиции в ювелирном искусстве и дал своим произведениям национальный характер, был москвич Павел Сазиков.

Купец третьей гильдии Павел Сазиков открыл свою мастерскую еще в 1793 году, а в 1810 у него была уже своя фабрика по производству серебряных изделий. Фирма имела филиал и в Петербурге она считалась одной из лучших в России к середине XIX века, имела множество наград, медалей и почетных грамот за всероссийские выставки художественно-промышленных товаров и звание придворного поставщика. Кроме того, уже сын основателя Игнатий Сазиков получил большую золотую медаль и Орден Почетного легиона за всемирные выставки в Лондоне в 1851 году и в 1867 году в Париже. На лондонской выставке Сазиков представил коллекцию из девятнадцати предметов, украшенных по мотивам крестьянской жизни. Это было нечто небывалое для дорогого ювелирного искусства. Молочники, кувшины, серебряные кубки были украшены изображениями персонажа ярмарок медведя-плясуна, женщины-молочницы около бочки с крадущейся кошечкой и т.д. Сазикова называли русским Бенвенуто Челлини за высокое качество чеканки и прекрасное художественное воплощение.

Примером творческой одаренности, соединенной с предпринимательским талантом, может послужить фабрикант и золотых дел мастер Павел Акимович Овчинников. Он совершил головокружительную карьеру, став из крепостного мальчика-крестьянина владельцем фабрики с доходом в полтора миллиона рублей, членом Московской городской думы и, главное, золотых и серебряных дел мастером, изделия которого покупали в России и за границей – и монархи, и их подданные. Он родился в подмосковном Отрадном, поместье князя Д. Волконского его художественный талант был замечен князем, отправившим четырнадцатилетнего мальчика в Москву обучаться живописи. Однако Овчинников пошел к брату в мастерскую золотых и серебряных изделий, где проучился в подмастерьях шесть лет, получил вольную, выгодно женился, и на приданое жены в 1850 году открыл свою мастерскую, к которой позже присоединил и дело брата – у того было слабое здоровье. Через четыре года после открытия оборот фирмы достиг полутора миллионов рублей. Уже в 1865 году на Московской международной выставке Овчинников получил от наследника цесаревича Александра звание придворного поставщика и был награжден Большим орлом и золотой медалью. Это были далеко не последние его награды, и позже в их числе окажутся и пять российских орденов, до ордена святого Владимира четвертой степени, и австрийские, и бельгийские ордена, и даже французский Орден Почетного легиона.

Однако главные заслуги Овчиннникова – это его стремление создавать самобытные изделия по традиционным русским канонам и в то же время изделия современные, отвечающие потребностям общества. Овчинников не стал подражать европейским мастерам и создавал предметы в чисто русском стиле. Мастера его фабрики работали с эмалью и филигранью – техникой украшения тонкими серебряными и золотыми проволочками, которые сворачивались и припаивались к поверхности металла. На Руси эта техника называлась сканью, и способ вытягивания для скани проволоки тоже был старинным русским: в сапфире или алмазе просверливалась дырочка, через которую и протягивалась проволока. Известно драгоценное Евангелие фабрики Овчинникова, заказанное фирме дамами высокого положения из общества Красного Креста в память об убитом Александре III. Оно выполнено в технике скани и с традиционной эмалью. Интересную форму имеет крюшонница – сосуд в виде большой кружки с двумя ручками для напитка крюшона – смеси белого вина, рома (коньяка) и фруктов. Она выполнена в технике перегородчатой эмали, утраченной после татаро-монгольского ига и возрожденной мастерами фабрики. Изделия с эмалью стали визитной карточкой фирмы, а широкий ассортимент выпускаемой продукции, эстетически близкой пониманию любого русского человека, обеспечил спрос по всей России. На фабрике Овчинникова делали как предметы быта, посуду, письменные приборы, ларцы, альбомы, портсигары, так и религиозную утварь: потиры, складни, оклады для богослужебных книг и икон. Многие из этих изделий находятся в Государственном Историческом музее Москвы, а также в коллекциях европейских королевских домов. Король Италии приобрел на выставке 1882 года серебряную корзинку-хлебницу с наброшенной салфеткой, «исполненной так изящно, что салфетка кажется не из металла, а из полотна». Овчинников первым стал делать такие предметы из серебра, полностью имитирующие другой материал.

Одним из секретов успеха фирмы стало соединение таланта художника-предпринимателя Овчинникова и усилий исследователей русской культуры и мастеров-ювелиров удалось приобщить к работе над произведениями многих талантливых людей того времени, и результатом этого сотрудничества стал расцвет эмальерного искусства в России. В создании эмалей использовались орнаменты, взятые из древних рукописей, рисунки художников прошлых лет и современности. Например, рисунки архитектора Льва Даля, сына того самого составителя словаря он участвовал в оформлении внутреннего убранства храма Христа Спасителя, которое признано современниками одним из лучших. По этим рисункам фирма Овчинникова изготовила напрестольное Евангелие в серебряной оправе. По рисункам известного художника В. Васнецова был исполнен серебряный иконостас. Эти предметы были в свое время представлены на Всероссийской выставке в 1882 году в отчете о ней было сказано: «...имя г. Овчинникова известно чуть ли не всей России известность эта приобретена им самим, его личной энергией его трудом и дарованием».

Кроме Овчинникова, изделия в русском стиле изготавливала фабрика серебряных, золотых и ювелирных изделий Ивана Петровича Хлебникова, основанная в Москве в 1870-1871 годах в 1873 году изделия Хлебникова едут на Всемирную выставку в Вену, где с успехом выдерживают сравнение с изделиями Овчинникова, и вскоре у императорского двора появляется еще один поставщик. «Стиль родной старины» угадывается в оригинальном и трогательном приборе для вина, который хранится в Государственном Историческом музее. Графин сделан в виде петуха, маленькие чарки – в виде цыплят с лапками. Эти серебряные предметы покрыты цветной выемчатой эмалью и стоят на эмалевом же подносе. Но Хлебников не ограничивался фольклорной темой и темой русской истории – изображениями сцен с историческими персонажами вроде Дмитрия Донского или Ивана Грозного. Он прибегал и к русским литературным произведениям вроде «Песни о купце Калашникове» М. Лермонтова. Мастера фабрика владели самыми разнообразными стилями: от русского фольклора до модерна и необарокко. Это неудивительно: Хлебников до 1867 года проработал в Петербурге, где получил хорошие знания европейского искусства. Благодаря этому и ассортимент выпускаемой продукции был весьма широк: это и ювелирные изделия, и бытовое серебро, и церковная утварь, и предметы церемониальных подношений – декоративные блюда, на которых по традиции подносили хлеб-соль во время коронаций, торжественных встреч и юбилейных дат. Эти предметы выполнялись по заказам Государственной Думы, а также разных организаций и целых губерний в подарок императорской семье. Церковная утварь Хлебникова украшает Благовещенский и Успенский соборы Москвы. Не меньше Овчинникова этого ювелира прославила эмаль.

Бытовое серебро – это массовая продукция фирмы: чайная, кофейная и обеденная посуда, хлебницы, солонки, вазы, письменные приборы, шахматы. Во множестве производились портсигары, сумочки, ювелирные украшения. Пример стилевой свободы мастеров фабрики – сотуар в стиле модерн из золота и серебра, инкрустированный бриллиантами, алмазами огранки роза, сапфирами и жемчугом. Сотуар – женское ювелирное украшение (от фр. le sautoir, porter en sautoir – «носить на спине, небрежно носить через плечо»). Оно представляет собой длинную, до талии и ниже, цепь с привеской на конце. Новая мода требовала новых украшений. Сотуар подчеркивал модную низкую талию платья. Таким образом, фирма Хлебникова оставалась одновременно верной и русскому стилю, и шла в ногу со временем. В 1918 году она была преобразована в Московский платиновый завод. Так закончилась эпоха великих русских ювелиров XIX века, среди которых был не только Фаберже.

Разные стилевые направления в работе ювелиров Москвы и Петербурга – это следствие исторических обстоятельств. И ювелирное изделие становится не просто результатом прикладного искусства, а зеркалом истории и отношения к жизни. Даже массовые предметы русских фабрик серебряных и золотых изделий отличались высочайшим качеством. Это значило, что и качество жизни было таким же высоким. И эти предметы делали простые русские люди – «соль земли».

Ювелирное искусство Средней Азии

 За невысоким степным холмом спрятался конный отряд лучников. Они наблюдают за караванной дорогой, явно поджидая кого-то. Издалека видны колчаны со стрелами и луки, закинутые за спину, сверкающие металлические шлемы, доспехи, закрывающие спину и руки. Лучники одеты в шаровары и легкие куртки. Однако, если случайный путник незаметно подойдет поближе, он с удивлением поймет, что лучники-воины – не мужчины. Это женщины. За спинами – и впрямь луки, но доспехи при ближайшем рассмотрении оказываются серебряными пластинами, нашитыми на одежду, широкими брошами на груди, многочисленными браслетами на руках. В древнем Хорезме, в котором постоянно с кем-нибудь воевали, даже женщины сражались рядом с мужчинами.

Чего только не видела Средняя Азия за свою многовековую историю! Рождение и падение величайших в истории человечества государств, управлявшихся выдающимися людьми, которых знает весь мир; разные народы и их культура – все это оставило в Средней Азии свой след и сделало ювелирное искусство этого региона непохожим ни на какое другое. Здесь был Александр Македонский,  жили и работали Авиценна и Бируни. И персы, и арабы, и греки, и китайцы, и монголы – все, кто завоевывал эти земли, так или иначе повлияли на культуру Средней Азии.

В современном политико-географическом отношении Средняя Азия — это общее название для Казахстана, Киргизии, Таджикистана, Туркмении и Узбекистана; раньше этот регион назывался Туркестаном, а еще раньше эта территория была частью самых древних государств в мире. За многие века народы Средней Азии взаимно влияли друг на друга, так как их земли часто объединялись в одно государство, поэтому понятно, почему так похожи украшения узбечек, таджичек или туркменок. Если учесть, что и языки среднеазиатских народов относятся к одной ветви, то ясно, что и названия ювелирных изделий практически совпадают. Все это позволяет говорить о ювелирном искусстве Средней Азии в целом.

На территории Средней Азии в конце II - начале I тысячелетия до н. э. появились древние государства Бактрия, Согд (Согдиана) и Хорезм. До сих пор говорят о  хорезмийской ювелирной традиции, которая прослеживается в ювелирном искусстве и Узбекистана, и Туркменистана, и других государств современной Средней Азии. Излюбленными изделиями среднеазиатских ювелиров испокон веков были женские украшения, невероятно разнообразные и символически наполненные. Среди них можно выделить те, что нашивали на одежду, и съемные – те, что носили на голове, груди, шее, руках, а также вплетались в волосы. По верованиям народов Средней Азии украшения считались обладающими магической силой, и их использовали в качестве оберегов, но многие виды украшений носили когда-то практическую функцию, которая позже уступила место эстетической.

Основной материал среднеазиатских ювелирных украшений – это серебро. Считалось, что серебро лишает яды силы, а звон серебра отгоняет злых духов; женщины-туркменки должны были носить на руке серебряный перстень, чтобы пища, которую они готовят, была чистой. Эти поверья нашли научное подтверждение позже,  когда были выявлены антисептические свойства серебра. Кроме того, серебро по своим физическим свойствам больше, чем золото, подходило для изготовления защитных боевых доспехов, которые носили древние среднеазиатские женщины-воины. И, наконец, в жарком климате Средней Азии серебряные украшения помогают удалить вредные химические вещества из организма. Туркменский ювелир Овез Союнов рассказывает, что когда ему приходится переплавлять старое серебро, «от него исходит такой дым и чад, что трудно дышать – это выходят окислы, которые приняло на себя серебро не от одного поколения владельцев». Золото тоже применялось для изготовления украшений, а также олово, медь и их сплавы латунь и бронза. Излюбленными самоцветами были бирюза, сердолик, кораллы, реже перламутр и жемчуг, иногда для имитации камней использовали цветное стекло. Среднеазиатские ювелиры работали в технике филиграни, чернения, гравировки, золочения, штамповки, эмали.

Женщины Средней Азии носят украшения с раннего детства; по старой традиции новорожденной девочке бабушка дарит первые сережки. Есть много видов детских украшений, которые несли и утилитарную функцию, например, специальный жилетик-куртэче у  туркмен, на который нашивались серебряные бубенчики. В такой жилетик одевали ребенка, только начавшего ползать, и по звону бубенчиков его мама, занятая хозяйством, всегда знала, где сейчас ее малыш. На шапочки и одежду детей нашивалось множество серебряных подвесок, монет и бусин. С возрастом количество украшений у мальчиков уменьшается, а у девочек увеличивается. На детские головные уборы пришиваются серебряные монеты, бляшки, а на макушку шапочки пришивался серебряный остроконечный куполок. Туркмены называют его гупба и украшают бирюзовыми вставками и серебряными подвесками по краю. Туркменские девочки носили ожерелье хун-ярм, которое состоит из монет, бусинок, бляшек и медальонов с сердоликами. На платья и халаты нашивались монеты, серебряные пластинки; на шею надевалось множество украшений самых разнообразных форм (квадраты, круги, трапеции, треугольники и т.д.),  украшенные бирюзой, сердоликом, отделанные резьбой, с многочисленными подвесками. Но больше всего украшений надевалось на свадьбу: драгоценности покрывали голову невесты, спускаясь по обеим сторонам лица, закрывая шею и грудь и защищая, таким образом, от болезней и злых сил. Все украшения вместе с костюмом могли весить до шестнадцати килограмм.

Почти все женские украшения стран Средней Азии имеют сходство между собой; некоторые ювелирные изделия характерны для отдельных районов, а также можно найти различие в общей стилистике ювелирных изделий. Например, туркменские украшения имеют наиболее строгий, сдержанный вид. Их формы просты, оформление минимально, в центре больших серебряных украшений часто находится один крупный сердолик, а крупный растительный орнамент выполнен гравировкой. Сочетание сердолика и серебра смотрится очень торжественно и лаконично, золото же практически не используется. Подвески, украшающие ювелирные изделия, выполнены в форме листочков. Серьги у туркмен обычно в форме полумесяца, браслеты витые. Та же лаконичность форм наблюдается и у казахов, и у киргизов.  Узбекские и таджикские украшения более сложны и нарядны, с большим количеством подвижных деталей, мелкой мозаики камней, зачастую применяется позолота. Например, таджикское наголовное украшение «коштилло», которое привязывалось непосредственно надо лбом. Подобное украшение конца XIX века хранится в Государственном музее искусства народов Востока в Москве. Позолоченные серебряные дуги с подвесками из цветного стекла и жемчуга повторяют изгиб бровей, подчеркивая их красоту, а возвышающаяся надо лбом ажурная диадема вся усыпана бирюзой и кораллами.

Древнегреческий историк Геродот, живший в V веке до н.э., рассказывал в своей «Истории» о племени женщин-воинов, которые были по мифам известны как амазонки. Вполне возможно, что он мог их видеть именно на территории современной Средней Азии, ведь известны захоронения женщин-воинов на землях древнего Хорезма. Многие украшения среднеазиатских женщин восходят к деталям защитного вооружения.  Например, узбекская такья дузи (украшение на шапочку, у туркмен – тахья), куполок или многоугольная пластина, с которых ниспадают многочисленные подвески. Это украшение восходит к шлему. Другое подобного рода украшение у узбеков – сложносоставное украшение ук-ей («лук со стрелой», у туркмен – ок-яй). Оно крепилось сзади на шапочку (или пришивалось на одежду у туркмен) и по форме напоминало дугу лука с натянутой тетивой и подвесками-стрелами. Легко проследить, как символика украшения связана с луком и колчаном со стрелами, которые обычно носят закинутыми на спину. И хотя оформление таких украшений у народов Средней Азии иногда сильно разнится, однако происхождение их и развитие одинаково.

Украшения всегда имели особый смысл, который со временем забылся. К примеру, амулетом от дурного глаза считалась крученая белая и черная проволока. Серебро и золото сравнивалось с бараньим жиром и пчелиным медом – символами благополучия и достатка. Даже в наше время туркменским молодоженам старые женщины желают, чтобы они соединялись друг с другом, как бараний жир и мед, то есть дополняли бы друг друга, как это происходит с золотом и серебром. Большая часть женских украшений была призвана защитить хозяйку от  злых сил, от сглаза и усилить репродуктивные способности. Это и многочисленные подвески, звон которых отгоняет злых духов, и сама форма этих подвесок (листики, зерна, бутоны), символизирующая плодородие. Особым амулетом является асык – сердцевидный кулон, форма которого связана с культом богини-матери. На большой пластине в форме сердца помещался овальный сердолик – символ семени, новой жизни. Такие кулоны часто дарили молодым беременным женщинам. Вместо самоцвета асык мог украшаться крестообразным мотивом чахар-чираг, который часто встречается на коврах, вышивке и керамике. Асыки также привешивались к косам.

Амулетницы-тумары были чрезвычайно популярны по всей Средней Азии, особенно после распространения ислама. Они представляли собой специальные футляры различной формы (треугольные, круглые, прямоугольные, цилиндрические), которые служили для хранения амулетов. Чаще всего это полый цилиндр с треугольной пластиной и подвесками. Амулетом мог служить лист  бумаги с молитвой. Ношение такого амулета обеспечивало, по поверьям, благополучие его владельцу. Тумары позже превратились в обычные подвески, декоративно украшенные, часто треугольной формы, так как треугольник – это классический символ, связанный с магией оберегания от сглаза. Узбекские, таджикские и казахские обереги в форме треугольников имеют многорядные подвески, но у казахов они более крупные, в виде монет, колокольчиков на цепочках, у таджиков – украшены зубцами, а у узбеков по всем сторонам треугольника свисают кисти коралловых подвесок.

Форму украшений часто диктовали верования в тотемных животных. Для кочевых народов это, в первую очередь, лягушка. Ее образ просматривается во многих ювелирных украшениях-амулетах, подвесках. Височно-наушная хорезмийская подвеска «ярим-тирнок» имеет аналог в виде туркменских дагданов – нагрудных украшений.

У казахских женщин особой любовью пользовались кольца. Путешествовавший по Тургайской степи в 1914 году Дмитрий Львович писал: «Перстни оказались  действительно прелюбопытными... причудливо скрученные из тонкой серебряной проволоки, украшенные часто филигранными подвесками из того же металла, частью бирюзовыми и сердоликовыми вставками – это были положительно шедевры восточного искусства и вкуса». Казашки носили кольца, соединенные цепочками с браслетами; последние были зачастую очень массивны, иногда из дутого серебра, и весили до ста грамм. Перстни и кольца носили по нескольку штук; они имели щиток в виде черепахи, птичьего клюва с самоцветом, спирального конуса, символизировавшего юрту. Очень интересно украшение под названием кудаги-жузик – перстень свахи. Это большой перстень, который надевался сразу на два пальца и имевший из-за этого два кольца под большим круглым щитком. Такой перстень мать невесты дарила свахе, он символизировал жениха и невесту, которых сваха соединяет, поэтому у перстня два кольца. Казашки украшали не только пальцы, но и очень любили украшать волосы: популярны были сложные цепочки-шашбау с монетами, перламутровыми бляшками  или серебряными подвесками. Шашбау крепятся у основания кос и спускаются по всей длине волос (иногда это были ленты, шнуры).

Среднеазиатские ювелиры – зергеры (или заргары) – передавали свое искусство по наследству, от отца к сыну, с самых давних пор, поэтому украшения, которые выходят из семейных мастерских, овеяны ароматом древности, традициями древних Бухары, Хивы, Самарканда. Можно не сомневаться, что и тысячу лет назад такие же украшения носили женщины этих городов. Тем ценнее и дороже работа таких мастеров, которых остается все меньше.

Российские ювелиры: новое время

Эта фраза верна сейчас как никогда, а если бы она была сказана в начале ХХ века – тем более. 1917 год для ювелирного дела в России оказался роковым. Ювелирные фирмы подверглись национализации, что на деле порой оказывалось просто разграблением. Фаберже уезжает за границу, магазины семьи Болин опечатываются, а их товар конфисковывается; Сазиков, Овчинников, братья Грачевы, Постников – все эти и другие прославленные имена перестают звучать в ювелирном деле России и предаются забвению. Почти все ювелирные фирмы с 1918 года закрыты либо преобразованы в самые разные промышленные предприятия, ставшие собственностью государства, к примеру, на базе фирмы Ивана Петровича Хлебникова существовал платиновый завод. Более того, в 1920-е годы начинают работать комиссии по изъятию ценностей из церквей, соборов, монастырей и даже частных домов, а все, что было собрано, в большинстве своем отправлялось на переплавку как идейно устаревшее и ненужное в обновленной стране. Только благодаря усилиям музейных работников, мужественно защищавших шедевры ювелирного искусства, удалось сохранить небольшую их часть.

«Русские самоцветы» как продолжатели традиций Фаберже
Академик А. Е. Ферсман провозгласил новый век угля, пришедшего на смену алмазу – родному брату: «Алмаз — твое величие в прошлом! Не надо нам сейчас дорогих бриллиантов в золотой оправе, ожерелий, ривьер, диадем… В борьбе двух камней углерода — прозрачного алмаза и черного угля — победа за черным!». Эта фраза в полной мере выражала позицию руководства страны по отношению к ювелирному делу. И в то время как во всем мире шло естественное развитие ювелирного искусства, ар нуво сменился ар деко, появился «стиль звезд» и вообще царило многообразие направлений и стилей, в СССР декретом Совнаркома в 1922 году на базе общества «Русские самоцветы» создан государственный трест «Русские самоцветы», который стал на долгие годы главным, крупнейшим предприятием русской ювелирной промышленности – с четкими задачами, как идейными, так и экономическими. «Русские самоцветы» работали с государственными заказами, а также выпускали продукцию для широкого потребителя. И, кстати, именно А. Е. Ферсман непосредственно участвовал в образовании треста, в создании его Устава, а также был его неизменным консультантом.

«Русские самоцветы» – преемники санкт-петербургской ювелирной традиции. Уже к середине 1930-х годов это было огромное предприятие с производственной сетью во всех крупнейших городах СССР и даже с представительством в Лондоне. Трест занимался всем: от производства ювелирных изделий до установки памятников. Именно «Русские самоцветы» исполнили рубиновые звезды для Московского Кремля, первоначальный вариант которых был решен с использованием уральских самоцветов: изображение серпа и молота состояло из почти десяти тысяч уральских камней – горного хрусталя, аметистов, топазов, аквамаринов, – весом от двадцати до двухсот карат, ограненных несколькими сотнями ювелиров. Также трест изготовил огромную карту СССР из камней-самоцветов, которая участвовала в международных выставках в 30-х годах XX века.

История «Русских самоцветов» началась с Императорской гранильной фабрики, основанной почти одновременно с самим городом – в 1721 году. А в 1966 году появился единственный в своем роде Всесоюзный научно-исследовательский и проектно-конструкторский институт ювелирной промышленности – ВНИИювелирпром. В институте изучалось все, что связано с ювелирной промышленностью: от исследований в области новых сплавов до ценообразования и тенденций ювелирной моды.

Постепенно к мастерам и руководителям отрасли приходит осознание необходимости восстановления забытых ювелирных традиций. В 70-х годах, например, было восстановлено производство эмалево-филигранной посуды из серебра, которая продолжает традиции фирмы Фаберже. Наконец, в новейшее время – в 1993 году – «Русские самоцветы» стали акционерным обществом. Начало конкуренции в ювелирной промышленности в 1990-х годах только усилило позиции компании, неизменно стремящейся к возрождению славы русских ювелиров. «Русские самоцветы» не только исполняют заказы Московского Кремля и правительств соседних республик, но и выпускают ювелирные изделия для широкого круга покупателей, среди которых и посуда, и часы, а также изготовляют их на заказ и, конечно, создают эксклюзивные серии украшений.

«Ювелиры Урала» – гигант русской ювелирной мысли
Санкт-Петербург, Москва, Екатеринбург – вот три кита, на которых с XVIII века стояло российское ювелирное дело, и ХХ век не стал исключением. Одним из представителей Екатеринбургской школы является компания «Ювелиры Урала» – одно из крупнейших предприятий отрасли, ведущее свою историю со времен екатеринбургской Минералогической мастерской, учрежденной еще в 1896 году и специализировавшейся на создании научно-минералогических коллекций. В 1920-х годах здесь также поработал научным консультантом А. Е. Ферсман. В 1938 году был основан гранильный цех, а в 1941 — ювелирный цех, что стало началом ювелирного производства. В это время Екатеринбург был Свердловском, поэтому предприятие называлось Свердловской ювелирно-гранильной фабрикой.

Кто же работал на советских ювелирных фабриках, если руководители и в то же время талантливейшие мастера оставили предпринимательскую деятельность и в большинстве своем уехали из России? Осталось много мастеров, которые работали с именитыми ювелирами страны, например, В. Г. Рощин, который трудился на фирме Фаберже в Санкт-Петербурге, а затем работал и передавал ученикам свое мастерство именно на Свердловской ювелирно-гранильной фабрике.

Сегодня это высококачественное массовое производство ювелирных украшений из золота, платины, серебра с бриллиантами, изумрудами, жемчугом и другими камнями, причем с достойным мужским ассортиментом. Камни имеют прекрасную огранку; дизайн изделий как традиционный, памятный по советским временам, так и новый, учитывающий мировые ювелирные тенденции, например, кольцо из трех тонких свободно соединенных колец из золота разных цветов – привет от Cartier. Кроме того, «Ювелиры Урала» выпускают сувенирную и геральдическую продукцию. Есть и эксклюзивные украшения, которые создаются, как и в большинстве крупных производственных фирм, к различным выставкам и конкурсам.

Московский ювелирный завод – бриллиантовая рука России
В 1920 году прошлого века в Москве был учрежден ювелирный завод, который во времена СССР ничем особенным не отличился, выпуская стандартный набор ювелирных изделий, знакомый многим по маминым и бабушкиным шкатулкам. Но в конце 80-х годов, когда до распада СССР оставалось совсем немного, власти решили сделать гранильную промышленность рыночной. Тогда и был приглашен израильский бизнесмен Лев Леваев, эмигрировавший в Израиль из Союза в 70-х годах. Он создал СП «Руиз Даймондс», которое досталось ему после 1991 года. Через пару лет Леваев купил и МЮЗ, ориентировав его на производство ювелирных украшений с бриллиантами. К 2008 году Московский ювелирный завод находится на третьем месте по объему производства с выручкой в 250 миллионов долларов, опередив и «Русские самоцветы» (пятое место), и все остальные ювелирные заводы, известные со времен СССР. МЮЗ владеет собственной розничной сетью и постепенно переводит свое производство в Пермь, где находится гранильное предприятие, принадлежащее Леваеву, которое гранит алмазы, добытые «Уралалмазом» (хозяином которого… правильно, является Леваев).

Выбор украшений, производимых МЮЗ, весьма достойный и широкий: можно найти кольцо или подвеску с тем же бриллиантом или, к примеру, сапфиром, и за 3000-5000 рублей, а можно стать обладателем кольца с каратным бриллиантом высоких характеристик стоимостью в 100 000 рублей и выше. Завод специализируется исключительно на выпуске драгоценных украшений и аксессуаров (зажигалки, портсигары, часы) из золота и платины. Интересным предложением МЮЗ является возможность купить сертифицированные бриллианты, которые можно впоследствии продать обратно заводу. Такой ход объясняется тем, что многие покупают украшения, чтобы вложить деньги – куда проще купить камни, которые стоят дороже золота, тем более что начинается «бриллиантовая» лихорадка: «Алроса» уже год назад объявила о снижении добычи алмазов, а De Beers сокращает поставки.

Не оскудела талантами земля русская…
Кому-то может показаться странным, но самыми успешными ювелирными предприятиями с самой крупной выручкой на сегодня являются те, что появились после 1991 года – второго рокового года для ювелирной промышленности России в новое время. Первым в списке значится завод «Адамас», созданный в 1993 году братьями Андреем и Павлом Сидоренко. Одним из секретов «Адамаса» является стремление удержаться на грани традиционного российского дизайна и новинок в сфере ювелирного дела, которые привносят иностранные дизайнеры, создающие часть коллекций фирмы. Вторая идея, которая определила успех – это видение своего покупателя. Как говорят в «Адамасе», его видят как человека, стремящегося попасть в средний класс, который уже не хочет ездить на «Жигулях», а на новый «Опель» денег пока не хватает. Небольшую часть продаваемых в розничной сети «Адамаса» изделий составляют изделия других фирм; кроме того, завод развивает мелкосерийное производство и создает эксклюзивные украшения по индивидуальным заказам.

Номер два в списке – Ювелирный Дом «Яшма» (бренд «Яшма-золото», ОАО «Торгово-производственная компания Яшма»). Он существует с 1998 года и сразу был ориентирован на выпуск самого широкого ассортимента ювелирных изделий из золота 585 пробы, но обычного дизайна. Номер третий – МЮЗ, о котором рассказано выше, а четверым идет «Алмаз-холдинг», начавший свою историю в 1993 году под руководством уроженца Костромский области и выпускника Казахстанского института стратегических исследований Флуна Гумерова с небольшой фирмы по оптовой продаже ювелирных изделий. Гумерову удалось приобрести одно из старейших предприятий России – завод «Красносельский Ювелирпром».

Красное-на-Волге – место, славящееся своими златокузнецами с IX века. Мастера села Красное, как оно раньше называлось, делали украшения, рассчитанные на небогатых людей, а их изделия к концу XIX века встречались почти на всех ярмарках России; самые крупные заказы делали члены царской семьи. В 1904 году была основана Художественно-ремесленная учебная мастерская золотосеребряного дела, положившая начало образованию завода. Красносельские мастера работали в технике филиграни, или скани (с использованием золотой и серебряной проволоки) – самобытной, исконно русской, относящейся скорее к народным промыслам, чем к ювелирному искусству, как оно понимается большинством сейчас.

Для Всемирной выставки в Нью-Йорке в 1939 году красносельские мастера изготовили великолепный филигранный герб СССР, а в 1937 году, на парижской всемирной ювелирной выставке сканый подстаканник принес Красному селу международную славу и гран-при: наш любимый подстаканник был для Европы невероятной экзотикой.

Сегодня ОАО «Красносельский Ювелирпром» делает украшения из золота и серебра, а также предметы сервировки стола из серебра: праздничные винные наборы, бокалы, столовые приборы, ложки с финифтью. Особый вид продукции – это изделия религиозной тематики; в 2000 году завод вошел в небольшое число ювелирных предприятий из списка «Московских патриарших мастерских». Кстати, есть в Красном и завод «Платина» с высокой культурой производства, у которого хоть и обычный модельный ряд, но высокого качества.

Сам же «Алмаз-холдинг» выпускает до 10 000 наименований изделий – очень много, и треть из них обновляется ежегодно; из всех проб золота, а также из серебра и платины, с камнями как натуральными, так и синтетическими. Вещи, выпускаемые как эксклюзив, отличаются смелостью задумки и изысканностью исполнения, как, например, броши в виде цветов в вазе или брошь «Летучая мышь» в стиле модерн с аметистами, сапфирами, жемчугом и бриллиантами.

Хотя все эти предприятия ориентированы на массовое производство, они действительно способны сделать оригинальные, новаторские произведения, даже шедевры, так как во многих из них работают высококлассные мастера и дизайнеры, но создается подобное в преддверии выставок, в качестве рекламы, для поднятия престижа, без особой системы. Специфика ювелирной отрасли такова, что в ней происходит укрупнение и монополизация производства – сейчас мы это и наблюдаем. Эта ситуация приводит к образованию двух основных групп: крупных производственных компаний и именных мастерских. В первом случае простора для творчества по большому счету нет, а во втором ситуация обратная. «Одиночками» становятся многие мастера, поработавшие на крупные компании, или унаследовавшие семейную профессию, или просто люди, для которых ювелирное дело стало настоящей страстью. Где-то посередине между этими двумя большими группами находятся ювелирные компании, в которых работает творческий штат ювелиров, изготавливающих свои произведения собственными руками. Все они работают, как правило, на заказ. Среди них имена ювелиров и компаний, известных своим творчеством всей России.

В Москве среди эксклюзивщиков выделяются Александр Мельников, Марина Цой, творческая мастерская «Свят-Озеро», в которой работают члены Творческого Союза Художников России и Международной Федерации Художников, ювелирная мастерская Николая Балмасова (с 1988 года), компания «Стелла-эксклюзив» (дебют на выставке в Сокольниках, 2002 год), президентом и дизайнером которой является жена владельца «Яшмы» Игоря Мавлянова Стелла Мавлянова. Произведения Александра Мельникова и Марины Цой отличаются оригинальностью и самобытностью; «Свят-Озеро» специализируется на изготовлении украшений, корпоративной сувенирной продукции и призов ежегодных премий в различных областях бизнеса, дизайн которых решен в традициях русской классической ювелирной школы. Мастерская Николая Балмасова делает религиозные предметы, чарки в старорусском стиле, драгоценные предметы быта, драгоценную посуду; ее заказчиками были и Патриарх Всея Руси Алексий II, и Администрация Президента России.

Нельзя не упомянуть о творческой фирме «Сирин», замеченной в пристрастии к украшениям интерьера. Это целые ювелирные композиции-миры, и трудно поверить, что они сделаны из металла и камня руками человека. Украшения «Сирина» поражают воображение великолепием, свойственным произведениям барокко. Неподражаем Максим Вознесенский и его «ЮТэ – Ювелирный театр», ювелирный дом нового поколения, украшения которого можно отнести к неоромантизму.

В Санкт-Петербурге – ювелирная компания Алексея Помельникова, которая добилась высочайшего качества и изготавливает мужские и женские украшения традиционного дизайна, а также корпоративные подарки из драгоценных металлов и драгоценных камней по эскизам Алексея Помельникова и петербургских художников.

В начале 1990-х годов именно такие авторские маленькие мастерские, появившиеся на огромных площадях ювелирных заводов, и стали родоначальницами современных крупных компаний, которые пусть хоть и не все вышли на первые места в ювелирной промышленности, но заняли свою достойную нишу, нашли своего покупателя (заказчика) и вышли на мировой уровень как по дизайну, так и по качеству изделий. Это и московский люксовый «Альком Ювелир», лицом которого является актриса Екатерина Стриженова, и московский же «Эстет», который представляет модель Лена Ленина, и санкт-петербургский «Каст», и ижевская «Золотая Орхидея», и костромская «Инталия», уделяющая особое внимание полудрагоценным и поделочным камням, и екатеринбургский «Эрми» (бренд «Ринго»), выпускающий фантастические, умопомрачительные кольца.

Из «Русских самоцветов» вышла в свое время «Альфа», в каталоге которой особое внимание уделено маленьким драгоценным подвескам-пасхальным яйцам в лучших традициях русского узорочья. Выжили и бывшие советские заводы: московский «Бронницкий ювелир» с многовековой традицией цепочечного вязания, идущей от кольчужных мастеров («броня» - Бронницы), смоленский «Кристалл», продающий бриллианты с 1963 года; смоленские бриллианты – эталон качества. Именно в «Кристалле» можно приобрести сертифицированные эксклюзивные бриллианты фантазийных цветов и высоких характеристик. Список можно продолжать и дальше, а, значит, есть у нас свои ювелиры, со своей традицией и историей.

Во времена существования СССР предпринимательская деятельность каралась как уголовное деяние, а мастерам было запрещено работать с драгоценными металлами, вот и приходилось «баловаться» с мельхиором и нейзильбером, с поделочными камнями. Некоторые рисковали и работали подпольно. Повезло единицам, тем, кто при закрытых дверях делал драгоценные украшения для Алмазного Фонда: В. В. Николаев, Г. Ф. Алексахин, В. Г. Ситников. Мастера заводов давали подписку о том, что не делают и не будут делать предметы религиозного культа. Эти времена прошли. Теперь перспективы ювелирного бизнеса в России не самые плохие: совершенствуется законодательство, меняется таможенные кодекс, талантов всегда было много, а это означает, что российским ювелирам хотя бы не будут мешать выходить на мировой рынок и свободно торговать.

Легендарный чешский гранат

«Пироп, или чешский гранат, отличается великолепным, темно-кроваво-красным цветом. Он совершенно чистый и прозрачный. Чешский гранат – единственный вид камня, лишенный примесей и пятен».
Макс Бауэр, минералог.
1909 г.

Чешским гранатом называют пироп – разновидность граната (с магнием и алюминием в составе) насыщенного темно-красного цвета. Пиропы находили на территории Чехии уже больше тысячи лет назад, но они есть и в других местах, например, в Южной Африке, в якутских алмазных трубках, в Бразилии. Однако долгое время Чехия была первым и единственным источником пиропов в Европе, который стал национальным камнем этой страны. Чешский пироп не может похвастаться крупными размерами, зато отличается изобилием и чистотой, а цвет его стал эталоном, с которым сравнивают прочие красные гранаты. Чешские пиропы имеют чистый красный цвет, тогда как пиропы из других месторождений могут иметь коричневый или фиолетовый оттенок.

Словно горящие угольки сверкают зернышки пиропа (от греч. pyropоs – подобный огню), а если их огранить и сплошным полотном камней закрыть металл, то такое драгоценное украшение горит огнем, словно костер. Недаром в старых чешских легендах гранат назывался «искрик». А такой особенный облик украшений, в котором камень преобладает над металлом, характерен для изделий чешской фирмы «Гранат» города Турнов – «родины» чешского граната. Но все началось гораздо раньше.

Археологические находки на территории Чехии показывают, что гранат был известен еще до нашей эры. Самые старые известные украшения с гранатом относятся к X-XI векам; это бронзовые розетты, найденные в 1900 году в церковном дворе городка Требниц. В архивных инвентарных записях Собора святого Витта в Праге, относящихся к XV веку, значатся епископские перстни с гранатом и кресты, которые обычно носили горожане. Чешский гранат постепенно набирает популярность в эпоху готики – в XIII-XV веках. Одно из самых известных украшений, относящихся к этому времени, – так называемый Элишкин пояс, или пояс королевы Елизаветы Померанской (Элишка по-чешски Елизавета), последней жены Карла IV, при котором Чехия достигла небывалого расцвета; этот период (XIV век) в ее истории называют «золотым веком». Поясное украшение выставлено в Музее восточной Богемии города Градец-Кралов.

В готической традиции было принято украшать гранатами и предметы церковного обихода, например, калихи – кубки. В пражской сокровищнице Лорете хранятся Венгерский (1510), самый известный, и Готический калихи, а также калихи Распятия и Успокоения. Первое письменное упоминание о чешском пиропе встречается у Георгия Агриколы в 1546 году, который называет его «гранатус» и «карфагенский карбункул» (carchedonius carbunculus). Немецкий ученый Агрикола считается одним из отцов минералогии, он систематизировал знания о металлах и минералах, и эта классификация сохранялась вплоть до XVIII века.

Самым знаменательным событием в истории чешского граната в Средневековье является, конечно, выделение его как отдельной разновидности и присвоение ему самостоятельного названия: «granati bohemiči» (богемский гранат).

Богемия и Моравия – две исторические области Чехии, которые, собственно, и занимают всю территорию страны: Богемия – запад, Моравия – восток. Как раз на севере Богемии, на северо-запад от Праги, и находятся залежи чешских гранатов. В те времена район добычи гранатов охватывал район Чешского Среднегорья с городами Требниц, Подседлице, Теплице, Длажковичи, Меруницы (к западу от крупного города Ловосичи). И уже в это время появляются первые имитации чешских гранатов из стекла.

Вторая половина XVI и начало XVII века – время правления короля Рудольфа II и пик популярности чешского граната. При дворе Рудольфа II работали известнейшие люди своего времени: астрономы Иоганн Кеплер и Тихо Браге, художник Джузеппе Арчимбольдо, медики Михаэль Майер и Ансельм Боэций де Боот. В Средние века астрономия еще не отделялась от астрологии, химия, физика, математика – от магии, и даже серьезные с современной точки зрения ученые занимались алхимией и поиском философского камня, способного любое вещество обращать в золото.

Именно де Боот, врач и алхимик, и присвоил в 1609 году чешскому гранату отдельное название. Он писал: «В окрестностях курорта Теплиц, недалеко от реки Эльбы и города Билина, встречаются эти камни; они более благородны даже, чем восточные. Частью это происходит от того, что они не боятся огня и как бы подобны настоящим горящим углям. Крестьяне находят их рассеянными на полях, без какой-либо материнской породы, в виде песка или зерен, и несут их в Прагу для продажи... В них такое изобилие красного, что они кажутся черными, если их снизу не выдолбить или не подложить серебряной пластинки. Когда их собирают на поле, они с внешней стороны кажутся черными, так что их красный цвет, и то в слабой степени, можно подметить, лишь когда смотришь через них на яркий свет... Богемский гранат может считаться бессмертным, и его можно сравнивать только с алмазом или чистым золотом».

Действительно, чешский гранат обладает уникальными свойствами: во-первых, его цвет практически одинаков, где бы камень ни был найден, тогда как пиропы из других стран могут сильно отличаться по цвету даже в пределах одного месторождения. Во-вторых, цвет его чрезвычайно насыщенный и густой, чисто-красный. Индийские гранаты были уже хорошо известны в Европе, однако они не могли сравниться цветом с чешскими. В-третьих, чешский гранат не растворяется в кислотах, щелочах и прочих агрессивных средах; наконец, он выдерживает температуру в 1600 градусов, тогда как алмаз сгорает уже при 1000 градусах. Алхимики, постоянно экспериментировавшие с минералами, установили, что гранат – единственный камень, который может в стойкости сравниться с алмазом, поэтому де Боот дает такую высокую оценку чешскому гранату и называет его бессмертным.

Рудольф II основал Кунсткамеру, в которой есть обширное собрание минералов с коллекцией гранатов. Среди них – самый большой гранат-пироп весом 9,55 грамм и размером 35х25х18 миллиметров, то есть примерно с голубиное яйцо, при том, что крупными считаются камни величиной с горошину.

Еще до начала эпохи Карла IV, в 1324 году, пражскими мастерами был составлен «Порядок братства» ювелиров, некий устав, регулировавший права и обязанности ювелиров Праги, а также устанавливавший условия доброкачественной работы и тариф, в соответствии с которым оценивался труд ювелира. Постепенно положения этого устава Ювелирного братства стали соблюдаться во всей Чехии. Такое высокое развитие ювелирного дела объясняется в том числе богатыми залежами золота (на Отаве, в Книне, Йиловом, Кашперских Горах) и серебра (в Кутной Горе); не последнюю роль в этом сыграл и чешский гранат, особенно в развитии турновской школы ювелиров-гранильщиков. Устав пополнялся новыми положениями, а свободное братство выросло в цеховую организацию с жесткими правилами и своими секретами мастерства. Чтобы стать мастером, нужно было создать шедевральное произведение; у халтурщиков и бракоделов изымали инструменты и товар. Четко определялись правила клеймения, чистота сплавов и даже отношения с учениками.

В XV веке гранаты все еще гранили вручную: шлифовали, сохраняя естественную форму камня, затем для этого использовался вращающийся брус, а в XVI веке, при Рудольфе II, Прага становится европейским центром по обработке драгоценных камней. В это время в Праге работало 50 придворных ювелиров и 210 мастеров. Техника огранки и шлифовки гранатов хранилась в строжайшей тайне.

В начале XVIII века императрица Мария-Терезия своим указом запретила вывоз необработанных гранатов из страны и фактически ввела монополию на их добычу и обработку, а до этого правом гранить чешские камни пользовались ювелиры соседней Германии. И хотя не все годы ювелирное искусство и чешские гранаты процветали – были и войны, и революции, – но были и головокружительные подъемы в их истории. Один из них пришелся на XVIII век, эпоху барокко, оставившую после себя роскошную церковную утварь, украшенную гранатами. В соборе святого Николая в Праге хранится католическая монстранция (дароносица) в виде солнца с расходящимися лучами высотой один метр, украшенная 368 гранатами, 19 алмазами и 135 кристаллами горного хрусталя. Она была изготовлена мастером Яном Мелихаром Шиком.

Весь XIX век – период высокого и стабильного интереса к украшениям из чешского граната. Их носили и простые люди, и члены королевской семьи Австро-Венгрии (под властью которой находилась Чехия); благодаря многочисленным модным курортам, где появляются магазины с чешскими украшениями, гранаты полюбились всей Европе. В 1884 году в Турнове (80 км от Праги), который славился своими гранильщиками, открывается государственная ювелирная школа, первая подобного рода, затем в Праге – художественно-промышленная школа и профессиональное ювелирное училище.

Чешское ювелирное дело процветает: в народе любили носить подвески с монетами и медалями, цепочки, крестики, заколки для волос, пуговицы. Люди из высших слоев населения покупали гребни-диадемы, ожерелья, перстни, серьги, четки, в которых гранат часто соседствовал с жемчугом, цитринами, агатом, лазуритом и горным хрусталем.

В 1818 году был основан Национальный музей в Праге, который собрал огромную коллекцию изделий с чешским гранатом, начиная от ножен меча и пояса V века из моравского захоронения германского воина и заканчивая произведениями ар-деко и новейших произведений ювелира Владимира Комняцкого. В этом же музее выставлен знаменитый набор украшений в стиле ампир, усыпанный 448 крупными пиропами, который подарил влюбленный в девятнадцатилетнюю Ульрику фон Леветцов поэт Иоганн Вольфганг фон Гете. Самый крупный камень комплекта имеет размеры 9,7х7,8 миллиметра; в комплекте ожерелье, два браслета, серьги, кольцо и пряжка для пояса. Все бы ничего, да только Гете в том далеком 1820 году было семьдесят три года, и эта история наделала много шума.

Вообще в Чехии несколько музеев, где есть богатые коллекции изделий с гранатами. Кроме Национального музея в Праге есть Музей граната, Художественно-промышленный музей; в Брно – Моравская галерея, в Карловых Варах – Карловарский музей, в Чешском Крумлове – районный музей, а в Турнове – Музей Чешского рая. Чешский рай – историческая область Чехии. В музее выставлено более пятисот экспонатов, самыми ценными из которых являются современные ювелирные украшения с гранатами, которые были выставлены на Международных симпозиумах производителей драгоценных украшений с 1983 по 1996 года.

Турнов – столица современного чешского граната. Кооператив художественного производства «Гранат» появился в результате объединения небольших частных фирм ювелиров-ремесленников в 1953 году. Сегодня «Granát, d.u.v. Turnov» – крупнейший производитель украшений с чешским гранатом, владеющий единственными месторождениями граната, которые находятся в Подседлице, и собственной сетью магазинов. Модельный ряд украшений включает не только современные виды изделий, но и созданные в разных исторических традициях, и даже копии коллекций, выпускавшихся в XIX и начале XX века, например, в стиле барокко или ар-деко. Все ювелирные изделия создаются вручную. В новой коллекции есть даже посуда с гранатом. На рынке существует множество подделок и имитаций изделий с чешским пиропом, поэтому покупать их нужно только в фирменных магазинах.

Чешский гранат считается камнем счастья; святой Иероним писал, что гранаты облагораживают сердце и помогают получить расположение Бога. Их рекомендовали для лечения душевных «болезней»: угнетенности, печали, тоски; считали, что гранат усиливает отвагу, придает жизненную силу и бодрость своему владельцу. Чешские гранаты всегда дарили любимым: император Австро-Венгрии Франц-Иосиф подарил крестик с гранатами молодой жене Елизавете (знаменитой Сисси). Такие крестики носили почти все дамы Чехии и соседних стран в XIX веке, ведь считалось, что гранат притягивает счастливую любовь. Теперь их дарят в качестве официальных подарков государственным деятелям других стран – наверно, чтобы пробудить сильную любовь к Чехии.

Драгоценный сосуд: история вазы

История вазы насчитывает не одну тысячу лет. Она началась с неуклюже слепленных из глины сосудов, которые имели практическое назначение вместилищ для хранения жидкостей и продуктов, и до сих пор продолжается – во всех возможных видах, назначениях и материалах. Но самые ценимые людьми вазы, конечно, были и остаются те, что сделаны из драгоценных металлов, украшены самоцветами или целиком выточены из природных камней. А предназначение таких драгоценных сосудов определяется им под стать.

Главным в определении вазы, о чем часто забывают люди, когда, к примеру, дарят вазу в подарок, является не столько красивая отделка или материал (хотя это тоже важно), сколько изящная форма. Тогда ваза становится вазой, а не просто сосудом, и на нее приятно смотреть – и это и будет одним из ее предназначений. Сегодня вазы используют, в основном, для того, чтобы ставить в них цветы – практично, но с этой целью можно использовать любую емкость, поэтому все-таки главным остается общее впечатление: то, как смотрятся в вазе цветы, и то, как ваза смотрится в интерьере (пусть и без цветов). И здесь этот символический предмет становится своего рода связующим звеном, акцентом, даже ритмом интерьера, если он парный.

Ваза невероятно популярна в качестве подарка, причем не только в последнем тысячелетии; их подносили скифским правителям подчиненные ими города, их дарили римским императорам. И, как и раньше, драгоценные вазы из золота, серебра с самоцветами могут себе позволить лишь некоторые люди; с каменными вазами ситуация изменилась: теперь они вполне доступны всем, а с появлением новых минералов выбор цвета и рисунка камня практически неограничен. Чароит, единственное в мире месторождение которого находится в Якутии, стал излюбленным камнем для изготовления ваз. Классическая ваза из чароита на ножке с узким горлом, кромка которого загнута наружу, есть в коллекции «Галереи самоцветов». В Древнем Риме такую роскошь могли себе позволить только члены высшего сословия. Известно, что римский император I века Нерон очень любил каменные вазы и даже коллекционировал их. Однажды, когда одна из ваз разбилась, он приказал тщательно сохранить ее осколки.

Античность – время ваз. В античное время существовало множество разновидностей сосудов, в зависимости от их формы и применения. У всех них были свои названия. Маленькие вазочки (амфориски) из многослойного сардоникса с резной поверхностью считались в те времена наиболее дорогими. В них хранили благовония, например, нард, который получали из растения семейства валерьяновых, в русском языке именуемого мускусным корнем. Нард использовался как парфюмерное и лечебное средство. Таким образом, маленькие вазочки служили для хранения косметических и медицинских препаратов.

Одна такая ваза находится в Санкт-Петербургском Эрмитаже; ее высота всего девять сантиметров, и она имеет такую же, как и современные классические вазы, форму, с узким горлышком и ножкой, но античная резьба I в. н.э., покрывающая больше половины ее тулова, великолепна по красоте и сложности исполнения (ножка и горло добавлены позже). На трехслойном сардониксе изображена сложная композиция из пятнадцати фигурок мифических персонажей; действие происходит на облаках, которые вырезаны из белого слоя камня, а одежда персонажей – из коричневого слоя. Сюжет этой вазы обычно описывают фразой «страдающая Психея», имея в виду ее страдания от любви в мифе об Амуре и Психее. Психея изображена со связанными руками, коленопреклоненной перед Венерой, рядом с которой расположились богиня любовного убеждения Пейто и Гименей, покровитель брачных уз. Амур представлен в четырех ипостасях, в том числе гонящимся за бабочкой. На другой стороне вазы изображены Аполлон и Диана на троне. Вся эта сложная композиция имеет простую символику: Психея – невеста, страдающая от любви, бабочка – душа, этой любовью объятая, Диана и Аполлон – непорочность и таланты невесты, а Пейто и Гименей подтверждают назначение вазочки – подарок невесте.

История этой вазочки весьма богата событиями. Не однажды она реставрировалась и меняла своих высокопоставленных хозяев. Раньше она имела ручки. Установлено, что вазочка принадлежала Людовику XIV и Людовику XV, а до этого, в XVII веке – французскому кардиналу Мазарини, который был страстным коллекционером изделий из самоцветов, собравшим более пятисот предметов из агата, аметиста, аквамарина, гелиотропа, горного хрусталя и прочих камней. Эрмитажная вазочка помечена в описи его коллекции как «агатовая ваза». А до Мазарини ваза была собственностью семьи Медичи. Вполне возможно, что она была в коллекции Нерона, которому предположительно подарила ее на свадьбу его мать Агриппина, делавшая обширные заказы в императорской камнерезной мастерской.

В коллекции кардинала Мазарини была и другая ваза в виде закрытой чаши, которая хранится ныне в Парижском Лувре, в галерее Аполлона. «Большая ваза из изумрудной друзы в форме чаши» – так она значится в описи коллекции Мазарини. Изумрудная друза – вовсе не кристаллы изумруда; так во Франции называли красивый зеленый камень с желтыми пятнышками, теперь известный как хроможадеит. Этот самоцвет встречался когда-то в Европе в небольших кусках, но запасы быстро истощились. Чаша из этого камня изготовлена миланскими мастерами в XVI веке, а ее драгоценная оправа – в Париже, веком позже.

Древние сосуды употреблялись для хранения хозяйственных припасов, как сыпучих, так и жидких, а также для смешивания напитков, для черпания, питья и просто для украшения помещений. На Крите во второй половине XVI века до н.э. оливковое масло и зерно хранили в больших амфорах с сужающимся острым дном: ставить их не было необходимости, так как они хранились в специальных кладовых с глубокими ямами, в которые и устанавливались. Все они были из глины; глиняными были и все прочие сосуды, использовавшиеся в хозяйстве: коробочки с крышками – пиксиды; широкие чаши-кратеры с ручками для смешивания вина и воды; большие амфоры-пифосы без ручек, кувшины и конусовидные чашки. Тарелок не было: пекли большие круглые хлебцы, на которые и клали еду.

Многие вазы и чаши из глины подражают изделиям из металла и камня: это видно по их смелой, несвойственной этому материалу форме, рисунку («агатовые» полоски), накладным золотым листам. Из металла и камня делали пиршественные, а также ритуальные сосуды, которые были атрибутами религиозных обрядов и которые подносили в дар богам или клали в могилы богатых умерших, по принципу «самое дорогое – для самых важных целей». Подобные драгоценные сосуды дарили и людям – в качестве наград на разного рода состязаниях.

Культура острова Крит, которую принято называть минойской (от имени полулегендарного древнего царя Крита Миноса), известна своим поклонением священному быку. Ритуальные сосуды, принимавшие участие в религиозных действах, изготавливались из камня, которому придавалась форма головы быка. В знаменитом огромном критском дворце в Кноссе, вероятном прообразе мифического критского лабиринта, найдены великолепные образцы работы древних камнерезов. Одна из таких работ – ваза в виде головы быка из черного стеатита с деревянными рогами, обложенными золотыми листами. Она выполнена с большим мастерством, очень реалистично: переданы складки кожи на шее быка, завитки шерсти между рогами, а искусная инкрустация подчеркивает сходство: белым перламутром выложены ноздри, глаза сделаны из горного хрусталя и подсвечены краской, что придает взгляду удивительную живость. В такие культовые сосуды-ритоны жидкость наливалась через отверстие в темени головы, а выливалась через маленькое отверстие в морде.

Так же были устроены и более поздние, чем минойские, греческие ритоны; греки очень многое переняли у критян. Также в Кноссе был найден ритон в виде головы львицы из желтовато-белого мраморовидного известняка. Ноздри львицы и глазницы выложены красной яшмой, а сами глаза сделаны из горного хрусталя.

Но, пожалуй, самой впечатляющей работой критских мастеров является ритон, целиком выточенный из горного хрусталя, вернее, из той его разновидности, которую иногда называют льдистым кварцем. Это сосуд округлой формы с сужающимся книзу заостренным дном и небольшим, невысоким горлом; форма типична, но не материал. Красивый вид ритону придает изогнутая ручка из бронзовой проволоки, на которую нанизаны круглые хрустальные и фаянсовые позолоченные бусы. Плечики ритона тоже украшены бусинами: плоские позолоченные бусины разделяют уплощенные цилиндрические из горного хрусталя. Вряд ли это был обычный предмет, скорее, он использовался в ритуальных действах.

В древнегреческих легендах есть упоминание о Крите как о родине искусства обработки металла: глубоко в горах древние кузнецы – тельхены – делают оружие и прочие дорогие изделия. Критяне вполне могли использовать пещеры в горах в качестве природных кузниц, тем более что в одной из пещер найдены сотни готовых мечей, кинжалов, листов золота, слитков бронзы. Сами же греки заимствовали у критян не только приемы работы с металлом, но и самый популярный орнамент металлических сосудов – спирали.

Греки делали вазы и на заказ, для «иностранцев», например, в IV веке н.э. для скифов, которые известны своим «звериным» стилем в ювелирном искусстве. А вот золотые вазы и прочие сосуды из скифских захоронений имеют совершенно иную, реалистическую тематику и явно не применялись по назначению. Это и есть изделия греческих мастеров, которым платили за работу достаточно для того, чтобы они приезжали и прямо на месте наблюдали за жизнью скифов, а затем воплощали сцены из нее в металле. Готовые вещи скифами не использовались, так как правители копили их для загробной жизни: все драгоценные вещи хоронились вместе с хозяином.

Именно греческие амфоры, чаши и вазы стали одним из основных элементов классического стиля, возникшего в эпоху Ренессанса, когда все эти сосуды итальянцы начали выкапывать из-под земли. Парные вазы, которыми оформляли входы, камины, оконные проемы и другие элементы интерьера, не требовали никакого наполнения и являлись самодостаточными предметами. В эпоху ампира парные вазы прочно укрепились даже в качестве архитектурных элементов. Классические «имперские» чаши и вазы из малахита есть и в коллекции «Галереи самоцветов». Такие вазы всегда ставятся на постамент, в данном случае из малахита, с накладными позолоченными бронзовыми накладками в виде лент.

В музеях мира хранится большое количество ваз, которые поражают современных людей, задающих всегда один и тот же вопрос: «Как это было сделано?!». И, пожалуй, вазы можно назвать предметом в этом плане таинственным, почти сказочным. Действительно, каким образом три-четыре тысячи лет назад можно было выточить из камня вазу с гладким яйцевидным дном и так ее сбалансировать, что она не заваливается и стоит идеально ровно, а площадь соприкосновения дна с поверхностью, на которой она стоит – как у яйца? Это и сейчас достаточно труднодостижимо, даже в керамике.

Однако и мы зря отказываем своим предкам в изобретательности, сноровке и таланте. Ведь умудрялся же первобытный человек откалывать от твердого кремня куски так, чтобы получить острый, как бритва, наконечник – без всяких инструментов. Имея гончарный круг, те же египтяне вполне могли обтачивать куски камня, и для этого совсем необязательно потеть самим: можно применять силу домашних животных. Даже в XVIII веке российские камнерезы обладали подчас тем же набором приспособлений, что и их древние коллеги, а их произведения стоят в Эрмитаже: та же Царица ваз из зеленой колыванской волнистой яшмы, самая большая ваза в мире. Царица ваз сделана в виде овальной чаши на ножке. Чаша по большому диаметру – больше пяти метров и вырезана из цельного куска яшмы.

Но самое загадочное в вазе – ее древний символизм: это утроба богини-матери и в то же время драгоценный сосуд, источник процветания, здоровья и долгой жизни. Ваза в виде чаши обладает древним магическим значением во многих культурах. В ирландских легендах в магических чашах на пирах никогда не кончалась пища; кельтский волшебный котел дарует плодородие и изобилие, а знаменитая чаша священного Грааля дает бессмертие, отпущение грехов и прочие блага. Одновременно с этим чаша – это судьба человека («да минует меня чаша сия»), чаша жизни, из которой мы пьем. У вазы есть и другое значение: ее часто сравнивают с душой человека или его сердцем, проводя аналогии «разбитая ваза – разбитое сердце». В стихотворении известного французского поэта XIX века Армана Сюлли-Прюдома «Разбитая ваза» тоже есть это сравнение:

…А вазе уж грозит нежданная беда!
Увял ее цветок, ушла ее вода...
Не тронь ее: она разбита.
Так сердца моего коснулась ты рукой…
От всех его страданье скрыто,
Но рана глубока и каждый день растет...
Не тронь его: оно разбито.

Может, поэтому нам так неуютно, когда мы нечаянно разбиваем вазу – хранилище тайн, драгоценный сосуд души, сокрытой от чужих взоров.

История ордена Золотого Руна

 «Вообще зима прошла в больших трудах. Брильянтов великий комбинатор достал только на четыреста тысяч… Мощная выя командора сгибалась под тяжестью архиерейского наперсного креста с надписью «Во имя отца и сына и святого духа»... Поверх креста на замечательной ленте висел орден Золотого Руна – литой барашек. Орден этот Остап выторговал у диковинного старика, который, может быть, был даже великим князем, а может и камердинером великого князя. Старик непомерно дорожился, указывая на то, что такой орден есть только у нескольких человек в мире, да и то большей частью коронованных особ.

– Золотое Руно, – бормотал старик, – дается за высшую доблесть!

– А у меня как раз высшая, – отвечал Остап, - к тому же я покупаю барашка лишь постольку, поскольку это золотой лом.

Но командор кривил душой. Орден ему сразу понравился, и он решил оставить его у себя навсегда в качестве ордена Золотого Теленка».

И. Ильф, Е. Петров «Золотой теленок».


Одна из самых древних и почетных европейских наград – орден Золотого Руна – была учреждена герцогом Бургундским Филиппом Добрым 10 января 1430 года по случаю бракосочетания с инфантой Португалии Изабеллой в Брюгге, в честь пресвятой девы Марии и апостола Андрея. В то время понятие «орден» означало не просто награду в виде некоего предмета ювелирного искусства, а организацию, Орден рыцарей (как Орден госпитальеров, например), а награда служила знаком отличия человека, ставшего рыцарем Ордена. Так и Филипп создал рыцарскую организацию, «дабы рыцарство охраняло, защищало и поддерживало истинную католическую веру, церковь, спокойствие и благосостояние государства...» Конечно, бургундский герцог преследовал и другие цели: объединение в единую влиятельную и состоятельную организацию представителей правящего сословия; орден должен был связать друг с другом разрозненные владения богатейшего Бургундского дома. Для крупных французских феодалов ордена, союзы, должности и т.д. позволяли прочнее привязать их членов к себе и своей политике. Кроме того, Филипп придал ордену династический и  экстерриториальный характер - это означало, что главенство (командорство) в ордене передается по мужской линии и что награждаться могут иностранные лица, которые должны были подчиняться «по рыцарской линии» Магистру, что создало в будущем множество осложнений.

Есть несколько версий, которые объясняют, что же имел в виду основатель ордена, выбрав для него такое название. Понятно, что имеется в виду овечье руно – шкура барана, за которым отправился древнегреческий герой Ясон с аргонавтами в Колхиду (современную Грузию). Но что под этим подразумевал Филипп – то ли аналогию со священным крестовым походом против турок, в который он очень хотел отправиться, то ли семейную легенду, по которой один из предков Филиппа когда-то повторил путь Ясона и попал в плен в Колхиде, то ли, по версии Лафонтена, любовь к некой златокудрой даме – неизвестно, возможно, что все версии в той или иной степени правдивы. К тому же, позже добавились официальные религиозные трактовки символики знака ордена. Так,  орден получил второе название – Знак Гедеона – так как с ним стал ассоциироваться библейский эпизод из Ветхого Завета, когда Гедеон (один из судей израильских, народный герой израильтян родоплеменной эпохи) расстилает овечью шерсть, и на нее выпадает роса в знак того, что он победит захватчиков мадианитян. Сам образ руна – символ невинности, агнца, а золото – аллегория высшей духовности, таким образом, поход за Золотым Руном – это путь обретения величия духа, очищения души. Не случайно орден учрежден и в день святого Андрея 10 января: это креститель Бургундии, а древние бургундские короли получили крест именно от него, поэтому андреевский крест называется также бургундским.

Облик самой награды – ордена – за прошедшие века неоднократно менялся, но главные символы остались неизменными до сих пор. Главным знаком является изображение овечьей шкуры – золотого руна, которое изначально носилось на золотой цепи из двадцати восьми звеньев. Руно золотое потому, что им обладал мифический чудесный баран, на котором Зевс поднимался на небеса и который был послан богами, чтобы спасти детей орхоменского царя Афаманта и богини  облаков Нефелы — Фрикса и Геллу – от преследований мачехи Ино. Баран поплыл по морю в Азию, но по дороге Гелла упала в море (отсюда Геллеспонт – пролив Дарданеллы). Фрикс добрался до Колхиды и принес барана в жертву Зевсу, а снятое золотое руно подарил царю Колхиды. Оно стало магическим гарантом благоденствия Колхиды.

Самый старый вариант ордена, который можно увидеть на многих парадных портретах европейских монархов, выглядит именно как широкая цепь с подвеской. Руно перехвачено посередине пояском, который крепится к цепи; сама же цепь имеет сложную форму: ее звенья выполнены в виде чередующихся стилизованных кресал и кремней, или иначе говоря, огнива – старинных «спичек», приспособления для розжига огня. Кремень представлял собой конкреции кремнезема, камень, из которого еще древние люди изготавливали наконечники стрел и копий. Если по кремню ударить кресалом – специальной полоской из закаленной стали с мелкими насечками на поверхности,  то появится сноп искр, возникающий при воспламенении на воздухе мельчайшей стружки кремня. Искры попадают на материал для розжига (трут) – и – есть огонь. В наши дни тоже можно встретить кресало – в обычных зажигалках.

Причем же здесь огниво? Дело в том, что огниво – это геральдический символ Бургундии и самого Филиппа Доброго. Стилизованные кресала-звенья выполнялись в виде латинской буквы «В» – Burgundia, кремни – в виде плоского овала, покрытого черной эмалью с белыми каплеобразными точками-искрами. Один из девизов ордена – «Ante ferit quam flamma micet» — «Удар падает прежде, чем вспыхнет пламя» — делает смысл символики огнива понятным и красивым. Звено цепи, к которой крепилось золотое руно (всегда головой вправо), изображало кремень с искрами и языками пламени по бокам. Были даже детские цепи. Ношение золотой цепи стало необязательным в XVI веке; было разрешено носить орден на шейной муаровой ленте красного цвета в два пальца шириной.

Со временем орденский знак изменился, на что во многом повлияла мода. Кроме того, в XVIII веке в результате сложного наследования командорства (сыграл свою роль  экстерриториальный характер награды) орден разделился на две ветви: австрийскую и испанскую. Монархи-представители двух ветвей стали награждать орденом независимо друг от друга, поэтому зачастую это были очень разные ювелирные изделия. В XVIII веке награды – показатель достатка и высокого положения; их стали богато украшать драгоценными камнями, особо отличился саксонский курфюрст Август Сильный. Пламя часто символизировали красные камни: рубины, гранаты-пиропы. Орден богато украшался бриллиантами, так, что символы ордена (огонь, кремень, кресало, а также трутница) изображались очень символически (особенно в испанском варианте) или вовсе не изображались (ордена XVIII века в дрезденских «Зеленых сводах»). Однако постепенно орден обрел единый стиль: золотое руно крепится к кремню с пламенем, кремень – к изображению трутницы с дугами синей эмали и девизом ордена на них «Pretium Laborum Non Vile» — «Награда не уступает заслуге (подвигу)». Под трутницей располагается сцена битвы Ясона с драконом, который охранял руно. Девиз герцога Филиппа – «Non Aliud» — «Иного не желаю» –  размещался на обороте этого звена (остался в австрийском варианте). Завершается композиция золотым звеном в виде ракушки. В таком виде орден Золотого Руна существует и сейчас, однако, хоть и золотой, он украшен только цветными эмалями: красное пламя, синие дуги, черный кремень. Гораздо интереснее варианты орденов, хранящихся в разных сокровищницах мира.

Самый знакомый россиянам вариант ордена хранится в Алмазном Фонде. Нижняя его часть – золотая подвеска в виде овечьего руна, усыпанного бриллиантами. Верхняя часть украшена пятью огромными бразильскими розово-лиловыми топазами чистейшей воды. Если всмотреться, можно увидеть в рисунке бриллиантов очертания языков пламени.

В сокровищнице Дрездена «Зеленые своды» находятся потрясающие своей роскошью гарнитуры, наборы из разных мужских аксессуаров и украшений (эгретов, пряжек, орденов, аксельбантов, кинжалов, шпаг и т.д.). В каждый гарнитур входили два ордена: Золотого Руна и польский Белого Орла. Несмотря на то, что запрещалось носить орден Золотого Руна с другими наградами, это редкий случай, когда обе эти награды надевались одновременно.

В так называемый алмазный гарнитур входит великолепный орден Золотого руна 1755(56) года, украшенный тремя винно-желтыми бразильскими топазами квадратной ступенчатой огранки. Визуально орден делится на четыре части, рсаположенные друг над другом. Нижняя представляет собой собственно золотое руно, выполненное очень натурально, с матовым золотым блеском, усиленным мягкими складками овечьей шкуры. Поясок, перехватывающий ее, украшен крупным бриллиантом. Руно крепится к композиции из бриллиантов в виде языков пламени, с топазом в центре. Две другие части, по форме напоминающие ромб, схожи: они обе украшены растительными мотивами из бриллиантов с топазами в центре. Всего в этом ювелирном шедевре длиной в 10,9 см и шириной в 8 см 369 бриллиантов.

В бриллиантовый гарнитур тоже входил орден Золотого Руна, который был украшен уникальным зеленым Дрезденским бриллиантом весом в 41 карат – самым большим такого цвета. Потом камень переставили в эгрет, в оправу из драгоценных цветов. К слову о знаменитых камнях, знаменитый синий  алмаз Хоупа (алмаз Тавернье) тоже был вставлен в орден Золотого Руна при Людовике XV. Вообще для этого ордена всегда подбирались самые красивые и крупные камни, такие, как огромный прозрачный гранат-пироп, найденный в Северной Богемии (ныне Чехия). Обычно чешские гранаты невелики, но этот имеет вес 468,5 карата. Орден Золотого Руна 1749 года с этим камнем и 318 бриллиантами также хранится в «Зеленых сводах». Еще один украшен тремя крупными и редкими рубиново-красными шпинелями (балэ-рубинами). Таким образом, в саксонской сокровищнице несколько орденов, решенных в разных цветовых гаммах, относящихся к разным гарнитурам. Эти уникальные изделия можно было увидеть в Москве, на выставке «Кабинет драгоценностей Августа Сильного», в 2006 году; ныне все они вернулись в Дрезден.

С XVII века орден Золотого руна перестал рассматриваться как союз рыцарей, окружающих сюзерена. Он меняет свой смысл, а знаки принадлежности к нему превращаются в знаки монаршей милости. Но он оставался высшей наградой Европы и имел такое значение, что монархи-обладатели награды чеканили свои монеты, помещая на них изображения этого ордена. Австрийская ветвь более консервативна и сохранила аристократический и религиозный характер;  в ней орденом награждают, как и в Средние века, только членов королевских семей и высшую знать, которые должны быть католиками. Практика награждения испанским орденом Золотого Руна более демократична; среди кавалеров ордена есть не только некатолики, но и нехристиане, и просто выдающиеся люди, не относящиеся к высшему сословию. Все ордена, сохранившиеся в сокровищницах мира, являются дорогостоящими и оцениваются в сумму до полумиллиона долларов.

Интересно, что персонаж романов Александра Дюма граф де ля Фер (Атос) является кавалером трех высших европейских орденов: Золотого Руна, Подвязки (Англия) и Святого Духа (Франция), что поражает увидевшего его с наградами кардинала Мазарини, так как такой набор наград могли собрать только монархи. Дюма в большой степени свободно обращался с историческим материалом, но это не умаляет художественных достоинств его произведений, как многочисленные изменения внешнего вида ордена Золотого Руна не умалили его значения и только прибавили ему притягательности. В символике ордена есть что-то по-настоящему привлекательное, возможно, эти древние символы – огонь, шкура животного – будят смутные подсознательные воспоминания, и так и хочется, как Остапу Бендеру, оставить его себе как некую добычу. Неслучайно в битве Остапа с румынскими пограничниками уцелел только орден Золотого Руна – награда за высшую доблесть.

Британские ювелиры: старые имена и новые бренды

 6 августа 2009 года в ювелирный бутик в фешенебельном районе Лондона Мэйфейр вошли двое хорошо одетых джентльменов. Джентльмены достали пистолеты и, держа на мушке продавцов, забрали из витрин драгоценности на сумму 40 миллионов фунтов-стерлингов (66 миллионов долларов). Затем мужчины спокойно вышли, и с тех пор их никто не видел. Что же это за ювелирный магазин, в витрине которого может лежать 66 миллионов долларов? Может, это Tiffany? Или Cartier? Нет, это был бутик английского ювелирного дома Graff.

Graff – рыцарь камней

«Сколько бы ни стоил бриллиант от Graff, он никогда не будет слишком дорог» (Лоуренс Графф).

Грабители вынесли из бутика сорок три ювелирных изделия. Нетрудно подсчитать, сколько в среднем стоит каждое. И немудрено, что похищенные драгоценности Graff стоили так дорого, ведь главное в них – не дизайн, а камни. Именно камни Лоуренс Графф, основатель и бессменный руководитель ювелирного дома, считает самым важным в украшениях, которые сами по себе перестают быть таковыми, а становятся лишь рамкой, оформлением камней, единственной целью которого  является самым лучшим образом их представить.

Журнал Forbes, известный своей страстью к составлению списков в стиле «топ 10», составил очередной список самых дорогих ювелирных украшений на сегодняшний день. Стоимость каждого из украшений составляет от 8,5 миллионов долларов до миллиона с небольшим. Кольцо с бриллиантом от Graff стоимостью чуть больше двух миллионов долларов заняло третье место. Это платиновое кольцо с камнем очень редкого насыщенного голубого цвета весом 2,4 карата. И так всегда: у Graff только лучшие драгоценные камни потрясающей чистоты и редчайших цветов. Что же в таком случае остается, если дизайн ничего не решает? Остается огранка, которая и служит лучшим дизайном. Все ювелирные изделия фирмы изготавливаются вручную мастерами самого высокого уровня; иногда над одним украшением приходится работать месяцами, хотя оно может быть чрезвычайно простым. За сорок лет существования марки в Graff добились высочайшего мастерства исполнения оправ и огранки камней. Доказательством этому служит то, что именно в Graff были огранены такие знаменитые на весь мир камни, как «Эксельсиор» (69,68 карата), «Надежда Африки» (115,91 карата), «Парагон» (самый крупный в мире бриллиант класса D без включений, 137,82 карата), «Сара» (132,43 карата),  «Око Идола» (71,21 карата), «Голконда», древний индийский алмаз весом 50 карат, который по легенде украшал трон императора Индии Шах-Джахана (того самого, который построил в память жены Тадж-Махал), и многие другие, большая часть которых осталась в коллекции ювелирного дома. Ведь у Graff есть свои алмазные копи в Южной Африке, и кроме того, Лоуренс Графф – акционер «Де Бирс».

Ювелирный дом Graff – обладатель трех королевских премий за достижения в области промышленности и экспорта. В Москве тоже есть бутик этой марки, где представлены в числе прочих изделий и легендарные обручальные кольца с бриллиантами – символы любовных и брачных уз. Бриллианты – излюбленные камни ювелирного дома, особенно цветные, а среди таковых – желтые. Изделия Graff – это сокровища, которые заставляют забыть о деньгах и восхищаться только красотой. В 2003 году один из ювелирных магазинов этой марки уже грабили, правда, на сумму, вдвое меньшую, да и преступников нашли. Но от этого камни Graff не потеряли своей привлекательности для злоумышленников и только прибавили в популярности во всем мире. Хотя Graff существует вне популярности, вне моды и ее трендов. Все это – суета cует, а камни вечны, и они останутся навсегда.

Van Cleef & Arpels – танец под музыку драгоценностей

В 1960 году известный балетмейстер Жорж Баланчин увидел витрину ювелирного салона Van Cleef & Arpels в Нью-Йорке и был настолько поражен увиденным, что тут же придумал идею нового балета. С этой идеей он пошел к главе ювелирной фирмы Пьеру Арпельсу, который, как выяснилось, очень любил балет. Так в 1967 году на свет появился результат одного из удивительнейших творческих союзов всех времен – балет «Драгоценности», который состоял из трех сцен: «Изумруд» (под музыку Форе), «Рубин» (под музыку Стравинского) и «Бриллиант» (под музыку Чайковского). Тогда же вышла новая коллекция ювелирного дома под названием – «Балет». Успех обоих начинаний был огромен.

Van Cleef & Arpels – символ сказочной роскоши. Но, в отличие от Graff, изделия этой фирмы поражают оригинальностью дизайнерской мысли, и это одновременно с высокими показателями драгоценных камней, которые со времен основания компании составляли страсть ее владельцев, собиравших их по всему свету. А история марки насчитывает более ста лет: в 1896 году дети ювелиров Альфред Ван Клиф и Эстель Арпельс поженились и в 1906 году организовали совместное предприятие. Эстель вела бухгалтерию, ее два брата были экспертами по оценке драгоценных камней, а коммерческими делами занимался Альфред и еще один из братьев Арпельсов.  Все они, несомненно, были большими любителями самоцветов, впитавшими любовь к камням с молоком матери. Сочетание творческих и коммерческих талантов принесло фирме быстрый успех. Van Cleef & Arpels не просто делают украшения, они делают эксклюзивные вещи, по праву занимающие свои позиции в мире Высокой моды.

Именно в Van Cleef & Arpels придумали минодьер – драгоценный футляр с отделениями и ящичками для хранения косметики и прочих женских мелочей; еще одно изобретение марки – «невидимая оправа», запатентованная в 1933 году, создающая эффект сплошной поверхности из драгоценных камней. Знаменитые украшения-трансформеры – тоже ноу-хау Van Cleef & Arpels. Они появились в 1930-е годы в коллекции Passeрartout, в которой, например, золотую цепочку с драгоценной брошью-цветком на ней можно было носить и как колье, и как брошь, а также как браслет и даже как пояс. Но, пожалуй, самый интересный трансформер – это колье с рубинами, которое было изготовлено в 1954 году для будущей герцогини Виндзорской Уолис Симпсон. Колье называется Zip и действительно сделано в виде застежки-молнии: в застегнутом виде его носят как браслет, а в расстегнутом получается колье.

У многих ювелирных домов есть свои собственные талисманы-образы, которые становятся визитной карточкой марки. Есть такой талисман и у Van Cleef & Arpels: это фея-стрекоза, впервые появившаяся в виде броши в 1944 году. Образ этого сказочного крылатого существа воплощен в платине, рубинах, изумрудах, розовых алмазах и бриллиантах. Изящная фигурка то и дело попадается в изделиях марки, например, в одной из коллекций она на циферблате часов.

Van Cleef & Arpels, будучи официальным поставщиком княжеского двора Монако, изготовил для знаменитой актрисы Грейс Келли платиновую диадему к ее свадьбе с принцем Монако. Диадема так и называется – Grace Kelly и выполнена из округлых и грушевидных бриллиантов с применением специальной оправы для камней, благодаря которой можно носить диадему как колье.

Несмотря на долгую историю и британское происхождение, ювелирный дом Van Cleef & Arpels не является оплотом консервативности. Ювелиры марки всегда в поиске, полны творческих идей и верны духу компании. И, как и прежде, с охотой образуют творческие союзы, например, в 1997 году с дизайнером Жаном-Полем Готье, модели которого вышли на подиум в украшениях Van Cleef & Arpels. А та самая коллекция «Балет» была обновлена в 2007 году.

Garrard & Co – драгоценности для британской короны

Ювелирная фирма Garrard с 1843 года была официальным поставщиком и ювелиром британского королевского двора. В 1996 году в Garrard появился новый творческий директор – дочь легендарного рок-певца Мика Джаггера Джейд Джаггер; с 2007 года лицом компании стала американская поп-певица Кристина Агилера. И с этого же года королева прекратила столь долгое сотрудничество, начатое еще королевой Викторией: ювелиров ее двора не может представлять американская поп-певица.

Garrard начала свою историю в 1735 году, когда золотых дел мастер Джордж Уикс открыл собственное дело в Лондоне. Уикс был отличным мастером и вскоре обзавелся обширной клиентурой. Но главное, он постоянно расширял дело и привлекал новых партнеров, благодаря чему в конце XVIII века фирма оказалась в руках сыновей одного из совладельцев, Роберта Гэррарда. Их усилиями Garrard удостоилась высокого звания ювелиров британского королевского двора. В их обязанности отныне входило не только создание драгоценностей для королевской семьи, королевских регалий и других изделий, но и наблюдение за их состоянием и уход за коллекцией серебра и драгоценностей. Каждый год зимой из Garrard приезжала в Тауэр на две недели ком... ювелиров, которая  под охраной гвардейцев проводила профилактические работы и ремонт королевских драгоценностей. И такой осмотр им необходим: все помнят, как в 1936 году во время траурной процессии на похоронах короля Георга V с королевской короны расшатался и упал сначала на гроб монарха, а потом в грязь на мостовой драгоценный мальтийский крест. Тогда это посчитали дурным предзнаменованием для наследника Эдуарда. Больше таких случаев не было – за драгоценностями британской короны хорошо следили.

Одним из самых известных ювелирных изделий Garrard стали облегченная корона королевы Виктории, которую можно увидеть на большинстве ее изображений, выполненная в 1870 году. Кроме того, муж королевы принц Альберт заказывал много украшений для дочерей, в числе которых самыми красивыми являются броши с сапфирами и бриллиантами. Именно эта фирма в качестве ювелира английского двора обрабатывала такие легендарные алмазы, как «Кох-и-нор» и «Куллинан». Первоначальный вес «Куллинана» составлял 3106 карат. Из него было изготовлено множество бриллиантов. Самый крупный из них – «Куллинан-1» («Большая Звезда Африки», 530 карат), бриллиант грушевидной формы, чистейшей воды и без единой трещины, украшает королевский скипетр. Этот камень можно носить и как подвеску. «Куллинан-2»  («Малая Звезда Африки», 317 карат) – тоже часть огромного алмаза, камень, ограненный «подушечкой» и вставленный в императорскую корону. Подаренный королеве Виктории алмаз «Кох-и-нор» («Гора света») был превращен в великолепный бриллиант весом 108,93 карата.

Принцесса Диана получила от королевы в качестве свадебного подарка бриллиантовую тиару с каплевидными жемчужинами от Garrard. В ней ее можно увидеть на многих фотографиях. Обручальные кольца Дианы и Чарльза тоже были изготовлены в Garrard. Но фирма создает ювелирные изделия не только для королевских особ, ведь лозунг Garrard – «Нести британский флаг в любую точку мира».

Stephen Webster – любимец Голливуда

Стивен Вебстер был объявлен «Ювелирным брендом 2008 года в Великобритании». «Этот бренд заключает в себе многое — харизматичность и высокий профессионализм дизайнера, одобрение и симпатии многих знаменитостей и огромную привлекательность его украшений как вещей, чрезвычайно необходимых каждому, кто ценит роскошь», — так комментировали награждение члены жюри.  А ведь Вебстер начал свою карьеру в 1977 году – по ювелирным меркам совсем недавно. С тех пор он стал любимым ювелиром Мадонны, Дженнифер Лопес, Джонни Деппа, Кристины Агилеры, Элтона Джона, Камерон Диас, Шерон Стоун, Кейт Мос; даже Оззи Озборн, легенда хеви-металл, носит кольцо Вебстера. На родине он был признан лучшим дизайнером года в 2001 и лучшим ювелиром роскошных украшений в 2002, 2003, 2004, 2005 и 2007 годах.

Визитная карточка Стивена Вебстера – стиль рок-н-ролл и креативная работа с цветом. Это могут быть сочетания красного агата и оранжевого сапфира, коньячных бриллиантов и розовых опалов, сиреневых аметистов и раухтопазов. Вебстер придумал технику Crystal Haze, при которой на один самоцвет, например, бирюзу, накладывается необычно ограненный горный хрусталь, что создает неповторимую игру света, напоминающую воду в реке, сквозь которую видно дно. А неповторимый стиль рождает яркую энергетику, стиль, который называют если и не английским, то настоящим лондонским. Вебстера любят за бесстрашие, с которым он смешивает совершенно противоположные стили, создавая уникальные украшения, сидя в своей мастерской в центре Лондона.

Hot Diamonds – некоторые любят погорячее

Представителем семейства новейших брендов, продуктом современной маркетинговой и дизайнерской мысли является бренд Hot Diamonds, который был запущен на ювелирном рынке Великобритании в 2001 году и был представлен в семидесяти разных магазинах. Это, конечно, не houte joaillerie, но, несомненно, английский стиль, изящный и ироничный. Hot Diamonds – это украшения, в основном, из серебра с бриллиантами, и особое внимание в коллекциях уделено маленьким подвескам-амулетикам в форме сердца на застежке типа «клешня краба». При желании можно покупать бесконечно много таким подвесок, чтобы присоединять их к браслету или цепочке. Hot Diamonds очень ярко и быстро вошли на рынок, покорив молодых покупателей темой любви, представленной в современном и в то же время классическом стиле. При этом цены на украшения вполне доступны массовому покупателю, а упаковываются купленные украшения в шикарные полированные или матовые коробки из дуба. Изделия Hot Diamonds подразделяются на несколько коллекций, одни из которых выполнены в золоте, большая же часть – в серебре с покрытием из родия (такое серебро не темнеет), другие посвящены разным темам и отличаются по стилю. Чаще всего это сеты из колец, серег и браслетов.  Все бриллианты в украшениях бренда снабжены сертификатами, в которых указаны все их характеристики. В мужских украшениях используются черный оникс и эмаль в сочетании с кожей и каучуком.

В 2001 и 2003 годах Hot Diamonds признан лучшим ювелирным брендом, и это еще более приятно тем, что Hot Diamonds – не люксовый бренд, а доступная всем роскошь бриллиантов.

Theo Fennell – тот самый английский юмор

«Лучшие друзья девушек — не бриллианты, а драгоценности», — любит повторять Тео Феннел. И еще он любит делать эти драгоценности для этих самых девушек. Несмотря на то, что он начал карьеру в одном из известных ювелирных домов в качестве дизайнера и только в 1982 году организовал собственное дело – открыл бутик на Фулхем-Роуд в Лондоне, несмотря на отсутствие традиционной для именитых английских ювелиров «многовековой истории» и звания придворного ювелира, творчество Феннела давно признано во всем мире. Его изделия полны иронии и стремления выйти за рамки условностей, принятых в ювелирных украшениях высокого класса.

Ювелирный дом Theo Fennell специализируется на массивных, качественно сделанных украшениях, особенно подвесках и перстнях, в которых в полной мере выражается творческая идея художника-ювелира, уделяющего особое внимание деталям.  Это, к примеру, золотые, инкрустированные бриллиантами медовые соты-подвеска с пчелами; казалось бы, мотив затертый, но соты выглядят так, как будто они повреждены или кто-то уже приложился к ним, отхватив несколько кусочков, хотя еще видно, что соты «были» в форме сердца. Или бриллиантовое кольцо, вроде ничего особенного, а продается в коробке в форме сердца из шоколада. Культовыми стали готические кресты, черепа, крылатые сердца, щиты и шлемы, ключи Theo Fennell, которые покрыты самоцветными паве – сплошным полотном камней. Неподражаемы перстни с секретами – в виде мухомора, черепов в короне или шлеме и даже в шапке и очках пилота. Феннел использует самые разные самоцветы: и зеленые турмалины, и синие танзаниты, и цитрины, и разноцветные бриллианты, украшая свои изделия цветной эмалью.

Ювелирное искусство доколумбовой Южной Америки

В 1519 году Фернандо Кортес вступил в Теночтитлан, столицу империи ацтеков, а в 1533 году Франсиско Писарро пришел в Куско, столицу империи инков. Они появились здесь по самой простой причине: их вел соблазн добычи золота, одинаково сильный во все времена. Испания была в то время могучей морской державой и распространяла свое влияние по всему миру. Когда был захвачен правитель инков Атауальпа, за его освобождение был запрошен выкуп в виде изделий из золота и серебра, которые должны были заполнить комнату до отметки на высоте поднятой руки. Условие было выполнено индейцами – жизнь правителя ценилась очень высоко. Эти золотые и серебряные изделия, создававшиеся не одно столетие многочисленными народами и цивилизациями Южной Америки, были безжалостно переплавлены в слитки.

Переплавка заняла больше месяца. Отчеты сообщают, что всего было получено 1262682 песо в золоте и 52209 марок в серебре. Если учесть, что золотой песо равен приблизительно 4,5 г золота, а марка — 1/15 песо, то выкуп в физическом выражении составил 5993 килограмма золота, что было на тот момент в 14 раз больше ежегодного поступления золота из Африки в Испанию. Эта колоссальная добыча до сих пор считается самой крупной военной добычей в мировой истории. Атауальпу же вероломные испанцы казнили – в нарушение условий договора. К счастью, испанцы разграбили не все храмы и города, хотя большинство стран Южной и Центральной Америки было захвачено, а население подверглось геноциду. К тому же, в спешке, стремясь захватить как можно больше золота, завоеватели так и не узнали, какие сокровища таила земля индейцев – в буквальном смысле: по традиции, принятой во многих древних цивилизациях, своих мертвых индейцы хоронили вместе с многочисленными украшениями и утварью из золота и серебра. «Золотые культуры» существовали на территории современных Колумбии, Перу, Мексики, Боливии, Эквадора, Панамы, Коста-Рики, Венесуэлы, причем вероятнее всего искусство обработки драгоценных металлов появилось на побережьях Колумбии и Перу в VII веке до н.э. и, возможно, даже ранее, а потом распространилось далее на север.

Высокое развитие ювелирного дела на этих территориях объясняется в целом двумя причинами: первая - открытие еще в глубокой древности золотых жил в Кордильерах и золотых россыпей в долинах Анд, а также богатых залежей меди и изумрудов. Вторая причина – выдающиеся творческие способности местных жителей. О них как раз и говорил испанский поэт и летописец XVI века Хуан де Кастельянос:
Не трудолюбивы – но зато богаты.
Ведь все, что делают они, – из злата.
Склонившись над золотоносной жилой,
Они ее без жалости ломают.
Тут не считаются с затраченною силой,
Во имя золота живут и умирают.
Возможно, автор погорячился насчет «нетрудолюбия»: древние источники говорят о золотых дел мастерах, которые с утра до ночи только тем и занимались, что делали драгоценные украшения, посуду, статуэтки, предметы культа и прочие изделия. Эти люди воплотили в своих произведениях представления об устройстве мира, о власти, о богах и мифах, о женской красоте, о человеческих взаимоотношениях.

Ювелиры доколумбового периода с успехом применяли очистку золота и улучшение его качества – сложные металлургические операции, создавали сплавы различных металлов и даже обрабатывали платину, которая в Европе вообще не была известна до XVIII века. Мастера применяли в изготовлении изделий кроме чистого золота, серебра, меди, платины также сплав золота и меди в соотношении примерно три к семи, который назывался тумбага, и сплав меди и цинка – томпак (своего рода разновидность латуни). Оба эти слова происходят от малайск. tambaga — медь. Кроме того, применялось золочение и серебрение, а также такие техники, как холодная и горячая ковка, штамповка, чеканка, литье в технике «утраченного воска», литье в формах из огнеупорной глины, филигрань, грануляция, закалка, пайка и т.д. Ковкость металла улучшали прокаливанием и вообще знали много технических приемов, с помощью которых получались шедевры ювелирного искусства, не уступающие по мастерству изготовления европейским изделиям того же времени, а иногда и превосходящие их.

Златокузнецы приравнивались чуть ли не к божествам; они обладали особым статусом в обществе. Их называли «властителями огня», а их способности работать с золотом считались сверхъестественными. Во всех доколумбовых культурах золото стало воплощением солнца и его созидательной энергии, поэтому украшения не только носили, но и приносили в жертву богам, кидая в священные озера, в глубокие колодцы и принося в храмы. Золото называли «слезами солнца», «потом солнца». И золота было много, но это не значило, что доколумбовы индейцы не знали ему цену, просто его ценность была иной, нежели чем для европейцев. Например, изделия из сплавов меди часто золотились, и испанцы думали, что это делается для того, чтобы вещи выглядели золотыми. На самом деле индейцы просто защищали таким образом изделия от окисления, и им был важен именно цвет. Такая разница в восприятии весьма показательна.

А вот драгоценных и поделочных камней и материалов для камнерезных работ было мало; их перечень ограничивался раковинами и перламутром, жадеитом и нефритом, а также прочими «зелеными камнями» (хлорастролитом, хризопразом, серпентином). Были известны обсидиан, гематит, кремень, бирюза, в малых количествах лазурит из Чили, а также богатейшее месторождение изумрудов на территории современной Колумбии, неподалеку от Боготы. Зеленые и голубые камни высоко ценились ювелирами; высокохудожественные изделия из нефрита изготовляли еще ольмеки – племя, жившее в Месоамерике (центральной «соединительной» части двух американских материков) в период от 1200 года до нашей эры вплоть до IV века нашей эры, на территории современной Мексики.

Ольмеки использовали также горный хрусталь, оникс, кость. До нас дошли шедевры ольмекского камнерезного искусства, такие как маски из нефрита и так называемый Топор Кунца (минералог Джордж Кунц описал его в 1890 году, после его обнаружения в Оахаке, после чего Топор был отправлен в Американский музей естественной истории в Нью-Йорке). Это ритуальный предмет в форме топорища, длиной в 28 сантиметров (один из самых больших подобных артефактов Месоамерики), сделанный из необычного голубоватого нефрита. Топорище сделано в виде стилизованной фигурки человека-ягуара с большой головой и с прижатыми к груди руками. Ягуар – священное животное, обожествляемое многими доколумбовыми культурами, самый страшный и сильный хищник джунглей Мексики и Южной Америки. По предположениям, в камне вырезан правитель или шаман, превращающийся в ягуара (чтобы получить его силу), оборотень; об этом говорят миндалевидная форма глаз и оскаленный рот с клыками, как у ягуара. Топор Кунца – один из первых предметов, которые были опознаны как принадлежащие к неизвестной ранее культуре ольмеков.

Ольмеки были предшественниками цивилизации майя. В огромном городе майя Чичен-Ице на полуострове Юкатан до сих пор сохранились огромные храмовые пирамиды, на которых совершались кровавые обряды, когда жрец вспарывал обсидиановым ножом живот жертвы и вырывал из груди сердце. Майя считали человеческую кровь средоточием жизненной силы и энергии, вместилищем духа, поэтому кровь давала силы богам. Боги в представлениях индейцев могли рождаться и стариться, поэтому им, как и людям, нужна была «пища». В Чичен-Ице находится знаменитый священный сенот (cenot) – естественная карстовая воронка глубиной в 60 метров и примерно такого же диаметра. Сенот известен как «Колодец смерти»: считалось, что там обитает бог плодородия Юм-Каш, поэтому в этот колодец сбрасывали прекрасных девушек, золотые изделия и изумруды, чтобы вымолить у бога дождь. Впоследствии из «Колодца смерти» были извлечены статуэтки из нефрита, золотые фигурки, колечки и колокольчики, оружие и предметы быта, а главное – золотые рельефные диски с изображением религиозных и военных эпизодов. Наиболее важными считаются золотые маска и корона, которую украшает изображение Пернатого Змея Кукулькана, бога дождя. Интересно, что перед жертвоприношением вещи «убивали»: мяли золотые изделия, разбивали каменные статуэтки.

Маски, повсеместно находимые в доколумбовой Америке, играли особую роль в религиозных обрядах. Их делали из нефрита, яшмы, из дерева, которое затем инкрустировалось мелкими кусочками бирюзы разных оттенков. Тот, кто надевал маску с изображением животного или бога, получал их качества и терял свою человеческую сущность. Маски также изготавливались для умерших; такова нефритовая маска Пакаля Великого, правившего в VII веке и похороненного в гробнице в огромной пирамиде в древнем городе майя Паленке. Глаза маски сделаны из белого перламутра с круглыми отверстиями, в которые вставлены черные обсидиановые зрачки. Эту маску, как и многие другие, по окончании ритуала похорон майя разбили; в 2001 году она была отреставрирована.

Но лучшими ювелирами, конечно, были племена, населявшие современную Колумбию: кимбайя (IV-X в.в.), чибча-муиски (XII-XVI в.в.), чиму (XIII-XV в.в). Произведения мастеров «золотых культур» Колумбии хранятся в Музее золота в Боготе, где собрано более двадцати девяти тысяч произведений ювелирного искусства доколумбовой эпохи. Среди них многочисленные золотые и тумбаговые сосуды-попоро, в которых хранилась известь, характерные для культуры кимбайя. Дело в том, что в высокогорных андских плато человек плохо себя чувствует: появляются головные боли из-за низкого давления и прочие признаки так называемой горной болезни. Чтобы избежать этого, индейцы жевали (и до сих пор жуют) листья коки – кустарникового растения, из которого получают кокаин. В листьях содержатся вещества-стимуляторы, благодаря которым человек чувствует прилив сил, не чувствует голода и жажды. В специальной сумочке носили запас листьев на день, а для нейтрализации своеобразного вкуса с ними жевали немного извести, которая также способствует усваиванию активных веществ. Листья коки и сосуды-попоро стали чуть ли не национальными символами Колумбии. Утверждается, что листья коки и кокаин не имеют между собой ничего общего. На многих туристских маршрутах и гиды, и туристы пьют чай из листьев коки; даже папа Иоанн Павел II пил такой чай.

Древние индейцы доставали из попоро известь специальными палочками (сосуды имели узкое горлышко), которые служили одновременно заколками для плащей. Палочки делали из золота и его сплавов, навершие выполнялось в виде животных, человеческих фигурок. С помощью сплавов с медью кимбайя добивались красивых цветовых оттенков; они владели всеми возможными техниками работы с драгоценным металлом. Известны попоро в виде сидящих мужчин и женщин с закрытыми глазами и безмятежным выражением лиц. Кимбайя оставили после себя золотые ожерелья, браслеты, украшения для носа и ушей, скипетры, шлемы, булавки, трубы, копьеметалки, ступки с растительными орнаментами для приготовления жвачки из коки, применявшиеся в ходе религиозных обрядов, небольшие фигуры застывших в разных позах людей, внутри которых были обнаружены обугленные кости.

Одни из лучших мастеров-ювелиров – муиски-чибча – жили по берегам озера Гуатавита. Именно отсюда берет свое начало легенда об Эльдорадо (от исп. El dorado – позолоченный, золотой). Выходцы из этих мест рассказывали, что все в их стране сделано из золота, и правит ими «позолоченный человек». Рассказы о «золотом короле» появились из-за ритуала коронации. Новый правитель должен был направиться к Гуатавите, чтобы умилостивить Демона, своего бога и господина, и принести ему жертву. На плоту из тростника новый правитель, тело которого обмазывали смолой и осыпали золотым порошком, отправлялся к центру озера вместе с подчиненными ему вождями в золотых коронах и браслетах, и бросал в озеро жертвоприношения: драгоценные золотые изделия и изумруды. После этого его власть считалась законной. Неоднократно европейцы пытались достать сокровища со дна озера, которых за века скопилось там невероятное количество. Однако удалось поднять очень мало предметов, и все попытки оканчивались крахом, словно озеро охраняло свой клад. Даже осушение озера оказалось безуспешным: едва золото показалось из воды, ил, в котором оно лежало, стал высыхать под солнечными лучами и затвердел так, что вытащить золотые изделия не представлялось возможным. Так и остались лежать на дне озера драгоценные тунхо – ритуальные предметы.

Тунхо представляли собой по большей части золотые фигурки: людей с деталями одежды, украшений и оружия; животных (лягушек, змей, ящериц, рыб, птиц); композиции из повседневной и политической жизни. Сохранилась и композиция, изображающая сцену коронации: золотой плот с золотыми фигурками правителя и подчиненных ему вождей. Тунхо изготовлялись с исключительным мастерством, но и вещи для повседневного использования муиски тоже делали искусно. Это были и тиары, и короны с диадемами; ожерелья, бусы и браслеты из нанизанных на золотые шнурки фигурок животных, украшения-подвески для носа и ушей; нагрудные пластины в виде сердца и дисков с изображением божеств в птичьем и зверином обличье, булавки, броши, разнообразная посуда, а также шлемы, копья, панцири.

Очень похожи на колумбийские изделия работы перуанских мастеров-ювелиров культуры чиму, которая существовала с XIII по XV век и уступила место цивилизации инков. Разнообразие их велико: от доспехов и посуды до корон. Из посуды они делали широкие серебряные и золотые чаши, блюда, кувшины, бутылки с двумя длинными горлышками, ложки, стаканчики, похожие на стопки. На некоторых таких стаканчиках орнамент и изображения божеств перевернуты, их можно разглядеть, если опустошить содержимое стопки и перевернуть ее. Углубление в дне и небольшой бортик-основание в перевернутом виде служили своего рода чашечкой. Украшения были не только повседневные, но и церемониальные. Из последних характерен набор из высокой прекрасно отполированной золотой цилиндрической формы короны с четырьмя торчащими золотыми длинными треугольной формы «перьями», короткого ожерелья из больших золотых круглых бусин и такого же браслета, широкой сплошной пекторали, оформленной по краю золотыми «лепестками» (очень напоминающей русские бармы-оплечья царей допетровских времен) и украшений для ушей, представляющих собой большие диски с орнаментом. Такие ушные украшения носили все знатные индейцы с детства, постепенно увеличивая диаметр диска или цилиндрика, который вставлялся в ухо. Некоторые из них напоминают катушки от ниток. Повседневные украшения отличались разнообразием. Это были широкие браслеты-манжеты, браслеты из серебряных крупных бусин и плоских квадратов, широкие серебряные браслеты из ажурной сетки или наборные из серебряных шипов. Кольца имели ажурный спиралевидный узор, а булавки для скрепления плащей – разнообразные головки, например, в виде сидящего на ветке с листьями попугая из литого серебра.

Особое место среди украшений занимали носовые подвески, имевшие форму полукруга с самыми разными узорами, чаще всего религиозного характера или изображающие правителей. Некоторые такие украшения имели сложную ажурную композицию в геометрическом стиле либо серповидную форму с гладкой поверхностью. Мочика поклонялись луне и морю, поэтому в орнаментах преобладает мотив полукруга и серпа. Носовые украшения характерны для всей Южной и Центральной Америки, как и церемониальные ножи-туми для жертвоприношений с лезвием-полукругом и богато украшенной ручкой. Подобный жертвенный нож-секира хранится в национальном археологическом музее в Лиме. Он сделан из золота и серебра в технике чеканки и гравировки и украшен бирюзой. Ручка выполнена в виде божества с распростертыми руками, в которых находятся два диска неясной символики. На голове божества корона-полукруг. Это одна из самых значительных реликвий чиму; ювелиры этой культуры многое переняли у мочика (моче) – более ранней, чем чиму, культуры, которая существовала с I века до н.э. по VII век н.э. Именно мочика практиковали многочисленные человеческие жертвоприношения, дабы вымолить у богов дождь, редкий в их краях.

К культуре мочика относится погребение правителя Сипана. Под этим названием известно захоронение высокопоставленного лица III века, найденное в 1987 году близ деревни Сипан, в округе Чиклайо (Перу). Важность этой находки, нетронутой уакерос (грабителями могил), и ее богатство сопоставимы разве что с находкой гробницы египетского фараона Тутанхамона. Под тем же захоронением были найдены погребения двух других знатных особ, названных Жрецом и Старым правителем Сипана (анализ ДНК показал разницу в четыре поколения между этим человеком и Сипанским господином). Всего в сипанской гробнице было найдено более четырехсот драгоценностей. Среди них пекторали, ожерелья, носовые и ушные кольца, шлемы, скипетры и браслеты. Изготовлены эти предметы из золота, серебра, позолоченной меди и полудрагоценных камней.

Особо выделяются полихромные предметы, сделанные наполовину из золота, наполовину из серебра, что символизирует солнце и луну. Таково двухрядное ожерелье в виде арахисовых зерен – земляных орехов, важной сельскохозяйственной культуры Южной Америки. На правой стороне груди ожерелье сделано из золота, а на левой из серебра. Одна из подвесок для носа изображает вождя, голова которого увенчана короной в виде совы с огромными распростертыми крыльями, а в носу – большая подвеска. Предполагается, что это изображение – портрет Старого правителя Сипана, так как он в ожерелье и с жезлом, найденными в захоронении. В то же время образ близок образам божеств мочика, что говорит о том, что творчество, способное объединить реальные и вымышленные образы, находилось на высоком уровне развития. В сипанском погребении много предметов, изображающих кошкообразное божество: статуэтки, золотые маски-диски с кошачьей головой и оскаленными зубами. На одном из круглых украшений для головы есть мозаичное (из бирюзы) изображение водяной птицы, ныне вымершей.

Инки, пришедшие после мочика и чиму, стали наследниками богатой ювелирной традиции колумбийских культур. Ацтеки, пришедшие с севера, распространили свое влияние на всю территорию современной Мексики, восприняв и традиции местных златокузнецов. Ювелирное искусство доколумбовой Южной и Центральной Америки складывалось тысячелетиями при участии разных племен и культур. И когда в Северной Америке индейцы охотились на бизонов, в Южной уже стояли города с десятками тысяч жителей, пролегали отличные охраняемые дороги, а в обсерваториях ученые наблюдали звездное небо. Людей этого континента объединяло отношение к ювелирному делу и его изделиям: глубоко религиозное, лишенное корысти, в сочетании с пониманием высокой ценности металлов и самоцветов, их эстетических и практических качеств. Нефрит, например, ценился дороже золота. А сегодня драгоценности инков или мочика - великое культурное наследие - покоится под музейными стеклами, а мы удивляемся тому, что некогда эти предметы использовались в жизненном обиходе. Удивительная древняя цивилизация оставила нам свои послания. Нет больше тех, кто делал эти ожерелья с колокольчиками и эти маски из бирюзы, но их идеи и талант сохранились навсегда.

Короны мира

 Корона (от лат. corona — венец, венок) – символ власти, как земной, светской, так и духовной, божественной, а также знак могущества, достоинства, избранности, славы и победы. Все прекрасно представляют себе корону в виде головного убора, состоящего из обруча и зубцов на нем, золотых, конечно же. Однако короны бывают очень разные; символ остается символом, а вот как он воплощается – зависит от страны, сана лица, которому принадлежит корона, его заслуг и прочих особенностей. Кроме того, бывают короны геральдические, изображаемые на гербах, и короны вотивные (от лат. ex voto – по обету), являющиеся частью католической церковной утвари; их приносили в дар храму. В эпоху Средневековья право на корону имели не только короли, но и представители землевладельческой знати. Так, английский виконт носил корону с двенадцатью жемчужинами; граф — с жемчужинами и земляничными листьями; герцог — с широкими листьями, но без жемчужин и т.д. Видов корон для всех титулов было великое множество.

Корни короны – в Древней Греции, в лавровых венках, которые сначала приносились в дар богам. Затем венки стали делать из золота; их могли вручать за воинские заслуги или победителям спортивных соревнований, их носили участники религиозных и свадебных обрядов. Кроме венка у греков была диадема, изначально представлявшая собой богато украшенную повязку на голову. Венок и диадема стали прародителями короны. До нашего времени сохранились золотые венки из золотых лавровых и дубовых листьев, например, хранящийся в Грегорианском археологическом музее золотой венок из дубовых листьев середины IV века до н.э. из древней Этрурии, найденный в женском погребении в Вульчи (город-государство этрусков, разрушенный римлянами в III веке до н.э.). Или золотой лавровый венок отца Александра Македонского Филиппа II из гробницы, найденной в конце ХХ века в 85 километрах от Салоник, у деревни Вергина. Но не все древние короны, о которых мы хорошо знаем, сохранились; древнейшие короны Верхнего и Нижнего Египта, соединенные в одну после объединения страны, известны только по их изображениям.

В виде повязки или обруча корона пришла в Византию – наследницу Римской империи. Обруч постепенно расширяется, и вот уже император Юстиниан I изображен на мозаике в церкви Сан-Витале в Равенне в так называемой стемме, в которую эволюционировала повязка: широкой диадеме, богато изукрашенной драгоценными камнями, с подвесками по бокам. Юстиниан жил в VI веке, а его преемники уже носили более богато украшенные стеммы; на них появился крест, а внутри – материя, образующая шапочку или подушку.

К XII веку облик императорской короны сформировался: появились две крестообразно расположенные дуги, укрепленные на обруче. К счастью, эти древние византийские короны можно увидеть и сейчас: многие из них сохранились, ведь корона стала означать преемственность власти, а значит, тщательно оберегалась. Одна из них – корона Константина IX Мономаха, случайно обнаруженная в 1860 году. Она находится теперь в Венгрии, в Пештском национальном музее, потому что была подарена Константином венгерскому королю  Андрею I (1047-1061), скорее всего, по случаю его бракосочетания с дочерью Ярослава Мудрого Анастасией. Корону изготовили в Константинополе в императорских мастерских; на взгляд современного человека она довольно проста и даже не украшена самоцветами. Корона состоит из семи скрепленных вместе золотых пластин с закругленным верхом, с рисунками в технике перегородчатой эмали. На центральной пластине изображен Константин IX Мономах, на пластинах по бокам – его супруга Зоя и ее сестра Феодора, а по сторонам от них – танцующие девушки. Изображение танцовщиц (на христианской короне) – явное персидское влияние.

Кстати, по официально принятой версии, именно император Константин IX Мономах подарил своему внуку, киевскому князю Владимиру Всеволодовичу Мономаху, знаменитую шапку Мономаха, которая является наиболее древней частью государственных российских регалий и символом самодержавия России. Дар должен был символизировать преемственность власти русских правителей от византийских императоров, что подтверждало бы концепцию  «Москва — Третий Рим». Однако Константин умер в 1055 году, когда Владимиру было всего два года, да и шансы занять киевский престол у Владимира были невелики. К тому же, облик шапки не позволяет говорить о византийской ювелирной традиции, скорее всего, это восточная работа XIII-XIV веков. Но этот золотой остроконечный головной убор получил статус символа-короны и хранится в Оружейной палате Московского Кремля, и теперь уже не важно, откуда он, а важнее то, чем он теперь является.

Основная задача короны – осуществлять преемственность – сыграла злую шутку с еще одной древней византийской короной. Это так называемая венгерская корона, или корона св. Стефана (Иштвана) XI века. Она представляет собой стемму в чистом виде: диадему с треугольными и полукруглыми зубцами спереди, с подвесками, с двумя широкими дугами и крестом в середине, где они пересекаются. Изначально это были два разных венца: диадема и подобие шлема из золотых пластин. Верхнюю часть подарил римский папа, который ею и короновал, по легенде, первого короля Венгрии Стефана Великого,  канонизированного вскоре после смерти. Диадему же прислал в подарок византийский император, и позже обе части были соединены. Корона стала символом Венгрии, и король не мог считаться таковым, не будучи коронован ею. Она хранилась в тройном железном ящике под охраной четырех сановников; любой претендент на трон мог стать королем Венгрии, если бы смог пройти коронацию венцом Святого Стефана. Поэтому во времена междоусобиц шла настоящая охота за короной: ее крали, теряли, закладывали, выкупали, она пропадала и вновь находилась. В один из таких смутных дней крест на короне погнулся, и в таком виде она дошла до наших дней. В период венгерской революции, в середине XIX века, ее хотели уничтожить как символ монархии, но все же решили оставить и даже спрятали, закопав в лесу, когда восстание было подавлено австрийским правительством. Венгры не хотели, чтобы корона досталась австрийцам, но нашелся предатель, который выдал местонахождение короны за деньги, и она была торжественно помещена австрийцами в Офенский замок. Там она пробыла до 1944 года, когда русские войска во время Второй мировой войны вошли в Будапешт. Но американцы уже погрузили все венгерские ценности на поезд, и корона уехала в США.  Вернули ее венграм только через 33 года.

Пожалуй, самая древняя европейская корона – это так называемая железная корона королевы лангобардов Теоделинды. Лангобарды (от нем. Langobarden — длиннобородые) были германским племенем, проживавшим с начала первого тысячелетия на территории Италии. В V веке лангобарды приняли христианство, а в VI веке их овдовевшая королева, дочь баварского герцога Теоделинда, повторно вышла замуж. Она приказала изготовить для будущего мужа корону, ведь теперь благодаря этой свадьбе он станет лангобардским королем. По легенде, основой короны – железным обручем – послужил гвоздь от креста Спасителя, подаренный королеве римским папой Григорием Великим, поэтому корона и называется железной. Обруч покрывает широкая, шириной семь с половиной сантиметров, золотая полоса из шести скрепленных между собой пластин. Поверхность каждой из них декорирована цветной эмалью с растительными мотивами, рельефными золотыми цветами и темно-красными драгоценными камнями в глухой закрепке, ограненными гладкими кабошонами,  так как другой обработки камней тогда не знали. Королева Теоделинда построила храм Иоанна Крестителя в Монце, возле Милана, где корона хранится до сих пор. Кроме самостоятельных лангобардских королей, ею короновалась большая часть германских императоров, от Карла Великого (в VII веке) до Карла V (в XVI веке). Даже Наполеон I короновался железной короной в 1805 году, после основания Итальянского королевства.

С Наполеоном вел долгую войну английский король Георг IV, предшественник королевы Виктории. Война окончилась победой, но Георг все равно был не очень популярен в народе: англичане не одобряли беспечный нрав монарха и его огромные долги. Чего стоит анекдотическая история с взятой напрокат короной Британской Империи, которой он короновался. Дело в том, что для каждого монарха эта корона изготавливается заново, так как ее часто приходится надевать, и она подвержена старению и износу. Вид короны уже не тот, поэтому создавали новую, с учетом вкусов монарха. Корона имеет общий традиционный облик: обруч из четырех геральдических лилий и четырех крестов, от которых идет четыре полудуги, увенчанные шаром с крестом. Внутри короны бархатная пурпурная шапка с горностаевой опушкой (так выглядит и современная корона Британской империи, с алмазом Куллинан-II (Малая Звезда Африки), рубином Черного принца, сапфиром святого Эдуарда в верхнем кресте, сапфиром Стюартов сзади, а также 2868 алмазами, 273 жемчужинами, 17 сапфирами, 11 изумрудами и 5 рубинами).

А наследник и будущий король Георг IV промотал все деньги; близилась коронация, нужно было оплачивать торжества и, главное, дорогостоящую работу по изготовлению драгоценной короны. Заказали ее у лондонского ювелира Рэндалла; к коронации все было готово, и пора было забирать корону, но ювелир ни за что не соглашался ее отдать без оплаты. Велись долгие переговоры, но Рэндалл был непреклонен: он подозревал, что может не увидеть ни короны, ни денег, а цена оказалась немалая – около ста тысяч тогдашних фунтов стерлингов (миллион рублей того времени). Сошлись на том, что король возьмет корону только на день коронации, так сказать, напрокат, за определенную сумму, и затем вернет ее; все это было закреплено договором. Так и получилось: Георг IV короновался взятой напрокат  у ювелира короной, а затем вернул ее фактическому хозяину.

Но и это не конец истории. Вскоре об этом невероятном происшествии стало известно всем. Англичане, конечно, не осуждали ювелира: ведь он имеет свой бизнес и должен получать за свою работу деньги. Но и оставить все так, как есть, было невозможно, поэтому по стране объявляется сбор средств в пользу короны. Было собрано сто пятьдесят тысяч фунтов-стерлингов (полтора миллиона рублей). Корону выкупили, остаток поднесли в дар Георгу. К слову, королева Виктория переделала эту корону, так как она для нее была слишком тяжелой. С тех пор корона Британской империи не менялась, она хранится в Тауэре и раз в год надевается монархом на открытие сессии парламента.

Не всегда английская корона имела такой вид, как сейчас, до XV века она была открытой, без дуг, в виде обруча с золотыми листьями и лилиями, украшенной рубинами, сапфирами и жемчужинами. А самая первая корона английских королев выглядела необыкновенно и отличалась от подобных себе. В 1402 году ее хозяйка принцесса Бланш, дочь английского короля Генриха IV, вышла замуж за палатинатского курфюрста Людвига II, поэтому корона также называется палатинатской.  Эта корона была свадебным приданым принцессы; на золотом обруче возвышались семь крестообразных зубцов, вертикальных и достаточно высоких. Вся она сплошь покрыта жемчужинами, рубинами, сапфирами, изумрудами и бриллиантами, закрепленными в очень высокие касты, так что кажется, будто корона ощетинилась самоцветами. Корона Бланш хранится в Мюнхенской сокровищнице.

От европейских корон сильно отличались короны других стран. Если не считать того, что в некоторых местах короной может быть головной убор из перьев или листьев, то все они тоже изготавливались из драгоценных металлов. Так, корона южноамериканского правителя цивилизации мочика (Перу, I-VIII век – до инков) была золотой и… квадратной, усеянной подвесками в виде монет, с четырьмя длинными и узкими вертикальными золотыми полосами, торчащими наподобие перьев. А корона иранского шаха напоминает высокую митру, с перьями цапли спереди. Иранские шахи в 1960-х годах были крупнейшими заказчиками драгоценностей у европейских ювелиров. В частности, у британского ювелирного дома Van Cleef & Arpels в 1966 году была заказана корона для коронации последней шахбану (жены шаха) Ирана Фарах Пехлеви.  Коронация состоялась в 1967 году, и Фарах блистала в короне, созданной с европейской элегантностью и восточной роскошью. Корона весит около двух килограммов, она выполнена из белого золота в виде обруча с очень высокими зубцами в форме округлых розеток. Центральные части розеток занимают огромные изумруды необычной огранки в обрамлении больших грушевидных жемчужин, расходящихся в виде лучей. В короне 36 рубинов, 36 изумрудов, 105 жемчужин и 1469 алмазов.

Тиффани и Картье: полюбовное противостояние

Когда говорят о роскошных, легендарных драгоценностях, часто упоминают имена Тиффани и Картье. Когда выбирают обручальное кольцо, чаще думают: «Картье или Тиффани?». Когда вспоминают самых красивых женщин из самых знаменитых кинофильмов, чаще всего связывают с ними опять-таки эти два имени. С тех пор, как Картье и Тиффани приобрели мировую известность, они перестали быть просто именами, а творения, на которых строилась мировая популярность, перестали быть просто предметами или дорогим товаром - это целый мир, вернее, две разных вселенных, непохожих друг на друга. Так уж получилось, что эти два столпа ювелирной индустрии оказались противопоставлены друг другу не только по месту происхождения (Tiffany&Co. – США, Cartier – Франция), но и по философии, хотя ярко выраженного соперничества между ними никогда не было.

Tiffany&Co.
История Tiffany&Co. началась в Нью-Йорке, на Бродвее, когда в 1837 году два школьных друга Чарльз Льюис Тиффани и Джон Б. Янг открыли там магазин канцелярских товаров и подарков Tiffany&Young. И в том же году появилась первая легендарная вещь, до сих пор являющаяся символом компании – фирменная голубая коробочка бирюзового оттенка – «цвета Tiffany», перевязанная белой атласной ленточкой. Сначала в нью-йоркском магазине продавали недорогую бижутерию, затем – качественные имитации драгоценностей, а потом и изделия из золота и серебра. Благодаря тому, что партнером Tiffany&Co. стал Эдвард С. Мур, ведущий производитель серебра из Нью-Йорка, это направление деятельности получило широкое развитие, что принесло компании награду на парижской выставке Universelle в 1867 году за превосходное качество изготовления серебряных изделий и столового серебра. До этого американские фирмы не получали таких наград. Именно в Tiffany впервые ввели в употребление серебро 925 пробы для изготовления ювелирных украшений.

Еще в 1848 году Чарльз Тиффани начал покупать драгоценности коронованных особ: сначала бриллианты и другие предметы, которые предположительно принадлежали Марии-Антуанетте и венгерскому принцу Эстерхази, потом, в 1887 году – двадцать четыре предмета из набора драгоценностей французской короны, среди которых выделялось ожерелье с 222 крупными бриллиантами, принадлежавшее императрице Евгении. После этого Чарльза Тиффани стали называть «королем бриллиантов». Знаменитый желтый бриллиант Tiffany весом 128.54 карата стал в 1878 году еще одним талисманом компании. Для огранки камня пригласили лучшего геммолога и огранщика того времени – Джорджа Фредерика Кунца, который стал бессменным главным экспертом Tiffany и ее вице-президентом.

Но поистине звездный час для Tiffany наступил в 1861 году, когда компании поручили оформление серебряного кувшина на инаугурацию президента Авраама Линкольна, который вдобавок купил жене у Tiffany набор из ожерелья и браслетов из мелкого жемчуга. Звездный час именно потому, что это был первый случай, когда украшение Tiffany носила столь высокопоставленная, «звездная» особа. После этого к Tiffany потянулись все миллионеры Америки: Дюпоны, Вандербильды, да и последующие президенты стали постоянными клиентами Дома.

Cartier
Теми же временами в 1847 году Луи-Франсуа Картье купил у своего учителя Альфреда Пикара ювелирную мастерскую в Париже, чтобы заниматься частными заказами. Всего десять лет потребовалось мастеру-ювелиру Картье, чтобы его произведения покупали все аристократы Парижа во главе с императрицей Евгенией, женой Наполеона III, а следом и вся Европа. Инновации – слово, которое определяет философию Дома Cartier; стиль украшений, аксессуаров и прочих предметов ювелирного искусства сформировался именно благодаря нововведениям, которые каждый раз совершали маленький переворот в сознании покупателей. Картье первым стал использовать легкую платину в изготовлении драгоценностей из-за того, что она выдерживает большее количество камней, и это позволило делать еще более роскошные предметы и развить «стиль гирлянды», некогда господствовавший в XVIII веке во времена Людовика XVI. Луи-Франсуа Картье придал этому стилю новое звучание именно благодаря применению платины, и когда во всем мире царил модерн, Картье делал ослепительные диадемы, серьги-жирандоли, браслеты и броши-банты, в которых ныне классическое сочетание белой платины и бесцветных бриллиантов было просто революционным. Это белое великолепие разительно отличалось от творений других парижан – Фуке и Лалика, с их радужными феями, химерами, стрекозами и экзотическими цветами, хотя до Cartier никто не делал центром ювелирных украшений насекомых и пресмыкающихся. В этом компания тоже стала пионером.

У Луи-Франсуа Картье было стремление сделать бизнес семейным, и он дал свою профессию сыну Альфреду, а тот передал дело трем сыновьям, которые стали благословением марки. Если Чарльз Тиффани был «королем бриллиантов», то Луи-Франсуа Картье именовали «королем ювелиров и ювелиром королей». Эту фразу произнес будущий король Англии Эдуард VII, тогда еще принц Уэльский, и она стала негласным девизом Cartier. В 1904 году Дом Cartier стал поставщиком английского Королевского двора, а потом и испанского, и португальского, и греческого, и голландского, и еще многих других королевских семей. Кстати, словно в противовес Tiffany цвет фирменных коробок Cartier красный.

Ювелирные открытия Cartier и Tiffany
Оба ювелирных Дома вошли в историю благодаря своим нововведениям. В Tiffany это стандарт чистоты платины, принятый в качестве национального; метрический стандарт единицы веса драгоценных камней – карат, введенный Джорджем Кунцем; особая закрепка бриллианта в шести лапках в приподнятой над кольцом оправе, усиливающая блеск камня. Облик гладкого платинового кольца с круглым бриллиантом, высоко вознесенным над ободком кольца, стал символом предложения руки и сердца. У Cartier были первые наручные часы, кольцо из трех ободков и появление в кинофильмах фирменных украшений. История создания наручных часов Cartier – это новая эра часов, с началом которой ушли в историю часы на цепочке, которые мужчины носили в маленьком жилетном карманчике. У одного из братьев Картье был друг – бразильский летчик и большой денди Альбер Сантос-Дюмон. Однажды он пожаловался Картье, что карманные часы очень неудобны в полете: приходится убирать руки со штурвала. Картье задумался и сделал квадратные плоские часы на кожаном ремешке, которые можно носить на руке. Было это в 1904 году, а часы так и назвали – Сантос. А под впечатлением от новой военной английской машины – танка – Картье создал часы Tank с прямоугольным циферблатом, популярным до сих пор. Также в Cartier впервые сделали обычную перьевую ручку драгоценным предметом роскоши.

Именно часы Tank самыми первыми из всех изделий Cartier появились в кино (1926), а украшения неоднократно появлялись и впоследствии в голливудских кинолентах, возможно, больше всех остальных всемирно известных брендов. С именами Cartier и Tiffany связаны имена двух прекрасных женщин и актрис: Мерилин Монро и Одри Хепберн. Две эти женщины так не похожи друг на друга, и это в полной мере отражает разницу между брендами. И если тот факт, что Мерилин Монро в фильме «Джентльмены предпочитают блондинок» (1953) пела про бриллианты в драгоценностях от Cartier, известен не всем, то уж «Завтрак у Тиффани» 1961 года вознес имя марки на недосягаемую высоту. Героиня Хепберн Холли Голайтли только и мечтала об украшениях Tiffany, поедая свой утренний круассан у витрины ювелирного магазина, в то время как на актрисе действительно были бриллианты Tiffany. Хепберн участвовала также в фотосъемках в поддержку фильма, на которых она предстала в колье с легендарным желтым бриллиантом Tiffany; этот камень в виде квадрата со скругленными краями, своего рода подушечки, позднее был переделан в брошь: сверху на камне появилась сверкающая бриллиантовая птичка.

Свой легендарный бриллиант был и у Cartier: это грушевидной формы камень весом 69,42 карата, подаренный в 1969 году Елизабет Тейлор ее возлюбленным Ричардом Бертоном; дорогостоящий подарок вызвал бурную реакцию в обществе, что привлекло к марке всеобщее внимание.

Некоторые вещи Cartier и Tiffany стали культовыми. У Cartier это не только часы Tank, но и тройное кольцо Trinity, состоящее из трех тонких колец желтого, белого и розового золота, свободно соединенных вместе. Оно появилось еще в 1924 году, и до сих пор остается невероятно востребованным; кажется, оно придумано только вчера. А в 1942 году в Cartier сделали брошь «Птица в клетке», символизирующую оккупированную фашистами Францию. После освобождения страны появилась брошь «Освобожденная птица». Символом Cartier стали пантеры; первую из них в виде броши, покрытую бриллиантами и сапфирами, сидящую на гладком сапфировом непрозрачном шаре весом 152,35 карата, сделали в 1947 году для герцогини Виндзорской. С тех пор пантеры и прочая живность вроде крокодилов и змей постоянно появлялись в украшениях и аксессуарах Cartier.

Обе марки замечены в пристрастии к кольцам; их они делают самозабвенно и в огромном количестве. У Tiffany даже есть серия Celebration rings – «праздничные кольца» на все случаи жизни. Знаковые изделия Tiffany – кольцо с бриллиантом в запатентованной закрепке; ключи-подвески, покрытые бриллиантами; цепи с большими звеньями в виде сердец и ставшие хитами серии украшений, одна из которых – Atlas. В ней использован мотив римских цифр – символа Tiffany (титан Атлас (Атлант), который в греческих мифах держит небо, а в эмблеме ювелирного Дома – циферблат с римскими цифрами). Кольца этой серии и просты, и гениальны одновременно: весь ободок занимают римские цифры, и в результате получается ажурное легкое, но строгое украшение.

Cartier и Tiffany при русском дворе
Все более-менее уважающие себя ювелирные марки рубежа XIX-XX веков стремились получить звание поставщика русского императорского двора. Это было невероятно престижно, почетно, а главное, обеспечивало огромным количеством заказов от многочисленной семьи Романовых и титулованных особ. Богатство русских аристократов стало легендой. А придворная мода сразу становилась общероссийской. Многие ювелиры продавали свои изделия в России, обеспечивая русскую элиту драгоценностями, и одними из самых удачливых стали Cartier и Tiffany. Здесь они столкнулись с сильной конкуренцией в лице Фаберже, с которым, к примеру, в Cartier сильно не ладили. Борьба за русское внимание развернулась не на шутку. Положительным фактором было то, что русские часто навещали Париж: можно было «обрабатывать» клиента, не выезжая в Россию.

Магазин Tiffany в Париже был открыт еще в XIX веке, поэтому европейцы не понаслышке знали продукцию обоих Домов. Первая попытка пробиться в русский высший свет была сделана Tiffany, когда в Париж приехал великий князь Михаил Николаевич, дядя и доверенный советник императора Александра III, председатель Государственного совета. Злые языки утверждали, что сильный политик и герой русско-турецкой войны был подкаблучником, что привело к тому, что великая княгиня Ольга Федоровна, его жена, зайдя с мужем в ювелирный магазин Tiffany, купила или заказала столько, что великому князю пришлось внести часть оплаты великокняжеским словом: Михаил Николаевич обещал компании поспособствовать присвоению Tiffany звания поставщика русского двора.

Время шло, а дело не двигалось, но Tiffany не собиралась отступать и напомнила об обещании. Дело принимало скандальный характер: речь шла о нарушении великокняжеского слова, то есть бесчестном поступке. Однако великий князь Михаил Николаевич как председатель Государственного совета не решал вопросы о присвоении звания поставщика Двора Его Императорского Величества. Положение спасли племянники князя великие князья Алексей Александрович и Павел Александрович. Они пожаловали Tiffany&Co. звание «поставщика Их Высочеств». Это, конечно, звучало не так, как «поставщик Высочайшего Двора», но тоже было неплохо.

Подобным путем пошли и в Cartier. Фирме удалось получить заказ на изготовление рождественских подарков для семьи императора Александра III в 1888 году. Из присланных образцов его дочь Ксения выбрала флакон с пробкой, инкрустированной сапфирами, чтобы подарить матери. Так Дом Cartier начал свой путь в России. Главную роль в этом сыграла любовь к драгоценностям красивых женщин, которые были женами великих князей. Но один из них, Алексей Александрович, ставший клиентом фирмы, умер; другой, Павел Александрович, которого женила на себе после смерти его жены некая Ольга Пистолькорс (для этого она развелась с первым мужем), был удален от двора: в то время это было недопустимо и считалось позором. Наконец, появился третий вариант – Мария Павловна, жена брата императора Александра III Владимира Александровича. Она обожала бриллианты и мечтала видеть мужа на троне. Фирма Cartier арендовала у нее помещение прямо "под боком" императорской семьи: в доме номер 28 по Дворцовой набережной. Мария Павловна заказывала много драгоценностей, особенно диадем, пытаясь затмить блеском камней действующих императриц и ожидая воцарения мужа, но великий князь оставил ее вдовой. В Cartier снова потерпели неудачу, к тому же активная деятельность иностранцев стала досаждать русским ювелирам, которые не замедлили сообщить чиновникам Пробирной палаты о нарушении правил торговли. При внезапном осмотре в помещении Cartier в гостинице «Европейская» действительно были найдены золотые изделия без пробирных клейм. А это уже контрабанда. Дело удалось замять, и ювелирный Дом Cartier с тех пор принимал заказы в европейских отделениях.

Так несуразно закончились приключения иностранцев в дореволюционной России. В наши дни началась совсем другая история, ознаменованная выставками в Кремле и Лувре. Изделия Cartier и Tiffany по-прежнему остаются символом достатка, роскоши и безупречного вкуса. Покупая украшение этих фирм, люди платят не только за безупречные камни и эксклюзивный дизайн – этого добра и так вполне достаточно; они приобретают свою мечту, оплачивают вступление в мир успешных и обеспеченных, становятся ближе к иконам стиля и красоты Одри Хепберн или Мерилин Монро – как кому больше нравится... Дело за малым – выбрать: Tiffany или Cartier?

Алмазный фонд – сокровищница великих

 
Алмазный фонд, сокровищница русских царей, создавалась Петром I как хранилище государственных ценностей: коронационных регалий, драгоценных камней и всевозможных ювелирных редкостей. Большая императорская корона, скипетр с алмазом Орлов, алмаз Шах – вот предметы, о которых знают все. Но запасники Бриллиантовой комнаты пополнялись и произведениями ювелирного искусства, и во многом это произошло благодаря Екатерине Великой, большой охотницы до красоты драгоценных камней. Именно ее драгоценности составляют основную часть коллекции. К примеру, в 1777 году шведский король Густав III подарил Екатерине II Рубин Цезаря. Это замечательное украшение представляет собой подвеску из малинового цвета камня, ограненного в виде виноградной грозди и украшенного зелеными эмалевыми листочками с золотыми усиками. Густав III искал себе невесту среди племянниц Екатерины, с этим и был связан его чудесный подарок; говорили, что он был поражен распущенностью нравов при русском дворе, поэтому и уехал ни с чем. А подарок остался. Легенды называют его владельцами великого Цезаря, которому его подарила Клеопатра, а также Карла Великого и французского короля Карла IX. Тому якобы преподнесли его иезуиты после Варфоломеевской ночи – в благодарность за кровь еретиков. Потом камень попал к королю Богемии и хранился в Праге, откуда во время войны со Швецией в 1648 году был увезен и подарен королеве Христине. Однако Рубин Цезаря – вовсе не Рубин, а турмалин-рубеллит – Рубинами называли все похожие на них камни. Скорее всего, он был найден в Бирме и огранен индийскими ювелирами. Такова судьба самых драгоценных и прекрасных камней собрания: они переживают своих владельцев и веками радуют неизменной красотой.

Так случилось с крупным розовым Бриллиантом в тринадцать карат, принадлежавшим императору Павлу I. Как известно, император был убит во время последнего дворцового переворота, завершившего «бунташный век», и не последняя роль в этом событии принадлежит наследнику Александру. Правда, историки утверждают, что сын не собирался убивать отца и согласился участвовать в перевороте только с этим условием. Как бы то ни было, он стал императором Александром I, а розовый Бриллиант появился в диадеме его жены Елизаветы Алексеевны. Замечательный по чистоте розовый камень прямоугольной формы находится в центре диадемы, выполненной в строгом античном стиле и сплошь усеянной Бриллиантами разного веса. Начало XIX века было отмечено модой на все античное, а диадемы, как в Греции называли головные повязки жрецов, были самым модным украшением. Но, в отличие от большинства Бриллиантовых диадем, эта отличается лаконичностью форм и узора, несмотря на то, что вся усыпана одними только Бриллиантами. Самые крупные из них, каплевидной формы, расположены на верхней части диадемы; они закреплены узкой частью так, что образуют венец. Ряд других крупных камней в форме бриолетов укреплен подвижно внутри композиции. Остается только представить, как сверкали камни, покачиваясь в такт движениям владелицы этой изумительной вещи.

К сожалению, не все предметы из алмазного фонда, когда-либо хранившиеся в нем, дошли до наших дней. Часть ушла на пополнение государственной казны, а большинство расхищено или продано в начале XX века, в смутные времена смены власти. Но некоторые украшения восстановлены современными мастерами по описаниям и изображениям, как, например, еще одна диадема – «Русская красавица». Это роскошное, усыпанное ровно тысячей Бриллиантов головное украшение, конечно, не точная копия того, что когда-то император Николай I заказал для жены в 1841 году, но достаточно точно передает облик диадемы в русском стиле – в форме кокошника. В ней двадцать пять крупных каплевидных жемчужин, закрепленных подвижно и покачивающихся в Бриллиантовых арках. Сохранились изображения императрицы Александры Федоровны в этой диадеме; ее прекрасная хозяйка любила драгоценности не меньше Екатерины II.

Многие украшения, не сохранившиеся до наших дней в алмазном фонде, можно видеть в книге «алмазный фонд СССР» 1924-1926 годов издания. Она была своего рода иллюстрированным каталогом для иностранных покупателей. В этом издании в числе прочих опубликована фотография броши-розы Фаберже, созданной для Александры Федоровны, жены Николая II. Даже на черно-белом изображении цветок кажется живым, сверкающим Бриллиантовой росой; для Карла Фаберже «искусство, красота, цветы» были нерасторжимыми понятиями. По подобию этой утерянной для фонда броши ювелиры Гохрана создали новую брошь-розу, всю сплошь покрытую сверкающими камнями, кроме гладкого платинового стебелька. Брошь полностью повторяет форму распустившегося цветка розы с листьями на стебле и нераскрытым бутоном, уравновешивающим композицию, она кажется сотканной из одного сверкания и блеска камней. Брошь-роза стала визитной карточкой алмазного фонда после выхода в свет серии марок с ее изображением.

Остается благодарить судьбу или какие-то другие неведомые силы, что в сокровищнице великих правителей алмазном фонде все-таки осталось много непревзойденных шедевров ювелирного искусства. И еще более удивительно, что большинство из этих работ – произведения неизвестных мастеров XVIII века. Например, эгрет с сапфирами и Бриллиантами в виде композиции из цветов и перьев с подвижными сапфировыми и Бриллиантовыми подвесками; комплект из эгрета-фонтана и серег-каскадов, тоже из Бриллиантов и сапфиров – синие капли-бриолеты, которыми оканчиваются Бриллиантовые струи, создают эффект капель воды. Есть в алмазном фонде и брошь с василькового цвета сапфиром – одним из семи так называемых исторических камней. сапфир из Шри-Ланки диаметром почти три с половиной сантиметра и высотой больше двух вставлен в оправу из Бриллиантов. Он огранен очень интересной огранкой: на его поверхности более сотни шестиугольных граней. Эта фасетчатая огранка придает цвету сапфира океанскую глубину. Среди ювелиров не было принято ставить свои имена на изделиях; редкостью считаются такие именные клейма. Леопольд Пфистерер поставил свое имя на роскошном банте-склаваже с Рубинами, который носила на шее императрица Елизавета Петровна. Еще одно подписное изделие, одно из немногих, – Бриллиантовая головная шпилька в виде рога изобилия. Ее изготовил петербургский ювелир Дюваль, сделав центром композиции два солитера (крупных Бриллианта) чистой воды. Они окружены более мелкими Бриллиантами в виде лепестков, цветов и листьев. Сам рог изобилия, символ достатка, выложен волнами алмазных роз. Эта старая огранка не дает такого сильного блеска, как Бриллиантовая, однако позволяет лучше понять камни и рисунок композиции. Дюваль не пошел на поводу у моды и не стал подкладывать под камни цветную фольгу, отчего изделие только выиграло; главное значение имеют форма камней, их игра. Намеренно он оставил и золотые «ребра» рога: они придали всей композиции устойчивость и индивидуальность.

Большинство же тех предметов сокровищницы, авторство которых известно, связано с именами Фаберже и Позье. Иеремия Позье, придворный ювелир, сделал для Екатерины не только знаменитую корону, но и все ее украшения, которые находятся в алмазном фонде. Екатерина была великой императрицей, и ее драгоценности должны были соответствовать этом статусу. В сокровищнице хранятся замечательные Бриллиантовые шпильки для прически и шляпки в форме бантов; Бриллиантовая брошь-бант; бант-склаваж с Рубинами и серьги. Бант был излюбленным мотивом модного в то время барокко. Причем эти драгоценности надевались не только по торжественным случаям. Иеремия Позье в своих «Записках придворного Бриллиантщика о пребывании в России» пишет: «Наряды дам очень богаты, равно как и золотые вещи их, Бриллиантов придворные дамы надевают изумительное множество. На дамах сравнительно низкого звания бывает Бриллиантов на 10—12 тысяч рублей. Они даже в частной жизни никогда не выезжают, не увешанные драгоценными уборами».

До XVIII века все украшения надевались поверх одежды: кольца и браслеты – на перчатки; шея оставалась голой, без украшений. Перчатки, которые надевались с большим трудом и делались из дорогой лайковой кожи, иногда служили всего один раз, так как быстро пачкались, особенно о букеты цветов. Чтобы не касаться руками стеблей, придуманы были портбукеты, позднее трансформировавшиеся в броши, в которые вставлялся маленький букетик, и в имитации таких брошей. Эгрет-портбукет из алмазного фонда – одна из таких милых вещиц: зеленые эмалевые стебельки перевиты Бриллиантовой лентой с бантом. К букетам цветов, закреплявшимся на корсаж платья, отсылают и Бриллиантовые броши-букеты, большой и малый. Они созданы в период увлечения цветными камнями. Малый весь состоит из желтых Бриллиантов, а подвижные цветки большого – из бесцветных с подложенной разноцветной фольгой Бриллиантов; стебли выложены изумрудами. Эта брошь принадлежала Елизавете I, «веселой императрице». Для нее же Позье создал большую коронационную пряжку-аграф – для мантии. Пряжка из серебра и золота длиной двадцать пять сантиметров имеет вид банта, состоящего из трех пышных, соединенных посередине ветвей, усыпанных индийскими и бразильскими Бриллиантами.

Интересным примером мужских украшений служат булавки для галстука, переделанные из колец, по всей видимости, женских. Для кого они были переделаны и кем, остается загадкой, но известно, что это произошло примерно в 20-х годах XIX века. Булавок в сокровищнице фонда две, обе с Бриллиантами: одна с ярко-голубым, в ажурной золотой оправе, другая с розовым овальным, окруженным двумя рядами граненых розами Бриллиантов. Если Бриллианты были универсальными камнями, то, к примеру, хризолиты считались «дамскими» самоцветами. В алмазном фонде хранится не только самый крупный в мире хризолит, но и чудный набор из броши и серег, украшенный этими зелеными камнями. Брошь, как положено, в виде банта, а серьги – с классическими каплевидными подвесками.

Кроме украшений и крупных камней в сокровищнице алмазного фонда находятся и другие ювелирные изделия; среди них государственные награды и знаки. Одним из старейших предметов сокровищницы является наградной знак с портретом Петра I, работы начала XVIII века. Рамка из золота и серебра украшена алмазами, а портрет написан эмалью, или как ее называли раньше, финифтью. Такого рода портреты считались высочайшей наградой; император лично награждал ими отличившихся сановников и военачальников. Принято было носить такие знаки на груди на георгиевской ленте. Подобных наградных знаков с портретами Петра I сохранилось очень мало.

Другое наградное ювелирное изделие связано с орденом святой Екатерины, высшим женским орденом. Это украшение на орденскую шляпу – полукружие с крестом, украшенное Бриллиантами и Рубинами. Такие шляпы носили женщины; на парадных портретах можно увидеть императриц в этих головных уборах. Сам знак, овальный медальон с изображением святой Екатерины на красном банте и муаровой ленте и шитая жемчугом звезда находятся в Оружейной палате. Звезда принадлежала Екатерине II и относилась к высшей степени из двух степеней ордена. Бриллиантовое полукружие из алмазного фонда в виде половины колеса с крестом-навершием – не что иное, как изображение орудия пыток, которое было применено к святой Екатерине. Полукруг красных Рубинов на колесе символизирует кровь мученицы; девиз ордена был: «За любовь и отечество». Эти предметы по своему смыслу сильно разнятся с остальными беззаботными, роскошными украшениями, но в алмазном фонде не может быть по-другому: последние триста лет российской истории были очень бурными и трагичными, и сокровищница великих царей, которая перешла по наследству великому народу, стала ювелирной квинтэссенцией всех этих лет.

Когда на камнях воссияет вечность
Все началось, когда ангелы пали с небес. Один из самых главных — Азазель — научил слабых и беззащитных людей изготавливать оружие, обучил тактике и стратегии боя, а также обрабатывать драгоценные металлы и камни. Именно этот падший ангел привил любовь к прекрасному — тому, что так завораживает человеческий взгляд. По легенде демон Азазель был свержен ангелом Рафаилом и теперь ждет своего часа во мраке до Судного дня. Но дела его не остались бесследными: люди познали тайны камней, научились создавать удивительные образцы искусства резьбы по камню, в которых стали отражать историю человечества, свои мысли и чувства. Сегодня это искусство носит название «глиптика», а лучшие ее образцы хранятся в крупнейших музеях мира.

Из Древней Месопотамии к Древним Эллинам
Зарождение глиптики как искусства началось в Египте и Месопотамии. В этих древних государствах в основном были распространены так называемые инталии — изображения на камне с врезанным вглубь рельефом. Само украшение с резьбой стало носить название «гемма». Древние египтяне предпочитали носить перстни с выполненными из камня печатками в виде жука скарабея, к которому в Египте относились с особым почтением. Вырезалась печатка преимущественно из лазурита. Инталии стали известны в Месопотамии, начиная с 4-3 тысячелетий до нашей эры. В музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина можно ознакомиться с образцами гемм древних государств Двуречья — Аккады, Шумера и Вавилона, датированных 2-5 тысячами лет назад. Здесь можно увидеть тексты, фигурки животных и людей, вырезанные на валиках из яшмы, кварца или халцедона. Изготовление гемм в древние времена — дело кропотливое и длительное. Благодаря прочности и твердости минералов, неподвластные времени, они сумели дойти до наших лет сквозь тысячелетия в своем первозданном виде. В сюжетах гемм отражается вся жизнь античного мира, ее духовные и материальные стороны — политика, религия, театральные действия, литературные произведения, сюжеты извечных проблем отношений между людьми и прочее. Глиптика как искусство процветала не только в Греции, она затронула также острова Самос, Мелос, Хиос и Кипр, не остались без внимания и города западного побережья Малой Азии. Греку, живущему в эпоху архаизма, гемма-печать заменяла подпись, также ей опечатывалось имущество, амфоры, наполненные вином или кладовые с припасами. Резчик по камню пользовался особым почетом. Однако ему запрещалось, согласно закону Солона, являющегося афинским политиком и входящего в семерку «мудрецов древности», хранить копию ранее изготовленной печати. Наивысшая точка расцвета античной глиптики пришлась на эпоху классической Греции, 5-4 века до нашей эры. Совершенная законченность свободной композиции соединилась с точностью рисунка, красотой минералов и человечностью созданных образов. Кроме упомянутых ранее печатей, выполненных в виде жука-скарабея, овальная спинка которого отличалась особой гладкостью, встречались и псевдоскарабеи — на печати вырезалось рельефное изображение сирены, сатира или льва. Со временем геммы становились все крупнее, а композиции все лаконичнее — без орнамента, второстепенных фигур и архаического штрихового обрамления. В фаворе у мастеров того времени — оникс, горный хрусталь, яшма, аметист, сердолик и голубой сапфирин, отличающийся своей полупрозрачностью.

Изображения приобретают форму и объем
До начала 5 века до нашей эры в древнем мире были известны геммы всего лишь одного вида. Это были инталии, оттиск которых на воске или мягкой глине давал изображения зеркального вида. Эпоха эллинизма привнесла новое направление — вырезание из камня рельефных камей. Камея — это аналог барельефа — выпуклого изображения на камне или любом другом подходящем для обработки предмете. Особую трудность при создании камеи представляла необходимость мастеру учитывать зеркальность изображения. Родина камеи — Александрия Египетская, где ее появление зафиксировано в 4 веке до нашей эры. Происхождение слова «камея» трактуется по-разному: одни утверждают, что образовалось оно от персидского chumahäu, другие — от латинского camahatus, а третьи — от итальянского chama. Изначально вырезка камей велась только на многоцветных камнях — яшме и сардониксе. Позже в дело пошли изумруд, топаз, аквамарин и аметист. Переход к работе с многослойными минералами, позволяющими использовать более широкий спектр оттенков, возвел искусство на более высокий уровень. Считается, что впервые многослойный агат для вырезки камней был применен все в той же Александрии в 4-3 веках до нашей эры при дворе Птолемеев. В этом случае для фона использовался материал темного цвета, а после сверху накладывались контрастные, более светлые слои. Благодаря этому происходило рельефное выделение изображения, подобный эффект применялся и для чеканки монет. Большинство камей, изготовленных в Александрии, отличалось крупными размерами. Такие образцы не подходили для печати и амулетов. Они выступали в качестве царских даров для храмов или украшали пышные уборы правителей. У многих аристократов и владык Древнего мира имелась собственная дактилиотека — собранная коллекция резных минералов, являющаяся подтверждением богатства и престижа ее владельца. Один известный археолог 19 века назвал рельефные камеи, вырезанные на минералах, «живописью в камне». Вплоть до второй половины 4 века до нашей эры, перед восточными походами Александра Македонского, предпочтение отдавалось углубленной резьбе печатей, вырезка первых камей производилась на одноцветных минералах, таких как аметист, гиацинт, гранат. Определить заранее последовательность чередования каменных полихромных слоев было не под силу, мастер узнавал ее только в процессе работы. Угадать конечный результат или исправить что-либо не представлялось возможным. Вырезка крупных камей порой могла длиться несколько лет, а посему работа мастера была сродни подвигу. По словам археолога Э.Баблона изготовление некоторых больших образцов занимало такое же количество времени, как и строительство готического собора. Например, резчику 19 века А.Давиду потребовалось целых 15 лет для того, чтобы создать камею «Триумф Наполеона». Наивысший расцвет искусству вырезки камеи удалось пережить в эпоху ренессанса — в 17-18 веках, однако все же в качестве эталонов классического вкуса до сих пор берутся именно античные образцы. Итальянским мастерам удалось первыми приблизиться к античным камеям, именно Италия дала мощный толчок к развитию искусства вырезки камня в иных странах. Повсюду — в Англии, Германии, Австрии, Франции во второй половине 18 века были созданы национальные учебные центры глиптики.

На что стоит обратить внимание в музеях?
Камея Гонзага, выполненная неизвестным мастером 3 века из трехслойного агата — самая известная в мире. На ней нанесено парное изображение египетского царя Птолемея II с его супругой Арсинои II. Впервые об этой камее упоминается в каталоге собрания жены правителя итальянского города Мантуи Людовика Гонзага Изабеллы д’Эсте в 1542 году. Вплоть до 1630 года украшение находилось у герцогов Гонзага, после, побывав в многочисленных местах, в том числе и в сокровищнице Ватикана, в 1814 году была подарена Александру первому женой Наполеона Жозефиной Богарне. Камея с головой Зевса была завещана княгиней Е.И.Голицына Николаю первому. На самой крупной античной камее, датированной первым веком нашей эры, расположенной нынче в парижском «Кабинете медалей», изображено 20 персонажей на агате черно-белого цвета. У императрицы Екатерины второй также была своя коллекция античных камней. Наиболее значимыми экземплярами в ней были знаменитые во всей Европе камеи герцога Орлеанского. Среди них можно выделить «Афродиту с орлом» и «Жертву Приапу».

«Это был тот самый сундук, который стоит сейчас на столе перед вами. К резной ручке на крышке был привязан шелковым шнуром ключ. Мы открыли его, и в свете фонаря заблестели, заиграли драгоценные камни, о каких я читал в приключенческих книгах и мечтал мальчишкой… От их блеска можно было ослепнуть. Насытившись этим великолепным зрелищем, мы выложили драгоценности и стали считать их. Там было сто сорок три бриллианта чистой воды, и среди них знаменитый «Великий могол», по-моему, он именно так называется. Говорят, что это второй камень в мире по величине. Затем там было девяносто очень красивых изумрудов, сто семьдесят рубинов, правда, много мелких. Еще там было сорок карбункулов, двести десять сапфиров, шестьдесят один агат и несчетное количество бериллов, ониксов, кошачьего глаза, бирюзы, и еще много других камней, чьи названия я тогда не знал. Еще там был жемчуг – около трехсот превосходных жемчужин, двенадцать из них снизаны в четки». Так Джонатан Смолл описывает сокровища Агры в романе Артура Конан Дойля «Знак четырех». Действительно, великолепное зрелище, и оно становится просто сказочным, когда драгоценные камни под руками ювелиров образуют разноцветную мозаику, выстраиваются в ряды в ожерельях и сверкают каплями на тюрбанах.

Индия – одна из тех немногих стран, где ювелирное искусство получило самое широкое распространение и эзотерическое толкование, и достигло небывалых высот. Одной из причин можно назвать богатые запасы драгоценных камней в россыпях. Индийские копи овеяны легендами. Именно в Индии найдены самые большие алмазы в мире. В музеях Лондона и Парижа выставлены ювелирные изделия мастеров средневековой Индии; в России увидеть индийские сокровища можно в Эрмитаже, в Галерее драгоценностей, или в Кремле, на временной выставке, где собрано около двухсот пятидесяти драгоценных предметов. Эту коллекцию более пятидесяти лет собирали члены правящей семьи Кувейта аль-Сабах, покупая на аукционах мира, а затем передали в Национальный музей Кувейта; коллекция датируется XVI-XVIII веками. Это эпоха династии Великих Моголов, мусульманских правителей узбекского происхождения, так называемых тимуридов (потомков Тимура). И хоть при них и были созданы самые роскошные предметы сказочной красоты, однако они были бы невозможны без веков совершенствования мастерства: ювелирное дело было семейным и передавалось по наследству, так что будущие мастера уже в детстве постигали азы ремесла. Ювелирные традиции сложились еще во времена индской (хараппской) цивилизации, которая вместе с древнеегипетской и шумерской является древнейшей цивилизацией человечества. Два древних города этой культуры в долине Инда – Хараппа и Мохенджо-Даро – находятся в современном Пакистане; они были обитаемы около трех тысяч лет назад. В Мохенджо-Даро, Хараппе, а также в древних городах Калибангане, Лотале, Ропаре были найдены богатые золотые, серебряные, бронзовые, медные украшения с сердоликом, агатом, яшмой, нефритом, лазуритом, бирюзой, из черепаховых панцирей, фаянса, слоновой кости, составляющие целые наборы из ожерелий, многорядных монист, серег, браслетов, колец, брошей. Большие наборы украшений и впоследствии останутся характерной чертой ювелирного искусства Индии.

Украшения в Древней Индии носили все: женщины, мужчины и дети. Женщины носили ожерелья, серьги, браслеты на руках и ногах (паял), кольца, пышно украшали прически. Для причесок использовались заколки, гребни, обручи, кольца, нити бус из драгоценных и полудрагоценных камней, особенно из жемчуга. Легко узнаваемое индийское головное украшение тикка – это жемчужные нити или цепочки, украшенные камнями, закрывающие пробор, с подвеской, свисающей на лоб (бинди). Замужние женщины носили на груди цепочку с подвеской. Кроме того, в ходу были украшения для бедер и талии; пояса; до сих пор имеет широкое распространение пирсинг: молодые женщины носят колечко или маленький драгоценный камень в левой ноздре. Мужчины тоже носили и ожерелья, и браслеты. Мужские браслеты на предплечье состояли из нескольких, чаще трех, рядов драгоценных камней в оправах, скрепленных подвижно между собой; главным элементом был круглый щиток, также украшенный алмазами, рубинами и изумрудами. На тюрбан спереди прикалывали перья райских птиц специальной брошью под названием сарпеч. Это тюрбанное украшение чаще всего выполнялось в форме стилизованного пера. Чем богаче был человек, тем больше он носил украшений. Представители касты воинов носили гладкие кольца для стрельбы из лука, надеваемые на большой палец. Такое кольцо имело сильно вытянутый широкий щиток треугольной формы, приподнятый над пальцем под углом; за этот треугольник при стрельбе из лука цеплялась тетива. Кольца лучников украшались эмалью, а также были и парадными, богато украшенными драгоценными камнями. Воины не только носили украшения, их оружие само по себе служило украшением: ножны кинжалов и сабли богато инкрустировались шлифованными драгоценными камнями.

После прихода мусульман в XVI веке в украшениях исчезают изображения людей; остаются только растительные мотивы, изображения животных и птиц. Главная особенность изделий этого времени – предметы украшались не только с лицевой стороны, например, широкое ожерелье из алмазов с изумрудными каплевидными подвесками покрывалось сложными красно-зелеными растительными эмалевыми узорами с обратной стороны. Это касалось и больших плоских серег в форме капли или круга, и браслетов, как полых, круглых в сечении, так и плоских.

Драгоценные украшения, оружие, кувшины, чаши, подносы, тарелки, флакончики для ароматных масел, шкатулки, коробочки для бетеля (жевательной смеси из трав) свидетельствуют о многообразии ювелирных техник индийских мастеров. Особо красив стиль кундан – индийская технология закрепки отшлифованных камней почти вплотную друг к другу, без креплений и оправ в привычном понимании этого слова. В изделиях кундан применялось золото высокой пробы, так как оно обладает способностью к созданию молекулярных связей с другими веществами. Таким образом, достигалось наилучшее сцепление камней с основой, что обеспечивает прекрасную сохранность изделий даже сейчас, спустя века. рубины, шпинели, изумруды и алмазы выкладывались в виде узоров или изображений птиц и животных на лицевой стороне изделия, а обратная расписывалась эмалью. Все это в целом создает ощущение сказочного, прямо-таки мифического богатства и красоты.

Искусство эмали – менакари – достигло высочайшего уровня развития; существовало даже разделение на мастеров-художников, граверов и собственно эмальеров. Художник рисовал, гравер наносил, а эмальер раскрашивал рисунок, накладывая эмаль. Эмаль известна была в Индии давно, но только при мусульманах получила такое широкое распространение. До сих пор эмаль на старинных украшениях сохранилась в первозданном виде, отчасти потому, что она никогда не вступала в контакт с кожей: ожерелья при носке укладывались на полосы бархата.

Индийские ювелиры обладали и техникой резьбы по камню, причем по очень твердым видам драгоценных камней; известны изображения на изумрудах, знаменитые царские геммы – списки имен правителей. В собрании аль-Сабах есть изумруд, вырезанный в форме цветка. Сложные цветочные мотивы – популярнейший вид декора индийских ювелирных изделий. Иначе не могло быть в стране, где пышная и щедрая природа окружала мастеров-ювелиров, подавая своими разнообразными формами и расцветками идеи для воплощения в металле и камне. Изображения цветов разных растений приобрели символический смысл; цветущее растение, например, это символ удачи и процветания; цветок жасмина – символ плодородия.

Из животных мотивов самым любимым была змея, символизирующая бесконечность, вечный цикл времен, а также храбрость, быстроту и неистовую мощь. Индусы изображали павлинов и павлиньи перья на поясах, серьгах и ожерельях; эта птица являлась символом красоты, любви и бессмертия. Подвески к серьгам и ожерельям часто делались в виде рыб – символа изобилия, инкарнации бога Вишну. Львы олицетворяют силу, храбрость и независимость, а слоны – спокойствие. Индусские украшения до прихода мусульман изображали богов и богинь, сцены из древних священных писаний, древние индийские символы трезубца, змеи, лотоса, гопурама (врат южно-индийского храма); позже появились мотивы луны и полумесяца, особенно в серьгах и украшениях для головы тикка. Изделия в древнейших традициях в это время можно было найти разве что на юге Индии и в местах паломничества, например, в Бенаресе, славившемся своими кустарями. В «Знаке четырех» Конан Дойля индийский сундучок с наследством мисс Морстон был изготовлен именно в Бенаресе. В наше время этот священный для всех индусов город называется Варанаси; это и по сей день средоточие искусства, духовности и мудрости Индии.

Ювелиры Древней Индии владели таким редким знанием, как соответствие камней и планет. Изделия с девятью видами камней, каждый из которых соответствовал своей планете, назывались наваратна. Считалось, что камень берет от своей планеты силу и покровительство, а сочетание таких самоцветов приносит владельцу ювелирного изделия здоровье, успех в делах и гармонию внутреннего мира. Именно Индия является родиной литотерапии – науки лечения болезней минералами. Для нужного воздействия на организм человека подбиралось определенное сочетание камней и металлов. Важно было и то, какого цвета камни и металл. Украшения носились на особых местах, осознаваемых как энергетические точки (чакры). Для активации чакры третьего глаза носили украшения на проборе с подвеской и украшение для лба – бинди. Ожерелья – мала – влияли на разные чакры: короткое, охватывающее шею – на чакру щитовидной железы, длинное – на чакру сердца, любви.

Представляя себе, как выглядит женщина в индийских украшениях, мы чаще всего вспоминаем индийские фильмы или танцовщиц беллидэнс – танца живота. Однако так, как танцовщицы, украшения носили не все. Дело в том, что это так называемые храмовые украшения, которые приносились в качестве подношения божествам храмов. Они изготавливались по строгим канонам, и носить их могли только женщины королевской семьи и священные храмовые танцовщицы девадаси, с детства жившие при храмах и считавшиеся женами бога. В изготовлении украшений для храмов деятельное участие принимали индийские королевы и принцессы, некоторым из них даже удалось создать собственный стиль, ввести новые прически и украшения, например, принцесса Кундави (IX век) ввела ставшее популярным ожерелье манго-мала в виде цветка манго. Храмовым украшением считается и знаменитый индийский браслет, соединенный цепочками с пятью кольцами, надеваемыми на пальцы; круглые плоские броши-ракуди – украшение прически; некоторые виды браслетов на предплечье и т.д. В наши дни эти изделия могут носить все желающие.

На изображениях индийских богов и богинь можно увидеть самые разные украшения. Лакшми изображается в золотом головном уборе в виде короны, напоминающей формой индуистский храм; в ушах у нее серьги-колокольчики – джумка; на шее два ожерелья: одно длинное, с традиционными изумрудами и рубинами и большой подвеской в форме соцветия манго, другое короткое, плотно охватывающее шею. На плече и запястье браслеты, на талии – драгоценный пояс. Примерно так выглядели украшения танцовщиц девадаси, которых в Европе стали называть баядерами или баядерками.

Особняком от самоцветного великолепия стоят серебряные филигранные изделия, воздушные, созданные из тончайших серебряных нитей, сверкающие, как иней. Это мастерство развилось в Центральной Индии, в Декане, и в португальской колонии Гоа, в конце XVII века. Мастерские по производству серебряной филиграни в традиционной технике в отдельных местах существуют до сих пор; в те же времена предметы из филиграни вывозились в Европу в большом количестве. В Эрмитаже хранится коллекция таких изделий. Среди них сундучок с орнаментом в виде цветов с восемью лепестками и побегов в форме спирали. На лицевой стороне сундучка есть замочная скважина с накладной петлей и замком, с ключиком на цепочке. В сундучках хранили церковные драгоценности или ключи. Две воздушные парные вазы имеют крышки с ручкой в виде цветка ириса и серебряным шнуром. Европейцы хранили в таких вазах душистые травы. Интересно, что в Китае производились подобные предметы и с похожими орнаментами, но у индийских в ажурном рисунке есть сквозные промежутки, а также применяется эмаль, драгоценные камни, серебряные шарики, припаянные сверху на узор. Сохранилось описание ювелирной выставки во Франции, проходившей в 1886 году, и в частности, индийской филиграни: «Даже такому тонкому и чуткому инструменту как рука индуса, не достает аккуратности при изготовлении индийской воздушной филиграни, и с этой паутиной из проволоки работают лишь дети».

 стали легендой, но к этой легенде все еще можно прикоснуться через столетия, через пространство; снова и снова они ослепляют людей своим блеском, завораживают историей. Для ювелиров не было особой разницы, что они делают: кинжал для махараджи или стрекало для его погонщика слонов – все изготавливалось из драгоценных материалов. Поэтому сокровища индийских махараджей, выставленные в Кремле, уникальны; они бесценны, но имеют стоимость – двести миллионов долларов. Сказочная сумма.

От ларца до табакерки: хранилище сокровищ

Шкатулки, табакерки, ларцы и ларчики – все милые коробочки, в которых так приятно хранить не только разные мелочи, но и драгоценности, оказывается, имеют глубокие исторические и символические корни. А историй и легенд о них – великое множество.

Если разбираться в определениях, «ларец – это дорогой, изукрашенный ящик для хранения разных вещей, главным образом драгоценностей», а «шкатулка – небольшой ящик для мелких, обычно ценных вещей» (словарь Ушакова). Шкатулка, таким образом, меньшего размера и хранятся в ней, соответственно, более мелкие предметы. Но и то, и другое может содержать в себе драгоценности. Шкатулка – это производное от шкатула (szkatula), слова, заимствованного из польского языка. А уже в польский язык шкатула попала из латыни (scatula – коробка). Золотые коробочки использовались в древнегреческих Микенах в XVI веке до н.э., и даже еще раньше – в Древнем Египте. Там существовало великое множество разных коробочек и шкатулочек для притираний, ароматических масел, благовоний, косметики, золотых пеналов для письменных принадлежностей (были даже ученические пеналы юных фараонов, совсем как в современных школах), шкатулок для драгоценностей и ритуальных предметов. Особо много их было в царских захоронениях, например, фараона Тутанхамона – ведь нужно было куда-то складывать всю драгоценную утварь, которая понадобится в загробном мире. В захоронениях сарматских цариц первого века до нашей эры, найденных в Крыму, были обнаружены китайские лаковые шкатулочки, в которых женщины хранили флакончики с ароматными маслами, притираниями, туалетные ложечки из золота и серебра – своего рода аппликаторы для косметики, щипчики для корректировки бровей, бронзовые зеркала, украшения, футлярчики с иголками, застежки для одежды. Словом, все то же самое, что и сейчас.

Как и современные женщины, драгоценности хранила в своем ларце польская принцесса Ядвига Ягеллонка из династии Ягеллонов, дочь Сигизмунда I. Этот чудесный серебряный позолоченный ларец работы нюрнбергских мастеров был сделан в XVI веке, в эпоху Возрождения. Вся его поверхность усыпана алмазами, рубинами, сапфирами, изумрудами, жемчугом и другими камнями, а размеров ларец приличных: около полуметра в длину и примерно тридцати сантиметров в высоту. Крышка, как у классических ларцов, четырехскатная, украшена розетками и крестами из разноцветных камней да маленькими камеями. На самом верху – фигурки двух ангелочков, тянущих в противоположные стороны две ветви одного дерева, с которых свисают гроздья галтованных сапфиров и рубинов с жемчужинами. Ножки ларца – в виде геральдических животных. Это сокровище было частью приданого принцессы Ядвиги, которое по наследству досталось Софии Шарлотте Вольфенбюттельской, жене царевича Алексея Петровича, сына Петра I. Так ларец попал в петербургский Эрмитаж.

Ценности, которые обычно люди столько веков хранят в ларцах и шкатулках, придали им загадочный и магический ореол. Шкатулки становятся героями преданий, сказок, повестей и романов. Самая известная и самая любимая русская шкатулка – это, несомненно, малахитовая шкатулка из уральских сказов Бажова. Павел Петрович Бажов, который ее придумал, считал малахит камнем, в котором «радость земли собрана», поэтому он выбрал его главным героем своих сказов. А малахитовая шкатулка стала собирательным образом, символом вместилища драгоценных женских уборов, по-настоящему прекрасных, волшебных, в которых любая женщина становится красавицей. Сказочные ларцы у разных народов содержат магические предметы или, на худой конец, сокровища, то есть все весьма ценное и красивое. Но есть и древнегреческий миф о Пандоре и ее ларце. Прекрасную Пандору создали боги; каждый вложил в нее частичку своих достоинств, а Зевс дал ей в приданое ларец, наказав не открывать его. Пандора стала женой брата Прометея, и уже на земле из любопытства открыла ларец, а оттуда вылетели на свободу заключенные в нем Зевсом горести, несчастья, болезни и прочие страшные беды. Так Зевс отомстил Прометею за то, что тот с помощью огня сделал жизнь людей слишком легкой.

Такое двойственное отношение к ларцу, который может содержать и большую ценность, и опасные предметы, таится в восприятии его как символа женского начала, к которому отношение одновременно и почтительное, и отрицательное. Ларец с зерном был атрибутом Деметры (ее имя переводится как «мать зерна»); по Библии Ковчег Завета, который впервые Моисей установил в первом святилище Бога, является именно ларцом. Над ним проявляется женская ипостась Яхве – Шехина. А кто не помнит «яйцо в утке, утка – в зайце, заяц – в ларце»? Именно в ларце находится смерть Кащея в русских сказках, а вернее будет сказать, что в ларце – его жизнь! – вот как относились люди к простым, вроде бы, коробочкам.
Ковчег Завета
О Ковчеге завета стоит упомянуть отдельно. Это тот самый большой ларец с золотыми ангелами на крышке, который искал незабвенный Индиана Джонс. Ковчег – реально существовавшая реликвия, в которой, по Библии, хранились каменные скрижали завета с десятью заповедями. Завет – это некий договор, союз Бога с человеком. По сохранившимся описаниям, Ковчег был изготовлен из древесины акации и был обит изнутри и снаружи золотыми пластинами; его размеры – 2,5 локтя в длину и по 1,5 локтя в ширину и высоту (приблизительно 125×75×75 см). На его крышке установлены были два ангела лицом друг к другу с крыльями, соединяющимися над центром ларца. Именно в этой точке ипостась Бога должна была являться и говорить с Моисеем. По одной из версий в Талмуде, Ковчег состоял из трёх ларцов: внутренний – из золота, помещался внутри другого, деревянного ларца, который уже находился во внешнем ларце с крышкой и кольцами внизу со вставленными в них обитыми золотом шестами для переноски. Ковчег Завета символизирует присутствие Бога между людьми и потому является прообразом храма – священного места. Он обладает магическими свойствами, например, сам несет несущих его людей, а также не имеет измерений, то есть не занимает физического места на земле. Ковчег много путешествовал вместе с еврейским народом, пока во времена Соломона не был построен первый иерусалимский Храм (в 950 году до н.э.). Перед разрушением Храма Навуходоносором в 586 году до н. э. Ковчег исчез. Дальнейшая его судьба неизвестна, возникло великое множество легенд и пророчеств о Ковчеге, и до сих пор ведутся споры о местонахождении священного ларца.
Христианские святыни-ларцы
Христиане хранят свои главные реликвии в специальных емкостях — мощевиках. Реликвиями могут быть как мощи святых, так и части одежды, гроба и т.д. Если мощевик представляет собой ящик или ларец, он называется ковчегом или ковчежцем. В московском Кремле хранится ковчег Дионисия, изготовленный греческими и русскими мастерами по заказу суздальского князя Дмитрия Константиновича для реликвий Страстей Христовых, привезенных в 1383 году архиепископом Дионисием Суздальским из Константинополя. Ковчег представляет собой квадрат, каждая сторона которого продолжена полукружиями; вся композиция образует равноконечный крест. Ковчег позолочен и украшен драгоценными камнями, перламутром, слюдой. Он был одной из главнейших родовых святынь московских князей и в завещаниях всегда возглавлял список святынь, которые передавались по наследству.

В Кельнском соборе, самом большом в Германии, с XIII века хранится золотой ларец Трех святых королей. Останки трех святых волхвов, трех королей, что ходили поклониться новорожденному Христу, были привезены в Кельн в 1164 году и стали привлекать в город такое количество паломников, что было решено построить для них собор. Для мощей десять лет изготавливался саркофаг из серебра, золота и драгоценных камней, ларец Трех королей – одна из драгоценнейших святынь христиан.
Табакерка вместо любовного письма
Когда в середине XVI века известный дипломат Жан Нико дал Екатерине Медичи растертые в порошок листья табака, чтобы вылечить ее от мигрени, никто и не подозревал, что его употребление приобретет такие колоссальные масштабы. А ведь тогда за курение табака можно было попасть на костер инквизиции: как же, ведь из носа и рта идет дым! Но табак можно не только курить, его можно еще жевать и нюхать. Нюхательный табак хранили в специальных коробочках, которые носили с собой. Коробочки-табакерки сразу вошли в моду, тем более что табак считался полезным: им лечили простуду, головную и зубную боль, кожные и инфекционные заболевания. Чем богаче была украшена такая табакерка, тем выше был социальный статус ее владельца. Нюхали табак практически все: от императриц до матросов, как мужчины, так и женщины.

В России одним из первых для императорского двора стал делать драгоценные табакерки швейцарец Иеремия Позье, а несколько позже – Жан-Пьер Адор, сделавший на табакерках имя. Много табакерок в их исполнении было у Елизаветы I и Екатерины II – например, прямоугольная золотая табакерка Екатерины с крупными сапфирами и бриллиантами, выполненная Позье, или «медальная» круглая золотая табакерка мастера Адора с профилем Екатерины в образе богини Минервы. У М. И. Пыляева можно прочитать, что Екатерина II «очень любила нюхать табак, но никогда не носила с собой табакерки; последние, впрочем, у ней лежали на всех столах и окнах в ее кабинете. Привычка не носить с собой табакерки произошла у нее оттого, что Петр III не позволял ей нюхать табак». Для императрицы табакерка стала больше, чем просто коробочкой для табака, пусть даже и драгоценной. Когда она садилась после утреннего кофе за государственные дела, то ставила перед собой табакерку с изображением Петра I, мысленно спрашивая его: «Что бы он повелел, что бы запретил, что бы стал делать на моем месте?» Табакерка стала для Екатерины II амулетом; позже табакерки приобрели в российском обществе множество символических функций, например, служили императорской наградой за военные заслуги или даже в области искусства. Известно, что у поэта Г. Державина было две императорских табакерки. Самой ценной наградой считалась табакерка с портретами их величеств, далее шли коробочки с монаршими вензелями.

Когда были открыты уральские самоцветы, стали популярны «минералогические» табакерки, выполненные из различных драгоценных и поделочных камней. К каждому костюму полагалась своя табакерка: для бальной одежды, для поездок, для визитов и т.д., поэтому у великосветских модников обилие табакерок было признаком хорошего вкуса. Франты XVIII века носили табакерки из яшмы. Ни один уважающий себя ловелас не выходил из дома, не взяв с собой одну из табакерок, так как с их помощью велась любовная переписка, за что дамы называли свои табакерки «кибиточками любовной почты». В высшем свете даже шестнадцатилетние красавицы нюхали табак. Об этом есть строки у юного А. Пушкина, когда еще мода на нюханье табака не прошла:

Возможно ль, милая Климена,
Какая странная во вкусе перемена!..
Ты любишь обонять не утренний цветок,
А вредную траву зелену,
Искусством превращенну
В пушистый порошок!

Табакерки своим декором могли сигнализировать о чувствах: роза – признание красоты, незабудка – обещание верности, тюльпан – брачное предложение. Изображение рыбной ловли на удочку означало флирт. Но если табакерку дарили (а не вручали в качестве награды), то это означало нежелание впредь видеть и общаться с тем, кому подарена табакерка. В России после дуэли Пушкина с Дантесом Николай I не принял французского дипломата барона Геккерена, приемного отца Дантеса. Зато барону была прислана табакерка. Удивленному иностранцу пояснили: его более не задерживают в России. Говорят, маркизе де Помпадур однажды надоел любовник, явившийся на свидание. Маркиза не пожелала его принять и послала к нему слугу с табакеркой. На ней был изображен Амур, пораженный стрелой (символ умершей любви), и надпись: «Достаточно».

Страстным коллекционером табакерок был прусский король Фридрих Великий. Ему в наследство досталось шестьсот коробочек, а после него осталось уже полторы тысячи. Наследники частенько дарили их царственным гостям. Так в Эрмитаж попала табакерка из красивого полосатого розового агата неизвестного мастера XVIII века, обрамленная венками из рубинов и бриллиантов с нефритом. А когда мода на нюханье табака прошла, табакерки стали просто коробочками для хранения мелочей и почти до конца XIX века считались приличным подарком солидному человеку. Некоторые из них были даже с музыкой, как у Владимира Одоевского в его «Городке в табакерке»: «Наконец Миша уверился, что музыка точно играла в табакерке... Какая прекрасная табакерка! пёстренькая, из черепахи. А что на крышке-то! Ворота, башенки, домик, другой, третий, четвёртый, – и счесть нельзя, и все мал мала меньше, и все золотые; а деревья-то также золотые, а листики на них серебряные; а за деревьями встаёт солнышко, и от него розовые лучи расходятся по всему небу».

Даже если у нас нет сокровищ и драгоценностей, то любая шкатулка – это символ обладания ими. С каким счастьем и благоговением мы залезали в мамину шкатулку! Неважно, что там лежало – это были настоящие сокровища. Любая табакерочка – это антураж и декоративный элемент интерьера; агатовая шкатулочка или ларец из яшмы создадут теплую ауру. Шкатулка по определению просто не может быть пустой, и в этом ее загадка. Если хочется миллион, нужно иметь тысячу. Если хочется драгоценных сокровищ, нужна шкатулка. А сокровища приложатся.

Долговечность ювелирных изделий поражает воображение. Время меняет многое, но кольца, браслеты, запонки, кулоны, серьги и бусы, диадемы и колье кажется будут присутствовать в жизни человека всегда.

Примечательно, что украшения - это самый важный источник информации о предшествовавших веках для историков. Древние перстни и браслеты могут говорить, и язык их прекрасен.

Вернемся мысленно в XII век. К этому времени русские мастера уже научились изготовлять золотые подвески с перегородчатой эмалью, а в технике чернения серебра им не было равных. Во введении к «Трактату о разных ремеслах» монах Теофил пишет «Если ты внимательно изучишь, то найдешь тогда…, что открыла Россия в тщательности эмалей и разнообразии черни». Именно благодаря ювелирам Руси эта техника стала известна в Европе. Так какие же украшения носили модницы тех времен? Отвечая на этот вопрос прежде всего стоит рассказать о височных кольцах как наиболее характерных украшениях русского народа. Этот предмет женского туалета был весьма распространен среди восточных славян. Как и следует из названия бронзовые, серебряные и золотые кольца крепились к головному убору или вплетались в волосы у висков. Существовало несколько различных типов колец. По тому, какой формы данное украшение можно было судить о принадлежности женщины к тому или иному племени. Например, северяне носили спиральные кольца, словене – ромбощитковые, радимичи – семилучевые и так далее. Причем следует отметить, что форма сама по себе также имела значение. Спираль – символ мудрости. Ромб – знак благоденствия, плодородия земли. Петушиный гребешок с семью выступами – знак Огня, силы небесной и земной. В зависимости от достатка в семье женщины носили от одного до нескольких колец.

Символы веры пронизывали весь быт человека и находили самое прекрасное выражение в ювелирных изделиях. Украшения представляли собой своеобразный язык знаков. По внешнему виду женщины можно было сказать откуда она родом, какой веры и насколько богата. Время шло, украшения менялись в зависимости от новых веяний моды и технологий изготовления. Однако тот древний язык присутствует в ювелирных изделиях и поныне, нужно только найти подходящий словарь.

У королей и фараонов драгоценные украшения символизировали могущество и власть. Украшения являлись показателем принадлежности мужчины к определенному сословию, народу. Кроме того, мужские украшения могли показывать достижения владельца.  В Древнем Египте пользовались популярностью мужские кольца и браслеты из золота, которые символизировали власть и знатное происхождение его обладателей. В Древнем Риме были распространены цепи для мужчин. А в аристократических домах средневековой Европы существовала мода на мужские серьги и серебряные браслеты.  В двадцатом веке начался настоящий бум на мужские ювелирные украшения. Немало поспособствовали этому голливудские актеры, которые, заключая мультимиллионные контракты с известнейшими ювелирными домами, демонстрировали всему миру ювелирные изделия для мужчин популярных брэндов. Да и яркие представители рэп-культуры не остались в стороне, возведя мужские цепочки и мужские браслеты в разряд культа.

В настоящее время самым распространенным мужским украшением является обручальное кольцо. Кроме обычных гладких колец, в последнее время широко распространены свадебные кольца, украшенные бриллиантом. Кольцо мужа часто тоньше, чем у жены и менее украшено драгоценными камнями. Как правило, мужчины предпочитают обручальные кольца классической формы, без лишних деталей. Мужчины могут носить не только обручальные кольца. Традиционным украшением для сильной половины человечества являются перстни и печатки. Правильно подобранные под личный стиль кольца для мужчин подчеркивают яркую индивидуальность и хороший вкус владельца. Для мужских колец ювелиры используют золото различных оттенков, серебро и платину, белые и черные бриллианты, цветную эмаль и драгоценные камни. Особой популярностью пользуется черный оникс, как один из камней, подчеркивающих стиль и мужественность представителей сильного пола.

Мужчинам, предпочитающим деловой стиль одежды, не обойтись без запонок. Запонки — застёжки, вдеваемые в петли манжет (рукавов) и воротника мужской рубашки. Запонки появились в Европе в начале XVII века. Изначально рукава подвязывались шнурками или лентами. Во времена правления французского короля Людовика XIV в моду входит использование пары одинаковых стеклянных пуговиц, соединенных между собой короткой цепочкой. К 1715 году это простое украшение сменяется на более изысканное, украшенное драгоценными камнями с золотой цепочкой. В то время запонки, весьма дорогие в производстве, являлись аксессуаром элитного класса и не были широко распространены среди масс. В 1924 году был изобретен новый механизм застежки. Компания Boyer начала использовать штырек, свободно вращающийся по всей длине внутри ножки. Эта система стала настолько популярной, что используется и по сей день в большинстве запонок. Запонки очень важный аксессуар, который подчеркивает завершенность образа делового мужчины.

Современная модная индустрия предлагает большой выбор мужских браслетов: из золота, серебра, со вставками из кожи и драгоценных камней. Браслеты появились в древности как украшение войнов, царей и жрецов. Древние мужи носили браслеты и на руках и на ногах, потому что браслеты являлись не только символом царской власти, но и магическими амулетами, защищавшими их владельца от злых духов и демонов. В настоящее время мужской браслет – необходимый аксессуар для создания современного модного имиджа. Мужские браслеты, как правило, выдержанны в строгом, лаконичном стиле. Правильно подобранные мужские браслеты свидетельствуют об отменном вкусе их обладателей.

Большой популярностью в современном мире пользуются мужские цепочки. На выбор покупателей представлен широкий ассортимент цепей с различным дизайном, плетением и размерами. Мужские цепочки из золота, как правило, символизируют статус владельца, тягу к роскоши и благополучию. Серебряные цепочки для мужчин демонстрируют силу, уверенность и безупречное чувство стиля.При этом серебряные мужские цепочки прекрасно подходят для всех возрастов. Мужские цепочки являются самодостаточным украшением, однако могут быть также украшены подвесками. Мужские кулоны и подвески бывают не менее интересными, чем женские. Кроме того, они могут многое рассказать о своем владельце, его интересах и увлечениях.

В ювелирных магазинах можно найти много других модных аксессуаров для мужчин: зажимы и заколки для галстуков, серьги, брелки, зажимы для денег, визитницы. Мужские ювелирные украшения позволяют представителям сильного пола выглядеть стильно и элегантно. Наличие аксессуаров свидетельствует о вкусе мужчины и его умение продумать свой образ до конца. При покупке ювелирного изделия для мужчины постарайтесь ознакомиться с как можно более широким ассортиментом украшений. Поход по магазинам за такого рода вещами может приносить удовольствие. Ювелирное украшение способно не только изменить имидж своего владельца, но и может стать семейной реликвией.

www.goldhit.ru

Татьяна ЗУЙКОВА, Александр ПИВОВАРОВ

Ампир - стиль империи (от фр. "empire") - завершающая фаза эволюции стиля классицизма в декоративно-прикладном искусстве начала ХIХ века. Основные источники творческого переосмысления и вдохновения - искусство архаики Древней Греции, искусство императорского Рима и Древнего Египта. В античности ампир черпал, с одной стороны, монументальность и лаконизм, а с другой - идею утверждения императорского величия посредством соответствующих атрибутов и символов. Введенный Наполеоном новый европейский порядок послужил основой конституций следующих конституционных монархий. В нем многие видели "нового человека", его сравнивали с императором Августом.

Став императором Франции в мае 1804 года, Наполеон реализовал свои амбиции и в области искусства. Он идеологизировал его, намеренно связав свои интересы с искусством древних империй - оно тоже должно было лечь в основу его новой империи. Хотя стиль ампир просуществовал совсем недолго, он стал прекрасным завершением классических традиций XVIII века и при этом выделился в самостоятельный период искусства благодаря своему большому социальному пафосу и формам. Вся история развития искусства в ХIХ веке делится на три части: в начале века - ампир, затем - период эстетических метаний и эклектических поисков (стиль историзма) и, наконец, - стиль модерн.

Ампир олицетворял мощь империи, поэтому он так легко и полно проявил себя именно во Франции и России, создавая в свое время имидж "великого" государя и нации через величественные и воинственные образы и аллегории.

К началу следующего столетия высокое ювелирное искусство последней четверти XVIII века в России было представлено строгим, рациональным, регламентированным стилем классицизма, основанным на античных образцах, которые предпочитала императрица Екатерина Великая. В 1782 году она издала указ об упрощении придворного туалета. Безусловно, этот указ повлиял и на стилистику ювелирных украшений. В России искусство классицизма (считавшегося в этот исторический период в Европе "неоклассицизмом") приобрело смысл гражданственности, что выразилось в увлечении античными образами и формами, архитектурными ордерами, мифологическими и орнаментальными мотивами. Античная образность отождествлялась с понятием хорошего вкуса. В то же время, легко войдя в искусство России как стиль, ампир приобрел узнаваемые особенности русской стилистики - опора на художественные идеи, образы и формы прошлого времени, естественно, подразумевала стилизаторство как метод русских мастеров.

Основные источники стиля ампир - наследие архаичной Греции, Древнего Египта и Рима времен империи. Именно в них так хорошо сочетается идея утверждения имперского величия с монументальностью и лаконизмом формы. Ампиру присущи особая воинственная семиотичность, атрибуты и символы (триумфальные арки, колонны, обелиски - в архитектурных деталях и декоре часто встречаются рельефы с военной темой и эмблемы; мебель, вазы, часы, орнаментика оказываются связаны с особой эмблематикой - доспехи, лавровые венки, ликторские связки, орлы и др.); сочетания темного дерева и накладного золоченого бронзового декора в духе египетских и римских древних украшений дают особый эффект.

После коронации в декабре 1804 года в распоряжении Наполеона и Жозефины оказались ювелирные украшения, сохранившиеся от предыдущих французских королей, большую часть их они отдали переделать в стиле неоклассицизма, обозначив таким образом свою связь с империями Греции и Рима и подчеркнув свой императорский статус. Корону для Наполеона изготовил ювелирный дом "Нито и сыновья" (Nitot et Fils), она представляла собой весьма необычную комбинацию из древних камей и инталий, вставленных в тонкую золотую оправу. Жозефина Богарне очень скоро стала великой законодательницей мод и главной покровительницей ювелирных домов - ювелирные украшения были ее самой большой слабостью, и она тратила на них все деньги, которые выделялись на ее годовое содержание. При разводе с Наполеоном она вынуждена была вернуть все украшения, принадлежавшие короне, однако оставила множество подарков и покупок, включая диадему, изготовленную для ее коронации, в которую были вставлены 1040 бриллиантов. К моменту ее смерти в 1814 году ее коллекция оценивалась примерно в два миллиона французских франков. В 1810 году Наполеон развелся с Жозефиной и женился на Мари-Луизе. Его новая жена тоже стала получать новые, заказанные уже для нее комплекты украшений, включавших алмазы, бриллианты, жемчуг, изумруды, рубины, сапфиры, опалы. По случаю рождения сына - короля Рима - в 1811 году он подарил ей бриллиантовое колье, которое хранится сейчас в коллекции Смитсоновского института в Вашингтоне.

Костюмы и платья того времени служили прекрасным фоном для цветных камней. Дизайны украшений этого периода не выглядят избыточными. Они сдержанно холодноваты, гирлянды лавровых листьев и ленты с древнегреческими орнаментами располагаются с геометрической точностью и равновесием. Художественные идеи заимствовались из античных архитектурных деталей. Комплекты украшений обычно состояли из ожерелья, пары браслетов, висячих серег, пряжки для пояса и четырех видов украшений для волос: гребня, тиары, диадемы и бандо. Украшения могли быть только бриллиантовыми, однако большие цветные драгоценные камни зачастую обрамлялись мелкими бриллиантами. В то время Бразилия оставалась главным поставщиком алмазов, а Амстердам - основным центром их огранки. Большей популярностью пользовались камни с бриллиантовой огранкой, меньшей - с огранкой "роза". Их закрепляли в серебро, часто на основе из золота, а цветные камни сажали в золото.

Эффекты, графика ампира, его линии и художественные формы легко читаются в ювелирных украшениях. Такова диадема императрицы Елизаветы Алексеевны (урожденной немецкой принцессы Луизы-Марии-Августы Баден-Баденской) - супруги российского императора Александра I.

Особенные камни, а тем более ценные, часто переживают своих владельцев. Как, например, крупный плоский нежно-розовый бриллиант в 13 карат, принадлежавший Павлу I. Он располагается в центре диадемы из 175 бриллиантов, 1200 роз чистой воды и серебра. Умелый подбор драгоценных камней создает волнообразный блеск сверкающих старой индийской гранью бриллиантов, повторяется в ряде подвижных панделоков, придавая четкость форме и стилевое изящество всей вещи. Перекличка моды ампир с модой Древней Греции придала этому украшению особую окраску. Древнегреческие диадемы становятся позднее символами царской власти; постепенно трансформируясь, они превращались в обручи и венцы.

В конце XVIII века модно было украшать цветными драгоценными камнями диадемы таким образом, чтобы по первым буквам их названий читалось имя или какое-то слово. Пестрота изделий снижала их художественную выразительность. Безупречность форм, линий, строгость графики силуэта, орнамент, выполненный только из бриллиантов и обладающий чистотой и ясностью рисунка - все это характерно для произведений стиля ампир. Диадема хранится в Алмазном фонде, как и Малая императорская корона, которая была возложена на голову Елизаветы Алексеевны во время коронации. Ее выполнили братья Дюваль в 1801 году. Эти ювелиры раньше переделали Большую корону, созданную Иеремией Позье для Екатерины Великой. Павел I, который не любил свою мать, обратился к ним с просьбой изменить корону. Она и специально выполненная Малая императорская короны сначала были созданы по случаю первой в истории совместной коронации - Павла I и его супруги Марии Федоровны. Общий вес Малой короны - 378 граммов. Удивительно, как удалось мастерам Дюваль придать коронационному предмету, предназначенному для особого случая, легкость и изящество женского украшения, будто сотканного из бриллиантового кружева. Эта корона начала ХIХ века из 48 крупных (от 2 до 9 карат) и 200 мелких бриллиантов чистой воды и серебра соответствовала художественным принципам нарождавшегося ампира. Как украшения, венчающие Жозефину (подаренные ей сестрой Наполеона, королевой Неаполя Каролиной Мюрат): диадема, брошь, серьги и гребень, созданные из золота в сочетании с резными камеями, так и "простой" женский гребень (работы российского мастера) из рога с золотом, эмалью и камеей - вещи выполнены согласно всем стилистическим законам стиля империи.

Начало века знаменуется широкой популярностью резных камей. Мелкая пластика в камне увлекла и французов, и русских. Наполеон выбрал камеи для украшения своей короны при коронации в 1804 году. Его интерес к камеям был столь велик, что на следующий год он основал французскую школу резьбы по камню. Для него эти камни олицетворяли связь с древними империями Греции и Рима. Другие члены его семьи тоже с удовольствием носили украшения с камеями в сочетании с бриллиантами или просто в золоте с эмалью. У Жозефины была тиара, вырезанная из большой раковины, покрытая мифологическими сценами, которую затем оправили в золото. Мари-Луиза получила комплект, включавший двадцать четыре древних камеи, заимствованных из коллекции французских королей. В 1805 году "Дамский Журнал" (Journal des Dames) писал по этому поводу, что камеи, старинные или современные, вырезанные из раковин, никогда раньше не были так модны: теперь "модные женщины носили камеи на поясах, камеи в ожерельях, камею в каждом браслете, камею в диадеме". Эту моду поддерживала сама Жозефина, у которой был большой выбор не только старинных поделок, но и современных камей, присланных ей из Италии сестрой Наполеона Каролиной Мюрат, чей муж в 1808 году стал королем Неаполя.

Лучшие ювелиры России создавали камеи, камеи привозились из-за границы. Они на какое-то время даже затмили бриллианты и самоцветы. Из камей создавали браслеты и комплекты украшений, камеи использовали для брошей, пряжек, ожерелий, колец, кулонов. Тонкая серебряная или золотая оправа играла лишь второстепенную роль, удерживая камень в нужном месте. Камеи прекрасно сочетались с бриллиантами и жемчугом. У высшей российской знати камеи стали чрезвычайно популярными, поскольку были символами любимой античности, которые можно носить при себе. Агатовая камея - голова Афины Паллады с оливковой ветвью на шлеме и головой медузы Горгоны на щите - украшена орнаментом из бриллиантов и алмазов в золоте и серебре. Предположительно, эта брошь была подарком княгине Марии Павловне (третьей дочери императора Павла I), преподнесенным в день ее бракосочетания с наследным принцем Карлом-Августом-Фридрихом Саксен-Веймар-Эйзенахским в 1804 году. Камея олицетворяла незаурядные качества новой владелицы, достойной внучки Екатерины Великой, для которой Минерва (Афина) была важной персоной. Мы знаем много портретов Екатерины в образе этой богини. А Марию Павловну считали "одной из лучших и выдающихся женщин своего времени". Она покровительствовала И.В.Гете, И.Ф.Шиллеру, И.Г.Гердеру, К.М.Виланду, Ф.Листу. Крупные бриллианты чистой воды - достойное обрамление достойного образа и типично ампирная стилистика всей броши в целом.

Украшения стали надевать в большом количестве. Дамы носили по кольцу почти на всех пальцах сразу, на руках у них красовалось множество разных браслетов. Прически украшали диадемами, золотыми обручами, венками из золотых, серебряных дубовых или лавровых листьев или колосьев. В начале ХIХ века интерес к античности выразился в увлечении полупрозрачными тканями. Платья шились так, чтобы фигура просвечивалась. Если у женщины полностью были видны ноги, это считалось признаком хорошего вкуса. К таким платьям надевали специальные ножные браслеты: один - на щиколотке, другой - выше колена. Столь же привычной частью туалета становится брошь.

В Британии к середине века очень популярными стали возрожденные и стилизованные ирландские кольцевые броши XVII-XVIII веков для шалей. Утверждение стиля ампир означало, в общем, перемену формы: в ювелирных украшениях появляются более сдержанная геометричность, строгость и некоторая холодность.

Главным украшением царских особо является, конечно же, корона. В коллекции Алмазного фонда кремля находится поистине шедевр ювелирного искусства - Большая императорская корона, созданная специально для Екатерины II по случаю ее восхождения на престол. В 1762 году придворный мастер Иеремия Позье представил перед будущей императрицей символ власти в виде двух полусфер, сотканных из металлического кружева с россыпью пяти тысяч бриллиантов, переливающихся вспышками света. Ажур представляет собой лавровые и дубовые ветви - символы прочной власти и славы. Раскрываются полусферы 75 жемчужинами, идеальными по цвету и размеру. Срединный венец украшает великолепная рубиновая шпинель весом почти 400 карат и бриллиантовым крестом.

Начало XX века ознаменовались падением монаршей власти в России, в результате чего пропали многие предметы искусства, в том числе и драгоценности. Тем не менее, до современников дошли описания великолепного жемчужного ожерелья, которое было преподнесено Александре Федоровне родителями Николая Романова в честь ее прибытия в Россию. 280 белоснежных крупных жемчужин-виноградин составляли общую длину почти два метра. В коллекции Алмазного фонда кремля находиться лишь застежка-фермуар из изумруда весом 250 карат и 54 обрамляющих белых бриллиантов в драгоценном кружеве. Известно, в 1967 году Оружейная палата в Московском Кремле устраивала выставку императорских драгоценностей, где было продемонстрировано жемчужное колье Александры Федоровны, но меньшее по длине. Предполагалось, что во время национализации большевиками имущества царской семьи, часть камней была удалена и распродана иностранным бизнесменам, как, впрочем, и большинство из императорских драгоценностей. Тем не менее, именно с 1967 года это колье больше никто не видел и ни в одной коллекции мира оно не значится.

По случаю торжеств коронованные особы всегда надевали мантию из меха горностая и золотого глазета. Для ее поддержания придворные ювелиры изготавливали специальные пряжки-аграфы. Одним из таких произведений является аграф мастера Позье в виде ажурного банта из серебряного кружева и бриллиантов. Длина застежки составляет 25 сантиметров. Композиция изделия выполнена в виде трех ветвей переплетающихся с миниатюрными цветами, что придает пряжке эффект воздушности и особый шарм. Первоначальным владельцем являлась императрица Елизавета Петровна, а впоследствии пряжка-аграф передавалась по-наследству вместе с мантией.

Не менее интересными предметами из драгоценностей цариц являются портбукеты и эгреты. Первые - прикреплялись с помощью булавки к корсажу платья или ленты, вторые - укреплялись особым образом в прическе. Общей темой являлась возможность помещать внутрь портбукетов и эгретов небольшие букетики живых цветов или разноцветные перья. В Алмазном фонде кремля сохранилось несколько таких экспонатов конца XVIII века, выполненных из золота и серебра, инкрустированные бриллиантами, сапфирами и элементами цветной эмали.

В XVIII веке в России был распространен запрет на курение в публичных местах, поэтому особую популярность имел нюхательный табак. Исключением не стала и императрица Екатерина II, которая с удовольствием нюхала табак и коллекционировала специальные шкатулочки для его хранения - табакерки. Например, в Эрмитаже хранятся несколько подобных изделий мастеров Иеремия Позье и Жан Пьер Адора. Это золотая прямоугольная табакерка, инкрустированная бриллиантами и сапфирами, а также шкатулка с вмонтированными в крышку и дно специальными оттисками медалей. На последних изображена сама Екатерина II в образе Минервы, богини мудрости и справедливой войны, с доспехами и в шлеме. Таких медальонов было изготовлено всего тринадцать ювелиром И.Г. Вехтером в качестве награды участникам переворота во дворце для того, чтобы Екатерина смогла взойти на престол.

Мастер Иоганн Готлиб Шарф изготовил табакерку, на крышке которой красовалась любимая императрицей собачка Лизетта, а точнее медальон с красочной эмалью с изображением левретки. На другой овальной табакерке из золота с гильошированным узором размещался медальон с ульем и пчелами над розовым кустом. Эту цветовую композицию прекрасно оттеняла синяя эмаль, которой была покрыта шкатулка, а также надпись золотом «Полезное». Словом «полезное» украшались многие предметы роскоши Екатерины II, так как оно было своеобразным девизом императрицы.

Всего за 1920 - 1930 годы из хранилищ Алмазного фонда большевиками было распродано 569 предметов из драгоценностей русских цариц, осталось всего 114 - коронационные регалии, алмаз «Шах» и еще несколько уникальных камней, и украшения конца XVIII - начала XIX веков. Так, например, в 1927 году некий Норманн Вейс, бизнесмен из Америки, заплатил всего 50 тысяч фунтов стерлингов за 9,6 килограмма драгоценностей императорского двора, причем покупал оптом, без должной оценки. И в том же 1927 году выставил их на продажу в аукционном доме Christie"s, где было распродано 124 лота. Среди них числились венчальная императорская корона, бриллиантовые и рубиновые броши-банты эпохи Екатерины II, и многое другое.

Драгоценности русских цариц, хранящиеся в музеях и частных мировых коллекциях - это лишь толика всего, что исполняли придворные ювелиры. Тем не менее, даже малая их часть приводит в восторг и без слов уверяет в том, что это настоящие предметы роскоши, достойные лишь королевских особ.

Елена Пондина

Мир драгоценных камней издревле был окутан самыми фантастическими суевериями. Этим камням приписывались удивительнейшие свойства. Считалось, например, что присутствие сапфира убивает змей, гелиотроп делает человека невидимым, а аметист, спрятанный под языком, предохраняет от опьянения. Более того, в старинных книгах можно найти упоминания о камнях, которые лаяли при приближении вора, и о камнях, которые отличали верную жену от неверной.

Писатель и ученый Древнего Рима Плиний Старший (23-79 годы н. э.) в своей “Естественной истории” описывает кристалл агата, в котором иногда вдруг становились видны Аполлон и девять муз. Причем были они “не искусством выделанные, но пятна сами собою от природы так расходились, что даже представляли отличающие знаки, каждой музе свойственные”.

О символическом значении и свойствах драгоценных камней написано в древних лапидариях - книгах о камнях. Эти книги - самые первые в истории человечества труды по минералогии - очень наивны, построены на самых примитивных представлениях и суевериях. Но уже даже в них встречаются первые крупицы научного мировоззрения.

В некоторых древних представлениях сказалась народная наблюдательность, проявились чутье и предвидение. Например, алмаз у древних был символом твердости и храбрости, бесстрашия, победы над болью и недугом. В наше время всем известно замечательное свойство алмаза обрабатывать самые твердые металлы.

Кварц издавна считался тайником волшебной энергии. Теперь мы знаем, что кварц обладает свойством создавать электрическое напряжение при воздействии на него механических сил. Это свойство используется во всех электропроигрывателях, где кристалл преобразует механические колебания иглы в электрическое напряжение. Тут же можно вспомнить янтарные изоляторы, рубиновые лазеры.

Так же, как древняя астрология стимулировала занятия астрономией, а алхимия предшествовала научной химии, лапидарии таили в себе зачатки минералогии.

В разные эпохи и у разных народов были свои любимые камни.

Еще за несколько тысячелетий до нашей эры в священных индийских книгах “Ведах” упоминались многие драгоценные камни, особенно красно-вишневой гаммы. По преданию, то были капли крови борющихся в небе богов. Капли падали в раскаленный песок Ганга, превращаясь в рубины и гранаты. Другая легенда говорит о том, что драгоценные камни - это капли амриты, божественной жидкости, дававшей бессмертие. Боги позволяли, чтобы амрита доставалась людям только в твердом состоянии, когда она уже утратила свою волшебную силу.

Индийская мифология украшена россыпями драгоценных камней. Она повествует об обители бога Кришны - неземном городе Деварке с двориками из рубина, столами из изумруда, крышами из жемчуга и дорожками, усыпанными сапфирами. Но и на земле в полуосвещенных индийских храмах таинственным светом мерцали рубины, гранаты, алмазы. Наш знаменитый алмаз “Орлов” весом 195 каратов когда-то сиял в глазнице идола в брахманском храме.

Все крупнейшие алмазы древности происходят из Индии. Там же возникла легенда об оригинальном способе добычи этих драгоценных камней. Эта легенда была рассказана в 77-ой сказке “1001 ночи”. В глубокую пропасть, усыпанную алмазами и кишащую змеями, бросали закланную жертву. Хищные птицы кидались на добычу и поднимали ее на вершину гор, по пути они роняли самоцветы, прилипшие к мясу. Легенда, вероятно, связана с древнеиндийским обычаем при открытии новых копей приносить в жертву злым духам тушу животного.

Если в Индии особо почитались драгоценные камни красных тонов, то в другой великой стране древности - Египте - ценились спокойные зеленые и синие тона. Египтянам они казались воплощением идей вечности, постоянства и незыблемого покоя.

А может быть, это объясняется тем, что в копях Египта преобладали минералы именно этих цветов. Археологи обнаружили здесь древние разработки прекрасного изумруда и зеленого хризолита.

Драгоценнейшие реликвии древнеегипетской культуры, найденные в гробнице Тутанхамона, украшены преимущественно бирюзой и ляпис-лазурью. Распростертые крылья священного жука-скарабея на нагрудной подвеске Тутанхамона выполнены техникой перегородчатой эмали из голубой пасты на золотой основе. Сам жук вырезан из полудрагоценного зеленого камня.

Удивительно то место, которое занимает золотисто-зеленый жук-навозник в представлениях древних египтян. Эти жуки, распространенные во многих странах мира, везде имеют черную окраску, и лишь в Египте и Нубии водятся скарабеи зеленого цвета.

Скарабей у древних египтян был символом второго рождения, воскрешения и вечной жизни духа. Они называли его “хепру”, что значило “быть, существовать”.

В Ассирии и Вавилоне были широко распространены печати-цилиндры из драгоценных и полудрагоценных камней. Их оттиск ставили вместо подписи на глиняных дощечках, которые заменяли бумагу. Почти каждый вавилонянин имел свою печать. На печатях изображались боги, различные сцены и битвы. Интересно, что на печатях медика, кроме имени, фигурировали скальпель и ланцет. На свадебные контракты ставили две печати - с двух сторон. О погашении долгов свидетельствовал знак кредитора. Особо знатные и состоятельные люди имели по несколько цилиндров из лазурита, агата, яшмы и носили их как ожерелья.

В жизни ассирийцев и вавилонян чрезвычайно большое место занимала астрология. Именно от них идет традиция связывать с каждым знаком Зодиака определенный драгоценный камень. Считалось, что такой камень покровительствует человеку, родившемуся под этим знаком.

В Древней Греции не было всерьез мистического поклонения камню, поклонялись его красоте. Эллинская эпоха подарила миру непревзойденные образцы глиптики, резьбы на драгоценных камнях, знаменитые камеи. Родиной камей была Александрия, где при дворе первых Птолемеев (VI век до нашей эры) развилась эта область глиптики. Здесь была сделана всемирно известная камея Гонзаго, хранящаяся в Государственном Эрмитаже. Рельеф вырезан из великолепного куска трехслойного сардоникса. Причем полихромность камня позволила художнику добиться не только скульптурного, но и живописного эффекта.

Камеи были главным образом принадлежностью женских уборов. Их вставляли в броши, медальоны, перстни, нанизывали в ожерелье.

Из трех древнейших назначений драгоценных камней: амулет, печать, украшение - украшение становится преобладающим. Впрочем, и печати в Древней Греции были распространены весьма широко.

На печатях греки любили изображать богов. При этом изображение “государственных” богов (Зевса, Аполлона или Деметры) встречается довольно редко. Гораздо чаще вырезали изображение богов, близких простому человеку, которым они отдавали себя под покровительство (Афродита, Эрот, Ника и Гермес).

Существовала целая система предписаний, что именно надо изображать на каждом из камней для усиления его мнимых свойств.

Аметист по-гречески означает непьяный. Он назван так, по-видимому, из-за его лилово-фиолетового цвета, сильно разбавленное красное вино, от которого уже нельзя опьянеть. На аметисте предписывалось вырезать знак луны или солнца. Считалось, что тогда камень будет наделен способностью предохранять не только от опьянения, но и от отравления.

Римские ученые, хорошо разбиравшиеся в геометрии и механике, имели весьма смутное представление о химии и минералогии. Они считали, что драгоценные камни растут в земле, подобно деревьям. Поэтому камни могут быть более или менее спелыми. Слабо окрашенный рубин, например, считался недозрелым, характерно, что по-латыни “гемма” одновременно значит драгоценный камень и почка.

Последние века Римской империи - падение языческой религии и расцвет суеверий. Техника глиптики падает.

Подбираются материалы, которые легче поддаются обработке. Широкое распространение получают бытовые амулеты. Любопытным примером “медицинского” амулета может служить сардоникс из собрания Государственного Эрмитажа. На нем грубо вырезана фигура летящего Персея с головой Медузы в одной руке и с мечом в другой. На оборотной стороне камня небрежно вырезана надпись по-гречески: “Беги, подагра, Персей тебя преследует”.

С падением Римской империи искусство шлифования, огранки и резьбы на драгоценных камнях приходит в окончательный упадок. В Западной Европе не стало своих мастеров. Драгоценные камни и ювелирные изделия привозили из Византии.

В эпоху средневековья особенно распространенными были легенды о врачующих и охранительных свойствах драгоценных камней. Английский король Иоанн Безземельный, вечно боявшийся, что его отравят, постоянно носил бирюзу, которая, по поверьям того времени, обнаруживает яды. (Шотландская королева Мария Стюарт с этой целью носила алмаз ).

Считалось, что рубин останавливает кровотечение, яшма излечивает от лихорадки и эпилептических припадков, алмаз помогает женщинам при родах, а изумруд обладает способностью предсказывать будущее и просветлять ум того, кто его носит. (Еще император Нерон, разглядывая зеленый кристалл, пытался предугадать свое будущее). Когда конквистадоры Писсаро захватили Южную Америку, они обнаружили в храме инков много изумрудов, которые стали предметом их особого вожделения. Однако никакие пытки не заставили индейцев выдать местонахождение изумрудных копей. Как это ни чудно, но в эпоху великих географических открытий считалось, что топаз усмиряет морские бури. Великий скульптор и ювелир эпохи Возрождения Бенвенуто Челлини выше всех камней ставил рубин, считая его талисманом, другие считали таким камнем берилл.

В XVII и XVIII веках во Франции и в Англии были в моде любовные амулеты, украшенные гирляндами драгоценных и полудрагоценных камней. Первые буквы названий этих камней составляли своеобразный акростих: “Люби меня, Дора”.

Некоторые камни, несмотря на внешнюю привлекательность, пользовались дурной репутацией.

Опал, например, долгое время считался камнем, приносящим несчастье. Лишь в XIX веке он вновь получил распространение. Этому немало способствовала английская королева Виктория, которая сама носила опал, создавая рекламу своим копям в Австралии. Австралия и поныне считается крупнейшим поставщиком опала.

По-видимому, нет смысла дольше пересказывать различные суеверия, пронизывающие символический язык драгоценных камней. Характер их ясен: “Тот, кто носит на пальце бирюзу (бирюза по-персидски означает счастье), никогда не имеет недостатка в деньгах”, “Сапфир предохраняет его обладателя от зависти, привлекает божественные милости и симпатии окружающих” и т. д., и т. п. Гораздо интереснее вспомнить поэтические легенды и мифы различных народов о драгоценных камнях.

Белый и золотой (красный или желтый) - излюбленное сочетание цветов у русского народа. “Злато-серебро” украшает многие русские былины и сказания. Белокаменные храмы на белом снегу, увенчанные солнцем золотого купола, воздвигали древнерусские зодчие. Жемчужным шитьем украшали парадные одежды русские женщины.

Переяславльская летопись (X век) рассказывает о том, как древлянскому князю Малу привиделся сон, будто княгиня Ольга одарила его шитой жемчугом одеждой: “Пришед Ольга даеше ему порты многоценны, червлены, вся жемчугом иссажены”. Одежды, украшенные жемчугом, мы встречаем на фреске XI века под куполом Софийского собора в Новгороде. В наших музеях можно найти образцы шитых жемчугом женских и девичьих головных уборов, относящихся к восьми разным столетиям.

На Руси был известен крупный (”великий”, “велий”) жемчуг правильной формы (”скатный”, “окатный”). Его добывали во многих северных реках. Но особенно славился “кафимский” жемчуг, названный так, очевидно, по месту, где им торговали (Кафа - древнее название Феодосии).

Слово “жемчужный” означало в эпической поэзии самое высокое качество предмета. “Един же изрони жемчужину душу из храбра тела чрес злато ожерелие”, - пишет автор “Слова о полку Игореве”.

Вот какими словами подчеркивается внимание казачьих атаманов к богатырю Василию Буслаеву в одной из былин, включенных в знаменитый сборник Кирши Данилова:

“Собирается Василий Буслаевич

На свой червлен корабль.

Дают ему атаманы казачьи свои -

Перву миску чиста серебра

И другую красна золота,

Третью скатного жемчуга”.

Любопытно, что в России в XVII веке, а возможно, и ранее, делались попытки акклиматизации жемчуга и его искусственного производства. Так, сохранившийся до наших дней небольшой прудик у алтарных апсид Благовещенского собора в Сольвычегодске называется Жемчужным. Промышленники Строгановы пытались выращивать в нем жемчуг.

Путешествующий по России в конце 40-х годов XIX века барон Гакстгаузен, сообщает: “Трудно сосчитать жемчуг на образах и утвари у Троицы, легче было бы мерить его четвериками. На образах богородицы святых обыкновенно писаны только лики и руки, самое же платье прикрыто золотой ризой. Наиболее уважаемые образа вместо риз покрыты сплошь жемчугом и драгоценными камнями. Быть может, в одной Троицкой лавре жемчугу больше, чем во всей остальной Европе”.

“Илектр” или “Илектрон” - греческие названия янтаря, были широко известны и в Древней Руси. О янтаре-илектре в русских источниках встречаем: “Камень зело честен, един от других камней тако именуем, златовиден вкупе и сребровиден”.

В “стране воды” - Литве сохранилось предание о Юре, богине моря, которая влюбилась в простого рыбака. Перун, рассердясь на нее за страсть к смертному, разгромил ее подводные палаты. Обломки этих палат - куски янтаря, выбрасываемые во время бури на берег моря.

Известный русский историк, этнограф и критик литературы Н. И. Надеждин выдвинул гипотезу об общности слов “илектрон”, “алатырь”, “латырь”.

Предание о чудесном камне латыре было распространено по всей Руси. Он упоминается в народных заговорах как снадобье при “лечении разных телесных и сердечных недугов”. В былинах о нем говорится: “бел-горюч камень-алатырь”, лежащий “на море на окияне, на острове на Буяне”. Его добавляли в состав благовонных курений, которым приписывались целебные свойства.

Драгоценные камни и изделия из них широко проникали на Русь из Византии. Среди них были “крабицы” или “жуковины” - те же скарабеи. Много дорогих камней и жемчуга приобреталось на украшение церковной утвари, книг и икон. Огромные материальные и художественные богатства стекались к наиболее почитаемой на Руси иконе “Троица” - великому произведению Андрея Рублева. По заказам Грозного и Годунова к этой иконе были изготовлены великолепные оклады, драгоценные подвески и пелены.

Искусствовед Т. В. Николаева отмечает, что в этих окладах есть редчайшие камни Древнего Египта - изумруды густо-зеленого цвета и хризолиты-оливины. Один из изумрудов на годуновской “жемчужной” пелене имеет древнюю шлифовку и тот особый оттенок зеленого цвета, который встречается только у изумрудов из знаменитых африканских копей Джебаль Забарах. Некоторые изумруды привезены в Россию из Египта через Индию - это просверленные бусины со старой индийской огранкой. Широко использованы для украшения окладов рубины и сапфиры разнообразнейших оттенков. Родина этих камней Цейлон и Индия, Есть здесь и благородная шпинель (драгоценный камень, прозрачный, густо-красного или розового цвета), получившая свое название в Аравии, и зеленоватая бирюза с Синайского полуострова.

Драгоценные камни повествуют о сложных торговых путях, по которым они пришли к центру Русского государства - Москве.

Ценность многих самоцветных камней определяется не только их природной редкостью, красотой и оригинальностью обработки, но и в не меньшей степени она зависит от исторических событий и легенд, связанных с этими замечательными творениями природы и рук человеческих.

В Бирманской легенде рассказывается об орле Лале. Он был сильный, смелый, его боялись все птицы и звери. Шли годы, орел старел. Однажды, желая взлететь высоко в небо, он не смог оторваться от земли. Лал понял, что близится к концу его орлиный век. Он уже не мог догнать серну.

Он довольствовался тем, что опустошал птичьи гнезда. Однажды он встретил филина, который даже не пошевелился при виде орла, и сказал орлу филин: “Послушай, дружище! Ты уже стар, и не в состоянии добыть себе пищу, я согласен делиться с тобой мышами, только не трогай моих птенцов”. Лалу стало противно и стыдно, но ничего не ответил гордый орел. Он стал думать над тем, что ему однажды сказал ворон: “Лучше быть ползающим по земле муравьем, чем мертвым тигром”. “Нет - решил Лал, - надо вовремя родиться и вовремя умереть”.

Лал собрал последние силы и поднялся высоко в небо, и там, сложив бесстрашно крылья, упал на острую скалу и облил кровью берег реки. Капли крови Лала застыли, превратившись в кроваво-красные благородные бирманские рубины. А от слова “лал” пришло в русский язык слово “алый”.

Говорят, что древнейшие каменные браслеты, изготовленные сверлением, появились еще в эпоху неолита, а им предшествовали браслеты из бивней мамонтов. Уже в бронзовом веке распространились металлические браслеты. Эстетами оказались греки и римляне, изящные браслеты которых были украшены маленькими скульптурными фигурками.

Слово «браслет»берет свое начало от французского «bracelet». Что означает «запястье» (произошло от корня «bras» - «рука»). Это украшение в виде кольца, которое носят на запястье, предплечье, ноге.

Большой популярностью пользовались золотые браслеты в древнем Египте. На сохранившихся фресках того периода можно видеть большое число тонких браслетов на руках знатных египтян. У германских воинов браслет служил символом доблести и являлся амулетом, защищавшим в бою. В Северной Европе особой популярностью у мужчин пользовались золотые браслеты. Их носили поверх одежды. В то же время представители южных народов: испанцы и итальянцы, предпочитали носить на обнаженном запястье. На Руси браслеты стали носить гораздо позже - примерно, в XII веке. Именно тогда стали украшать запястья рук большим количеством разноцветных ободков.

Мода всегда следует за социальными явлениями, нравами и традициями, и потому, все, что происходило в истории браслета, несомненно, связано с этими факторами, впрочем, как и мода на одежду. Музыку и все остальное. Современники А.С.Пушкина упоминали о браслете зеленой яшмы с надписью на «турецком». Поэт носил его на предплечье левой руки. Он точно знал, что в старину браслеты на предплечье носили только цари, князья или их жены. Браслеты на запястье и ближе к локтю носили «простые» люди. Сегодня мало, кто знает, что раньше сословное различие в одежде выражалось лишь в качестве ткани и в украшениях. Украшения не были позволены простолюдинам, так как они были символом сакральности и господства власти. И это демонстрировалось амулетами, подвесками, кольцами, бусами, золотыми диадемами, а также поясами, ножнами и браслетами. Со временем сакральный смысл украшений отходит, и на смену ему приходит символ богатства, достатка и украшения.

В средние века в Западной Европе браслеты почти исчезли из-за моды на длинные рукава в женской одежде. С эпохи Возрождения они снова распространились в Западной Европе одновременно с модой на короткие рукава. На Руси в 11 - 13 вв. браслеты (их называли обручами) были обычны: у знатных женщин - из золота или серебра, украшенного чернением, у горожанок - из стекла, у крестьянок - из меди.

В середине XVI века золотые браслеты стали украшать жемчугом и драгоценными камнями. Мужскую половину человечество влекло благородство серебра. В XIX веке браслеты стали более элегантными и утонченными. Модницы того времени с удовольствием щеголяли в золотых и серебряных браслетах, имитирующих древнегреческие орнаменты. Таким образом, и форма браслета, и материал, из которого он изготовлен, и место, которое он занимает на руке, зависят от традиций общества. Так, в Древней Руси носили браслет-обруч, свободно скользивший по руке. Нравы же XVIII века требовали, чтобы женская одежда была наглухо закрытой, поэтому обручи сменились «запястьями» и «зарукавьями». («Запястья» и «зарукавья» - виды браслетов. «Запястья» пришивались к рукаву как манжет. «Зарукавья» надевались в виде цепочки поверх рукава).

В середине XVIII века нарастал после раскопок Помпеи интерес к античности. Многие собирали коллекции минералов, из которых можно было создать браслет со смыслом: по первым буквам названия составлялся личный девиз. А эпоху Александра I носили обручи и цепочки у щиколотки. В XIX веке особо популярны стали браслеты-медальоны и браслеты с портретом. Их носили на левой руке и называли «сантимент». К середине XIX века стали носить «браслеты-монстры», как назвал их И. Панаев. По его словам «Эти браслеты так массивны, так огромны, что их можно легко рассмотреть из партера театра». В XIX веке носили парные украшения, браслеты-эсклаважи, или склаважи. Такое украшение состояло из двух обручей одинаковых размеров (один у кисти, другой - у локтя), которые соединены цепью в виде оков. Отсюда и название эсклаваж, что в переводе с французского означает «рабство», «сердечная неволя».

В середине XVIII века нарастал после раскопок Помпеи интерес к античности. Многие собирали коллекции минералов, из которых можно было создать браслет со смыслом: по первым буквам названия составлялся личный девиз. А эпоху Александра I носили обручи и цепочки у щиколотки. В XIX веке особо популярны стали браслеты-медальоны и браслеты с портретом. Их носили на левой руке и называли «сантимент». К середине XIX века стали носить «браслеты-монстры», как назвал их И. Панаев. По его словам «Эти браслеты так массивны, так огромны, что их можно легко рассмотреть из партера театра». В XIX веке носили парные украшения, браслеты-эсклаважи, или склаважи. Такое украшение состояло из двух обручей одинаковых размеров (один у кисти, другой - у локтя), которые соединены цепью в виде оков. Отсюда и название эсклаваж, что в переводе с французского означает «рабство», «сердечная неволя».

Современные материалы разнообразны: кожа, солома, бисер, расшитая ткань, кость, эмаль и, конечно же, драгоценные материалы. Нетрадиционные для Европы ювелирные материалы получили особое распространение в молодежной среде. В деловых же ситуациях следует придерживаться традиционных материалов и ювелирных техник. Очень часто браслет заменяют декорированные часы-браслеты в корпусе из золота или платины, с отделкой алмазами, рубинами или сапфирами. В наше время браслеты подразделяются на браслеты молодежные или нетрадиционные и традиционные или классические браслеты. Традиционные классические браслеты изготавливают по традиции из драгоценных материалов - золота, серебра и драгоценных камней. Молодежные браслеты или нетрадиционные изготавливаются из нетрадиционных материалов. Особенно молодежная мода поощряет кожаные браслеты, а также браслеты из соломы, бисера, расшитой ткани, кости или эмали.